Para empezar, debo aclarar que los criterios usados para determinar esta lista buscan ver en pro de la música como vehículo del arte. El discurso político, de ideales y/o preferencias, etc., son independientes a lo que el arte busca manifestar a través de la música. En pocas palabras, separaré la lírica de la música (sólo la letra, no las melodías –estas forman parte de la composición musical–) y me concentraré completamente en lo que los artistas comunican a través del lenguaje de la música.
A continuación presento un breve conteo de los mejores discos del año y al final algunas menciones de otros discos, EPs y sencillos, a fin de cuentas lo mejor en música que nos entregó este año.
Los highlights de cada disco están incluidos en la playlist Lo mejor del 2020 (en este enlace).
Andrew Bird entregó un disco basado en el folk estadounidense, en momentos hasta jazz, presentado de manera genuina, dejando relucir la esencia creativa del artista. Al final resulta un disco sencillo, sutil y elegante; un disco que vale la pena escuchar de inicio a fin.
Todas las canciones en este disco son buenas y, sí, es de lo mejor que salió este año. La banda regresó y se hizo evidente que cada uno de los integrantes siguió su camino en la música. Este disco nos deja ver que hubo una exploración musical a nivel personal por parte de cada integrante (sobre todo guitarristas), la cual se vio reflejada en una manera diferente/nueva de componer para la banda, incluso decidieron dejar la producción de este disco en manos de Rick Rubin.
Ahora: entiendo que el espíritu de este disco ve a favor de algo más “casual”: juntarse con los viejos amigos y hacer música (?). Sin embargo la banda es capaz de entregar algo mejor que eso, ojalá algún día vuelvan a comprometerse con este proyecto.
Aquí es adonde la gente debe ir cuando busca música pop-electrónica/alternativa La Roux lo vuelve a dejar en claro en este disco. El trabajo entregado aquí sí es pop en esencia, pero verdadero, honesto y transparente, es dulce, tierno y podría decir que hasta ingenuo.
La obra propone algo nuevo a lo que ha sido la carrera del artista, pero sin dejar de lado el entendimiento y sobre todo la sensibilidad que suelen caracterizar a su música. Sufjan Stevens siempre ha sido capaz de entregarnos canciones que resultan ser toda una experiencia, y acá, aunque con una paleta de colores diferente, lo muestra una vez más.
Este disco, a fin de cuentas, resulta ser fruto de una nueva etapa en la vida del artista, etapa que se ve reflejada con transparencia en su música.
* Los siguientes tres discos lograron alcanzar a formar algo relevante/trascendente para la vida del arte, cada uno a través de sus medios, claro. Pero sin duda, los tres resultan ser discos importantes para cualquiera que esté realmente interesado en la música.*
Caribou vino a dar cátedra y a recordar de qué trata la libertad creativa, algo que, irónicamente, se ha olvidado o descuidado mucho en la música electrónica: tristemente muchos de los artistas propios de este género caen fácilmente en enfrascarse en sonar “fino”, en pocas palabras, hacer buen diseño de sonidos, por mucho, más que ver en pro de una buena construcción musical –algo en lo que el artista cayó en su discos pasados, Swim y Our Love–.
Suddenly resulta mostrar una síntesis y propuesta bien lograda de lo que es y trata el sampleo –algo que generalmente encontrábamos en el hip-hop–, presentado a través de música electrónica. De hecho, hay momentos en los que el disco me recuerda al espíritu joven de Daft Punk (Homework). El disco cuenta con una amplia gama de pasajes, incluso dentro de las canciones mismas, es todo un recorrido por la visión creativa del artista. A lo largo del disco, Caribou deja brillar su amplio criterio musical, presentado, claro, a través de música electrónica.
Desde mi punto de vista existen a grandes rasgos dos formas en que se presenta la creación: una es más “lineal” y la otra es más “circular” (cíclica), y de ambas se compone la música. La manera lineal la podemos ver presente con más claridad en la música europea occidental (“música clásica”). Por otro lado, la manera más cíclica, a pesar de no ser propia de nuestros tiempos, es la más manera que más se ha adoptado en la música occidental actual, la esencia de esta quedó expuesta con más claridad a través de la música psicodélica.
La psicodelia se construye a base de múltiples repeticiones y pretende inducir a la persona a un estado de conciencia contemplativo. Para nada es propio de un sonido sesentero, de chorus y delays, y debo decir que tampoco tiene que ver con el uso de sustancias psicotrópicas (esto sólo nos ha hecho incapaces de hacer el trabajo necesario para poder contemplar enteramente nuestro estado natural de conciencia).
Bien, pues Sonic Boom viene a darnos un disco que hace honor a esta manera de crear música, de la manera más clara y contundente posible. Es un disco que, incluso en palabras del mismo artista, si ponemos atención, trata de la naturaleza (más específicamente, de la vida misma) como un proceso que involucra ciclos (tan sólo veamos el día y la noche) y a través de estos es que se mantiene el equilibrio natural.
Es un trabajo que vale la pena de inicio a fin, un trabajo limpio, que entiende, que honra y nos presenta al espíritu de la creación.
El rock, en esencia, no tiene necesariamente que ver con “guitarrazos” y “tamborazos”. Trata más bien de esa otra cara que forma parte del orden natural: la crudeza, la agresividad, el caos. Todo esto vino a traer de vuelta a la artista con Fetch the Bolt Cutters, alentada por un discurso que proviene del descontento pero que cree profundamente en un mejor futuro.
Esta esencia del rock forma parte íntegra del proceso creativo reflejado en este disco. En las técnicas de grabación no se cuidó sigilosamente el proceso de grabación, como se suele hacer en “el estándar” al que normalmente estamos acostumbrados a escuchar. Y gracias a esto, a través de medios y métodos poco convencionales, se logró un trabajo increíble, honesto y transparente.
Por otro lado, la construcción musical es una locura. Hay momentos en que incluso recuerda a los trabajos más pesados de King Crimson (THRAK). En algunas canciones, Fionna Apple manifiesta su descontento tomándonos a través de la música como si fuéramos trapos húmedos que son exprimidos fuertemente, hasta finalmente ser liberados.
A través de sus medios y métodos creativos, hace evidente de qué trata el espíritu creativo; nos recuerda que la música no es rígida y mucho menos que debe estar anclada a las normas académicas, que trata más bien de una constante experiencia humana, y esta tiene siempre diferentes matices.
Como sea, siempre es bueno escuchar esta clase de compromiso, honestidad e integridad personal por parte de los artistas en la música. Idealmente así debería ser, a fin de cuentas eso es de lo que trata la música y la vuelve invaluable.
EPs, singles y LPs –álbumes que no lograron concretar un trabajo del todo íntegro, pero tienen canciones destacables–. De creerlo necesario –en el caso de los EPs y LPs– haré algunas breves anotaciones/aclaraciones.
Sí, “es el estilo de Animal Collective”, pero sentí innecesariamente largas las intros de las canciones en este EP, e incluso innecesaria la tercera canción (“Sux - Bier Passage”). Dejando eso de lado, “Piggy Knows” y “Bridge to Quiet” son canciones increíbles, necesariamente destacables como de lo mejor del año.
La cultura americana del rap en los últimos años ha tenido la mala costumbre de entregar discos muy largos sin justificación alguna: no todas las canciones son buenas, el disco no tiene unidad, no sigue una misma línea, sólo es largo porque sí –porque está “de moda” (?)–. Este es uno de esos discos. Sin embargo, sí entrega canciones que valen la pena (“Still”, “Try Again”, “Friends”, “We Got Love”).
Twitter del autor: @JavienLaNube
