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25 películas sobre las regiones más oscuras de la mente humana

Arte

Por: pijamasurf - 03/12/2018

Si la psique es por sí misma un objeto de estudio y reflexión vasto, siempre sorprendente, bajo la mirada creativa del cine puede tomar formas que nos sorprenden aún más de su naturaleza

De las varias regiones que el cine ha explorado en su historia, la mente humana ha sido una de las que mayor provecho le han brindado, en varios sentidos. Si la psique es por sí misma un objeto de estudio y reflexión vasto, siempre sorprendente, bajo la mirada creativa del cine puede tomar formas que nos sorprenden aún más de su naturaleza.

A continuación compartimos 25 cintas que, por encima de todo, tienen como protagonista a la mente: sus límites, sus conflictos, sus transformaciones en momentos críticos.

Una lista que, claro, no es exhaustiva.

 

Das Experiment, Oliver Hirschbiegel (2001)

En la historia reciente de la psicología existe un experimento que se volvió célebre, aunque no por las mejores razones. En 1971, el profesor Philip Zimbardo reunió a un grupo de estudiantes de Stanford para recrear las condiciones de una cárcel: algunos serían los guardias y otros los prisioneros. El objetivo de esta simulación era estudiar las transformaciones de la personalidad humana por causa del poder, la autoridad, la dominación, el aislamiento y la permisividad. En tan sólo 6 días, el experimento se salió de control. Desde la ficción, esta película recrea tanto el principio como las derivaciones del “experimento de la cárcel de Stanford”.

 

Kill List, Ben Wheatley (2011)

Dos exsoldados, compañeros de armas y amigos, se hacen contratar por un personaje misterioso para matar a tres personas en una lista a cambio de una suma cuantiosa de dinero. La tarea, sin embargo, se vuelve cada vez más siniestra conforme avanza. Narrativamente, se trata de una historia eficaz en el suspenso psicológico y en la maestría con que arriba al final.

 

Angel Heart, Alan Parker (1987)

Protagonizada por Robert De Niro y Mickey Rourke, esta cinta detectivesca sigue la historia de un investigador (Rourke) contratado para buscar a un cantante desaparecido misteriosamente. El detective comienza su tarea, pero pronto se ve en medio de los asesinatos consecutivos de las personas con quienes habla y se informa sobre el paradero del artista. Cada descubrimiento se convierte, así, en un giro inesperado para la historia.

 

Ne le dis à personne, Guillaume Canet (2006)

Un hombre ha pasado 8 años llorando a su esposa, muerta a manos de un asesino en serie. Un día, sin embargo, recibe información misteriosa por la que se entera de que ella en realidad está viva. Este conocimiento le hace no sólo salir de su dolor, sino emprender una cacería humana en contra de las personas que al parecer estuvieron asociadas a su desaparición. 

 

Los cronocrímenes, Nacho Vigalondo (2007)

Entre la ciencia ficción y el thriller psicológico, esta cinta se sirve de los recursos del viaje en el tiempo y la investigación de un crimen para desarrollar poco a poco una historia profundamente perturbadora.

 

Rose Flower, Red Lotus, Kim Jee-woon (2003)

Conocida como Historia de dos hermanas o simplemente Dos hermanas, esta cinta combina el suspenso con el terror psicológico, a partir del personaje protagónico de una niña que se reúne con su familia después de estar aislada en un manicomio.

 

El secreto de sus ojos, Juan José Campanella (2009)

Una de las cintas más aclamadas del cine argentino contemporáneo, sobre todo por el uso magistral de su narrativa no lineal. La historia sigue la investigación obsesiva que hace un detective policíaco del ultraje y asesinato de una joven.

 

Jacob’s Ladder, Adrian Lyne (1990)

Una cinta que explora las consecuencias en la psique de haber experimentando los horrores de la guerra, en este caso, la de Vietnam, en el personaje ficcionalizado de un anodino empleado postal.

 

Repulsión, Roman Polanski (1965)

¿Qué efectos tiene el encierro en una persona? ¿Cómo afectan a la mente los recuerdos traumáticos asociados con un espacio? Dos preguntas que esta cinta busca responder, con un manejo notable de la efectividad cinematográfica.

 

Manhunter, Michael Mann (1986)

Si bien el personaje de Hannibal Lecter entró al imaginario popular sobre todo con la adaptación cinematográfica de El silencio de los inocentes (Jonathan Demme, 1991), Manhunter es la cinta inaugural de la historia de este personaje. Aquí, un agente retirado del FBI vuelve al trabajo para perseguir a un asesino serial.

 

Videodrome, David Cronenberg (1983)

Una cinta perturbadora de Cronenberg en donde se conjugan el crimen, la perversión sexual, la especulación científica y la reflexión filosófica. 

 

Whatever Happened to Baby Jane, Robert Aldrich (1962)

¿Hasta dónde puede llegar la rivalidad que a veces puede sentirse con una hermana? Con una buena dosis de terror psicológico y ciertos momentos de humor negro, esta película sigue la relación a veces compleja que puede tenerse con alguien tan cercano.

 

Eyes Wide Shut, Stanley Kubrick (1999)

La última cinta de Kubrick explora el límite aparente entre la fantasía y la realidad en el ámbito de la sexualidad. En un primer momento, la mayoría de nosotros puede soñar con que sus fantasías se hagan realidad, ¿pero estamos verdaderamente listos para asumir ese deseo?

 

A Clockwork Orange, Stanley Kubrick (1971)

La adaptación de Kubrick de la novela homónima de Anthony Burgess. Una de las cintas que, entre otros aspectos, ha retratado mejor la idea del conductismo psicológico y las investigaciones sobre la posibilidad de manipular la conducta humana a través de cierta forma de intervención no exenta de violencia.

 

The Conversation, Francis Ford Coppola (1974)

Coppola filmó esta cinta en uno de los momentos más exitosos de su carrera, el mismo año en que ganó el Oscar a la mejor película por El Padrino II. En esta película, la tensión dramática y psicológica se construye a partir de un elemento muy sencillo: un hombre que escucha lo que quizá no debió escuchar. 

 

Vargtimmen, Ingmar Bergman (1968)

Conocida como La hora del lobo, esta película de Bergman explora el sufrimiento que es capaz de desencadenar la represión de emociones cruciales para el ser humano. 

 

The Wicker Man, Robin Hardy (1973)

Una película de culto sobre otro aspecto de la psique: sus transformaciones cuando adquiere la forma de un colectivo. Y qué mejor tema para evidenciar dichos efectos que a través de la religión y la manipulación social de la que ésta es capaz.

 

Dead Ringers, David Cronenberg (1988)

Otra cinta de David Cronenberg con transformación corporal y horror psicológico, en este caso encarnados en la historia de dos ginecólogos, hermanos gemelos, que seducen y se acuestan con las pacientes que llegan a su consultorio, aunque haciéndose pasar por una misma persona.

 

Blue Velvet, David Lynch (1986)

Esta lista no podría estar completa sin Blue Velvet de Lynch, una de las películas que mejor retratan la relación de nuestras emociones más elementales con nuestras primeras figuras de identificación afectiva.

 

The Night of the Hunter, Charles Laughton (1955)

Un ministro de culto que secretamente ha renegado de su fe busca seducir a una viuda acaudalada para después matarla y quedarse con su fortuna. Misterio, crimen, amor falso, hipocresía: ¿qué más hace falta para explorar las zonas más oscuras del alma humana?

 

The Innocents, Jack Clayton (1961)

Desde su estreno y hasta la fecha, esta cinta ha sido admirada por la forma de contar su historia y llevar al espectador a la sorpresa del final. Más allá de hacer una sinopsis de la trama, invitamos a nuestros lectores a ver la cinta y comprobar el efecto por sí mismos.

 

Don’t Look Now, Nicolas Roeg (1973)

Se dice que la muerte de un hijo es el dolor más profundo que un ser humano puede experimentar. En esta película se explora dicha situación en una mujer y un hombre que pierden a su hija y, en su duelo, se enfrentan a circunstancias imprevisibles.

 

Rosemary’s Baby, Roman Polanski (1968)

Un clásico del terror psicológico que tiene como motivo central, según lo anuncia su título, un bebé cuya madre vive el embarazo en condiciones psicológicas de paranoia, neurosis e, incluso, cierto tormento mental.

 

Les Diaboliques, Henri-George Clouzot (1955)

Un hombre dirige despóticamente una escuela junto con su esposa, al tiempo que sostiene una relación ilícita con una de las maestras de la institución. La tiranía de su personalidad se extiende también al trato con estas mujeres, quienes eventualmente se confabulan para deshacerse de él. 

 

Vértigo, Alfred Hitchcock (1958)

La cinta más poética de Hitchcock, según François Truffaut, es también un thriller psicológico complejo, en el que se monta a la perfección unos de los principios más básicos del psicoanálisis: la única emoción siempre auténtica es la angustia, todas las demás son eventualmente falsas (el amor, la primera de ellas).

 

¿Qué película agregarías tú? No olvides dejar tus sugerencias en la sección de comentarios de esta nota o a través de nuestras redes sociales.

 

También en Pijama Surf: Estas 21 películas sacudirán tu conciencia y te llevarán a preguntas que quizá no te has hecho

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En esta breve edición de DECÁLOGO, citamos 10 curiosidades fácticas de los Premios de la Academia

La entrega número 90 de los premios Óscar dejó un aroma de triunfo latinoamericano con la victoria de Chile en la categoría de Mejor Película Extranjera con Una mujer fantástica de Sebastián Lelio, y más aún con los sendos premios recibidos por Coco, película animada, basada en la festividad mexicana del Día de Muertos, y por la coronación de La forma del agua, escrita, dirigida y producida por Guillermo del Toro, quien sumó sus primeras dos estatuillas.

Antes de iniciar el DECÁLOGO, es preciso señalar que además de Guillermo del Toro, Alejandro González Iñárritu también recibió un Premio de la Academia en la presente entrega, la cual hizo mención del reconocimiento que el director mexicano recibiera previamente (su quinto Óscar) por su logro técnico en la realización de la cinta virtual Carne y arena. Aunado a las anteriores menciones, una serie de datos curiosos que podrían con creces rebasar la decena capitular de esta columna sucedieron a modo de anécdota, numeralia y aportación histórica. En esta breve edición de DECÁLOGO citamos 10 de esas curiosidades fácticas en heredad de una celebración que buscó ser consciente del entorno social y activista, inclusivo y plural, dejando el veredicto en la audiencia. El orden, como ha sido tradición en esta columna, no obedece al grado de importancia sino al filo del apego.

 

10. JAMES IVORY, enorme director de joyas como Un romance indiscreto (1985), El final del verano (1992), y Lo que queda del día (1993), recibió por fin una estatuilla, no a la Mejor Dirección, pero sí a Mejor Guión Adaptado por la espléndida Llámame por tu nombre, basada en la novela de André Aciman y dirigida por Luca Guadagnino. Este logro lo alcanzó a los 89 años, uno de los ganadores del Óscar más longevos de la historia.

 

9. LA FORMA DEL AGUA se convirtió en apenas la segunda película del género fantástico que gana la categoría principal. Su antecesora fue la extraordinaria tercera entrega de El señor de los anillos (2001-2003); El regreso del rey (2003) ganó las 11 estatuillas a las que estaba nominada, incluyendo director y película para Peter Jackson. La forma del agua se suma a las cintas que han llevado a este género de ficción al reconocimiento narrativo, ya que, normalmente, este tipo de cintas son premiadas en categorías técnicas.

 

8. ROGER DEAKINS, maestro de la fotografía, con 14 nominaciones previas al Óscar, había concluido las ceremonias con un serial de ovaciones suspendidas ante sus derrotas: 1984 (1984) de Michael Radford; Barton Fink (1991), de los hermanos Cohen; Sueños de fuga (1994), de Frank Darabont; Una mente brillante (2001), de Ron Howard; Sin lugar para los débiles, de los propios hermanos Cohen, o Skyfall (2012), la entrega de James Bond de Sam Mendes, son algunos de sus celebrados títulos. En esta entrega número 90, Deakins recibió finalmente el Premio de la Academia por su bello trabajo en Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve.

 

7. JODIE FOSTER, JENNIFER LAWRENCE, HELLEN MIRREN y JANE FONDA, por vez primera, cuatro actrices ganadoras del Óscar a Mejor Actriz entregaron ambos reconocimientos actorales en papel principal. Regularmente, los ganadores del premio en el año anterior hacen la entrega a modo de estafeta, quien recibe Mejor Actor entrega a Mejor Actriz del año venidero y viceversa. En esta ocasión fueron cuatro actrices las que repartieron ambos premios, concedidos esta vez a Frances McDormand por Tres anuncios por un crimen, de Martin McDonagh, y Gary Oldman por Las horas más oscuras, de John Wrigth. De los ganadores del año pasado, Emma Stone entregó el premio a Mejor Director para Guillermo del Toro, mientras que Cassey Affleck, quien ganase en polémica referencia por fuertes acusaciones de abuso sexual, en esta ocasión, con total razón, no fue convocado.

 

6. JORDAN PEELE. Por vez primera, dos guionistas afromaericanos reciben el premio Óscar de forma consecutiva; Barry Jenkins logró el cometido con su guión adaptado de la obra de Tarell Alvin, Luz de luna (2016), además de consagrarse como productor al recibir el merecido aunque curiosamente polémico premio a Mejor Película. A la par, Peele obtuvo el Premio de la Academia en la categoría de Mejor Guión Original con su ópera prima ¡Huye!. Cabe señalar que ambos guionistas fueron directores de sus respectivas cintas.

 

5. UNA MUJER FANTÁSTICA se convierte en la primera película chilena que recibe el premio Óscar en la categoría de Mejor Película Extranjera; es la sexta cinta hablada en español que recibe el galardón, la tercera latinoamericana y la primera desde que la argentina El secreto de sus ojos (2009), de Juan José Campanella, lo recibiera en el 2010. Una mujer fantástica, dirigida por Sebastián Lelio, está protagonizada por Daniela Vega, quien acaparó reflectores, atención y la admiración de la audiencia durante la entrega. A la fecha, sólo Argentina y Chile han recibido la estatuilla; México, aunque ha protagonizado las recientes entregas en categorías principales por parte de sus representantes en Fotografía y Dirección, no ha obtenido el codiciado premio, a pesar de haber sido ya nominada en varias ocasiones, desde Macario (1959), de Roberto Gavaldón, hasta Biutiful, de Alejandro González Iñárritu, en el 2010.

 

4. RITA MORENO asistió a la ceremonia número 90 con el mismo vestido que utilizó en la ceremonia de 1962, cuando Amor sin barreras (1961), de Robert Wise y Jerome Robins, arrasó la entrega número 34 con 10 premios incluyendo Mejor Película, y que le otorgó a la célebre actriz puertorriqueña el premio a Mejor Actriz de Reparto.

 

3. JOHN WILLIAMS, sinónimo sonoro de la cinematografía mundial, creador de varias de las más reconocibles, populares e importantes partituras musicales que han ataviado al séptimo arte, alcanzó su nominación número 50. Un número por demás significativo que lo sitúa como una de las personas con mayores nominaciones al Premio de la Academia, a la altura de Walt Disney. Williams, ganador de cinco Premios de la Academia y artífice de las instantáneas y generacionales piezas antológicas de Tiburón (1975) de Steven Spielberg, Star Wars de George Lucas, o Indiana Jones, del binomio productor-director Lucas/Spielberg, fue nominado una vez más por una entrega de la saga Star Wars: La guerra de las galaxias: El último Jedi de Rian Johnson, fue el colofón para sumar media centena de referencias nominales en la más mediática de las premiaciones cinematográficas. El premio finalmente correspondió a Alexandre Desplat, quien sumó su segunda estatuilla por La forma del agua.

 

2. FRANCES MCDORMAND recibe su segundo Óscar a Mejor Actriz, tras más de 2 décadas de haber recibido su primero en 1997 por la obra maestra de los hermanos Cohen, Fargo, secuestro involuntario (1996). McDormand corona una temporada de reconocimientos que sucedieron al estreno de Tres anuncios por un crimen que, en sintonía con Fargo, implican la fortaleza, perspicacia y valentía de un personaje femenino envuelto en una trama policial de misterio y crimen. Si algún momento resultó por demás emotivo durante la ceremonia número 90, ese fue sin duda la coronación de McDormand, más que por su alabada interpretación, por su llamado al reconocimiento, homenaje y autoafirmación de todas las mujeres nominadas en las distintas categorías, levantándose de pie y esgrimiendo sonoros aplausos para una citación acorde a los tiempos y contextos de la industria hollywoodense. Merecido premio, merecidos aplausos, el momento de la entrega.

 

1. GUILLERMO DEL TORO se convirtió en el tercer director mexicano que recibe el galardón a Mejor Director, y el segundo que logra la hazaña de la mano del premio a Mejor Película, tal como lo hiciera Alejandro González Iñárritu con Birdman (2014). Guillermo del Toro se suma así al ya citado Iñárritu, quien recibiera la estatuilla por Mejor Director también en el 2016 por El renacido (2015), y a Alfonso Cuarón por Gravedad (2013).

Con este galardón, Del Toro sumó el cuarto premio Óscar a Mejor Director para realizadores mexicanos, hito alcanzado en la presente década, por lo que de siete entregas en la categoría llevadas a cabo hasta la fecha, en cuatro los mexicanos han salido airosos tras la nominación. Lo anterior se viste aún más de gran gesta si sumamos los tres Óscares ganados por el fotógrafo Emmanuel Lubezki por las ya mencionadas cintas dirigidas por Iñárritu y Cuarón, que además fueron otorgados de forma consecutiva.

En las entregas mencionadas, los autollamados “compadres” ganaron al menos dos premios. En el 2013, Cuarón ganó Mejor Edición y Dirección; en el 2014 Iñárritu recibió Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Película; y en el 2015, Mejor Director. Con La forma del agua, Guillermo del Toro recibió Mejor Director y Mejor Película, celebrando así la gran noche de su cinta fantástica que explora el amor desde los sentidos, y que hace de su trama un viaje hacia la otredad que nos confronta, atrae e invita al amor cuando se ama.

 

* Iván Uriel Atanacio Medellín. Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El surco y El Ítamo (Universidad Veracruzana, 2015), que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La voz humana y Día de descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com.