15 películas sobre las dificultades de una relación, la soledad y la búsqueda del amor
Arte
Por: Juan Pablo Carrillo Hernández - 02/12/2021
Por: Juan Pablo Carrillo Hernández - 02/12/2021
Entre las varias situaciones contradictorias que el ser humano experimenta a lo largo de su vida, las relaciones que llega a entablar con sus semejantes son una de las más enigmáticas. Por un lado, somos seres que buscamos naturalmente la compañía y, de hecho, fue gracias a nuestra capacidad para socializar y convivir en grupo que sobrevivimos y evolucionamos como especie.
Al mismo tiempo, sin embargo, entablar relaciones conlleva algunas dificultades. Por distintos motivos, la soledad, el aislamiento o alguna otra forma de dicha dificultad se impone sobre la inclinación natural a la compañía, impidiendo la conexión con los demás y aun con el mundo alrededor.
Las cintas que ahora compartimos exploran dichas contrariedades desde distintas perspectivas. En algunos casos se observa que la soledad es un síntoma de estados emocionales complejos, en otros parece ser efecto de la alienación social que propicia el sistema en el que vivimos, y en otras cintas la soledad se experimenta como un tránsito necesario hacia algo más.
¿Qué provoca el encuentro de dos seres solitarios? En parte esa es la pregunta que anima esta cinta de Sofia Coppola, protagonizada por Bill Murray y Scarlett Johansson y rodada en Tokio.
Kaurismäki ha explorado con sensibilidad las tragedias interiores del ser humano con una perspectiva muy particular, que se ha identificado con la ironía y cierto humor mordaz. En esta cinta se cuenta la historia de un hombre que labora como guardia, que carece de amigos y que en cierto momento comienza una relación con una mujer. La fotografía de la película (que corrió a cargo de Timo Salminen) estuvo inspirada en la paleta de colores y el estilo visual de un gran solitario: Edward Hopper.
Esta cinta animada, profundamente conmovedora, cuenta la historia de la amistad inesperada, azarosa y postal entre una niña de 8 años que vive en Australia y un hombre de 44 años que reside en Nueva York. Además del estilo cinematográfico, la película destaca también por su banda sonora.
Probablemente una de las cintas que mejor han expresado una de las formas más comunes de la soledad contemporánea, nacida paradójicamente en una época en que la comunicación y las conexiones se desarrollaron frenéticamente. Entre las varias preguntas que recorre la cinta, una de ellas es: ¿por qué a algunos les parece más fácil relacionarse con un sistema operativo que con una persona?
Durante un viaje por carretera con la esposa de uno de sus hijos y otros tres jóvenes, un viejo profesor, viudo y retirado, reflexiona sobre las relaciones que tuvo a lo largo de su propia vida, pero también sobre aquellas que sostienen actualmente sus compañeros de travesía, con particular énfasis en la angustia que casi siempre acompaña lo mismo la ausencia que la presencia de los otros.
El nombre de esta cinta alude al “desierto” interior por el que vaga una persona, perdida o confundida en sus propias emociones, incapaz también (por diversos motivos) de establecer un contacto vital con el mundo a su alrededor. Antonioni elabora esta metáfora a partir de la historia de una mujer que después de un accidente automovilístico, cae en una tristeza profunda.
Conocida también en español como El silencio de un hombre, esta cinta sigue la historia de un asesino a sueldo que vive estrechamente en muchos sentidos: no sólo con pocas pertenencias materiales, sino también con cierta limitación interna y emocional. Se trata, en cierta forma, de un lobo solitario que no por casualidad realiza una tarea que demanda honor y silencio. Conforme a la historia que relata, la cinta destaca también por su minimalismo visual de gran eficacia expresiva.
Esta película es una joya poco valorada de la ciencia ficción y de la exploración cinematográfica de las emociones humanas. La historia se sitúa en un futuro distópico en el que la vida vegetal ha desaparecido de la faz de la Tierra pero algunas especies se conservan en tres naves que orbital en torno a Saturno, cuidadas a su vez por un hombre y dos robots de mantenimiento. El director de la cinta, Douglas Trumbull, fue jefe de efectos especiales en distintas producciones, notablemente en 2001: A Space Odyssey, de Stanley Kubrick (1968).
Bajo el manto de la ciencia ficción y a partir de la novela homónima de Stanisław Lem, Tarkovski dirigió una de las cintas más contundentes en torno a esa forma de la soledad que tiene su origen en el desconocimiento que el ser humano tiene de sí mismo.
Una de las cintas más importantes en la trayectoria de Martin Scorsese, Taxi Driver sigue la vida de Travis Bickle (Robert De Niro), un hombre que ha dejado el ejército y que vive solo en Nueva York, en un estado mental y emocional crítico. Para algunos, Taxi Driver refleja la soledad paradójica de las grandes ciudades, que aunque concentran a miles o millones de personas, fomentan también la alienación.
Un hombre arrepentido de haber abandonado a su esposa y a su hijo 4 años atrás busca volver a establecer contacto con ellos, lo cual implica también reconocer el maltrato que les infligió. En este caso, la cinta hace ver cómo con cierta frecuencia son las propias heridas emocionales de una persona la razón por la cual puede llegar a aislarse de los demás.
Dos ángeles se encuentran en Berlín, siguen la vida de algunos mortales, al principio con curiosidad y ocio, después con cierto interés y al final por amor, al menos en el caso de uno de ellos. La cinta (que en español se conoce también como El cielo sobre Berlín) muestra que la soledad puede quedar reservada para la eternidad, pero no para este mundo, que está hecho para que disfrutemos de la compañía de otros.
Una película dura que tiene como protagonista a un hombre de mediana edad, inteligente y culto, pero perturbado emocionalmente, incapaz de detener la espiral de autodestrucción por la que desciende.
Esta fue la primera cinta de una trilogía dedicada a explorar los ideales de la Revolución Francesa (libertad, fraternidad e igualdad). En Tres colores: Azul, Kieślowski presenta la historia de una mujer que pierde en un accidente automovilístico a su esposo y a su pequeña hija. Ella misma intenta suicidarse, pero sobrevive y su única manera de enfrentar la tragedia por la que pasa es aislándose del mundo. Sin embargo, la realidad misma se encarga de cuestionar su encierro.
Entre la ciencia ficción y la narrativa noir, Chungking Express cuenta la historia del “agente 233”, un policía solitario a quien su pareja abandonó recientemente. Wong Kar-wai exploró en esta película el amor y la melancolía, pero también la relación entre el presente y las experiencias del pasado.
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Imagen de portada: Lost in Translation
Artículo publicado originalmente el 12 de mayo de 2018, actualizado el 12 de febrero de 2021 por su relevancia y como parte de la revisión del Archivo Pijama Surf.