La noticia causó conmoción, entre otras razones, porque Era fue durante varias décadas, una de las editoriales independientes más importantes de México, prestigio que se ganó a fuerza de creatividad y trabajo y, también, en cierta medida, a una muy buen aprovechamiento de las circunstancias de su época. La afortunada imprudencia juvenil de sus fundadores –los hermanos Neus, Jordi y Francisco Espresate, Vicente Rojo y José Azorín, todos ellos de menos de 30 años de edad al comenzar la editorial, entre 1959 y 1960– coincidió con un momento muy particular tanto de México como del mundo.

Para empezar, la editorial se benefició en lo inmediato del impacto que tuvo en la vida cultural, intelectual y académica de México el llamado “exilio español”, esto es, los españoles que abandonaron su país a causa de la Guerra Civil de 1936 a 1939, prácticamente todos ellos republicanos y, en el caso de los adultos, en varios casos ya provistos de una formación sólida en disciplinas como las ciencias sociales y humanas, las artes, la filosofía y otras. Los fundadores de Era pertenecieron al exilio español y, de no ser por éste, no se hubieran conocido en México, lo cual ya marca un cierto grado de importancia de dicha circunstancia.

Un segundo elemento que explica la importancia y consolidación de Era en el medio editorial mexicano fue la efervescencia cultural, social y política de los años 60 y 70 del siglo pasado, sin duda la mejor época de la editorial, durante la cual consolidó un catálogo actual y atractivo, apoyado particularmente en dos campos, la literatura y las ciencias sociales, lo cual no fue para nada casual.

Por el lado literario, dichos fueron los de la producción de varias de las obras que o se volvieron canónicas dentro de la literatura mexicana, o aunque menos importantes, fueron obra de los escritores que sin duda pertenecen ya a dicha historia. Por mencionar algunos de los más destacados de la época, fue en Era donde Carlos Fuentes publicó Aura, en 1962, sin duda el libro más leído del autor, tanto que hasta hace no mucho tiempo formaba parte de las lecturas obligatorias en las escuelas secundarias del país. José Emilio Pacheco también publicó ahí algunos de sus primeros poemarios, e igualmente Era fue la casa editorial de José Revueltas, algunos de cuyos libros tuvieron admirables portadas diseñadas por Vicente Rojo.

En Era apareció el primer libro de crónicas de Carlos Monsiváis, Días de guardar (1970), algunas primeras ediciones de Sergio Pitol, la también célebre La noche de Tlatelolco (1971) de Elena Poniatowska y dos de los libros más originales de Octavio Paz: Discos visuales y Marcel Duchamp, ambos publicados en 1968 y diseñados en colaboración con Vicente Rojo; el primero una suerte de artefacto poético manipulable, muy a la usanza de las prácticas artísticas de la época, y el segundo un libro-maleta inspirado en los famosos ready-mades del artista francés, con varios contenidos en su interior, a saber, escritos del propio Duchamp traducidos por Tomás Segovia, el ensayo "Marcel Duchamp o el castillo de la pureza” de Octavio Paz y reproducciones del artista.

Además del talento nacional, de por sí vasto, Era también recogió los frutos de parte del buen momento que vivió entonces la creatividad literaria de América Latina. En 1961 publicó la primera edición fuera de Colombia de El coronel no tiene quien le escriba, de Gabriel García Márquez, así como la primera edición autorizada por el autor de La mala hora, en 1962, su tercera novela. En 1968 salió de sus imprentas la primera edición fuera de Cuba de la monumental y legendaria Paradiso de José Lezama Lima, en este caso además con una feliz circunstancia adicional: a sabiendas de que la editio princeps publicada por Ediciones Unión en La Habana en 1966 abundaba en erratas, la revisión y corrección de Era estuvo a cargo nada más y nada menos que de Julio Cortázar y Carlos Monsiváis. A ello habría que sumar dos grandes escritores guatemaltecos exiliados en México a causa de la dictadura en su país que derrocó al gobierno democrático de Jacobo Arbenz: Luis Cardoza y Aragón, gran poeta y excelente crítico de arte y ensayista, y Augusto Monterroso, quizá el mejor exponente de la microficción y la narrativa miscelánea, ambos con títulos no sólo que se volvieron de referencia imprescindible en sus propios ámbitos, sino también de alguna manera entrañables para los lectores, sobre todo en el caso de Monterroso.

Y por si esto no fuera poco, cabe hablar de otro par de factores que de alguna manera están unidos: la fuerte presencia del marxismo en la cultura occidental de las décadas de 1960 y 1970 y, por otro lado, el aumento exponencial de la población con acceso a la educación universitaria en México en esos mismos años.

Ambas circunstancias van un poco de la mano porque, como decíamos, el otro gran pilar del catálogo de Era, además de la literatura, fueron las ciencias sociales, cuya producción académica y de divulgación se sostenía y se alimentaba de ese círculo virtuoso para la editorial. Si había interés por obras de divulgación o francamente académicas que explicaban algún aspecto de la realidad social desde una perspectiva marxista, era precisamente porque una parte importante de los lectores de la época se había formado en dicha perspectiva en las universidades del país. De ahí que títulos como La democracia en México de Pablo González Casanova (1965) o los Cuadernos de la cárcel de Antonio Gramsci (de 1975 el primer tomo) fueran también títulos del catálogo de Era con muy buena recepción.

A este panorama cabría agregar un apunte al margen: paradójicamente, la opresión del régimen priista en México provocó, como por carambola, una cierta fertilidad intelectual en el país, lo mismo entre autores, que entre editores y, por supuesto, lectores. Los escritores escribían no sólo incesantemente, sino además creativamente, como dominado por una sed de encontrar nuevos rumbos para su creatividad, emular o superar lo que se hacía en otras latitudes, estar a la altura o brillar con lustre propio. Y para dar lugar a esa creación hubo revistas literarias y académicas, suplementos en periódicos, editoriales con mayor o menor alcance, e incluso espacios poco usuales como lecturas de poesía, encuentros de escritores y otros. Y los lectores no se quedaban atrás: entre ellas y ellos se compartía un impulso un tanto inédito e insaciable por saber y cultivarse, discutir, estar enterados. Sin duda una combinación de circunstancias más que deseable para cualquier editorial que, por su parte y en el caso particular de Era, se le debe reconocer el mérito de haber sabido leer el momento que atravesaba el país y aprovecharlo a su favor. 

Sin embargo, parafraseando la vieja canción de Charles Trénet, cabría preguntarse ahora “que reste-t-il ?”, o dicho en buen español: ¿qué queda de todo aquello? Tras el anuncio de Era, varias personas en redes sociales, comentadores de ocasión pero quizá no del todo equivocados, sugirieron que el cierre de la editorial podría explicarse por la falta de renovación o actualización de su catálogo (aun con publicar excelentes escritores contemporáneos como Coral Bracho, Fabio Morábito o Verónica Murguía). Otros, más audaces, señalaron la inviabilidad de que una casa editorial aspire a sostenerse con la venta de un puñado de títulos, en su caso, Las batallas en el desierto y quizá algún otro longseller y venta garantizada del catálogo.

¿Cuándo fue la última vez que leíste una novedad de Era? ¿Has leído algún libro de Era publicado en los últimos diez años? De no ser así, una de dos: o Era no supo renovarse y apostó a vivir toda su vida de Las batallas en el desierto, o tú no eres el lector que crees ser y…

También se aludió al precio elevado de sus ejemplares o al hecho de que la obra de algunos autores otrora emblemáticos de la editorial –Malcolm Lowry, Carlos Monsiváis, José Emilio Pacheco, Elena Poniatowska, entre otros– ha pasado en años recientes a otros sellos, lo cual ha contribuido a mermar el interés contemporáneo por las publicaciones de Era.

La tragedia fue que el maravilloso catálogo de ERA estaba cada vez más fuera del alcance de sus lectores potenciales. ¿Cuántos días de salario mínimo costaba el tomo de Revueltas con el ensayo de sobre un proletariado sin cabeza?

El cierre de @edicionesera es, en parte, culpa de los herederos de autores icónicos que sacaron sus obras de su catálogo para dárselos a las grandes trasnacionales, como fue el caso de José Emilio Pacheco

La situación, como se advierte, no es para nada sencilla y difícilmente quedará zanjada pronto o del todo. El martes pasado, un día después de la filtración de su mensaje para clientes, la editorial emitió un comunicado oficial dirigido a los "muy queridos lectores de Era" en el que si bien amplía o explica de otras maneras las causas de su cierre, también deja entender que éste no es inmediato y quizá ni siquiera definitivo. "Lo que hoy anunciamos es que Ediciones Era reduce al mínimo sus operaciones", dice el mensaje, con una cierta ambigüedad que no se deja descifrar con soltura.

Ante las dudas generadas por un comunicado interno para clientes que se hizo público en diversos medios de comunicación, preparamos para todos los lectores que nos han acompañado a lo largo de 66 años este único mensaje oficial sobre Era, ya disponible en nuestro sitio web. pic.twitter.com/JMNOZI37QB

Además, el viernes 21 de agosto la Secretaría de Cultura del gobierno de México anunció una venta especial en apoyo a la editorial: un fin de semana en las instalaciones del Complejo Cultural Los Pinos en donde Era llevará ejemplares de todo tipo: descatalogados, firmados por autores, de su catálogo actual y otras mercancías como tazas y libretas. 

Una medida no se sabe si de emergencia o improvisada, y quién sabe si en última instancia inútil, dada la situación agonizante de la editorial. En todo caso, sin duda tardía, pues el gobierno –a través de instituciones como su sistema de bibliotecas públicas y librerías, la Secretaría de Educación y las dependencias culturales en general– tiene un grado de responsabilidad en el mantenimiento y buen desarrollo del ecosistema del libro, del cual forman parte importantísima las editoriales independientes. Una “venta especial” de dos o tres días es incomparable con prácticas sostenidas en el tiempo como la compra de ejemplares para el acervo de bibliotecas públicas, la formación de lectores a través del sistema educativo nacional o la implementación de clubes y otros espacios similares, programas públicos de apoyos a la edición y la distribución, entre otras. 

Por lo pronto, y a reserva de lo que pueda ocurrir con Era durante las próximas semanas, tal parece que con su cese de actividades se cierra uno de los episodios más importantes de la edición en México, lleno de títulos admirables y que sin duda marcaron la vida lectora de miles y quién sabe si millones de personas a lo largo de casi setenta años de esfuerzo admirable. Pero más allá del lamento, la historia de Era puede servir más bien como inspiración y ejemplo concreto de que una aventura editorial, aunque ardua siempre y por definición, puede sin embargo arrojar algunos de los frutos más inesperados y valiosos de los que puede producir el trabajo humano.

Yo descubrí Las posibilidades del odio porque me lo encontré en una librería de Donceles por allá de 2019. Recién comprado el libro, me senté a leerlo en el entrañable, y ahora devorado por la gentrificación, Café Río. Casualmente, ahí a un lado de donde me senté estaba Adolfo Castañón leyendo un libro, sin duda un azar literario, puesto que yo recordaba haber leído una muy buena reseña sobre ese título de Puga, precisamente firmada por Castañón. Unas mesas más allá estaba un grupo de personas discutiendo pasajes de la Biblia, cada una con la propia en sus manos. Luego de un par de horas, entró una pareja y el hombre se le quedó viendo a mi pequeña torre de libros comprados y empezó a preguntarme sobre por qué había comprado tal o cual libro y me escuchó con atención. En ese contexto de la innegable existencia de los lectores, empecé a asombrarme, a ser devorada por el libro de Puga –porque el libro me devoró a mí y no al revés.

Aunque las narraciones del libro ocurren en Kenia, las sentí muy cercanas. Puga nos presenta historias de una cotidianidad íntima donde el odio está presente, pero aquí, este sentimiento que podría antojarse individual, se redirige a la estructura: a las relaciones de poder, a la desigualdad, a la violencia política; y con una sorna aguda que recrudece los contrastes, la autora hace patente que el odio está constantemente atravesado por el capitalismo, el patriarcado y el colonialismo. Cualquier autor que aborde estos temas podría caer en hacerlo a manera de prescripción moral, sin embargo, en este caso estamos ante una escritora realmente hábil. No se nos ofrece una explicación complaciente: se nos ofrece un espejo. 

Las posibilidades del odio resultó ser una lectura tan inquietante para mí, tan necesaria de compartir, que desembocó en lo que debe desembocar un descubrimiento así para una editora: hacer renacer un libro como pretexto para hablar de él, para presentarlo y escuchar a los lectores, para explorar cómo una nueva materialidad del libro también desborda las páginas, para repensar en su circulación ahora que es otra sociedad la que lo ve nacer, para generar nuevas condiciones de lectura. 

Por esta razón también hemos decidido presentarlo varias veces y en distintos contextos: en librerías independientes para celebrar los espacios en donde se habla de libros; en librerías estatales, para que el libro tenga una circulación óptima y en universidades para que el libro llegue a comunidades estudiantiles. Los invitamos a asistir y sobre todo a conversar sobre el legado literario de la portentosa María Luisa Puga. 

En Pijama Surf tuvimos la oportunidad de conversar con la autora española sobre el proceso detrás de Macarena, la protagonista de esta historia, y las razones por las que decidió abordar un tema que –señala–, sigue sin tener un lugar reconocido en la literatura.

Sugar Killer sigue a Macarena, una estudiante de Bellas Artes de 27 años que de noche ejerce secretamente como sugar baby de hombres mayores y adinerados, cambiando de identidad con cada uno para narcotizarlos y robarles. Esta doble vida se complica cuando un policía la presiona para infiltrarse en la mansión de Johannes Klaus, un inversor tecnológico vinculado a la desaparición de dos escorts, y Macarena empieza a sospechar que él sabe de ella mucho más de lo que aparenta.

Adquiere el libro en el enlace 

Antes de ser un personaje de ficción, Macarena fue una performance. Yévenes, quien se especializó en educación sexual y estudió Bellas Artes, explica que la creó originalmente para su proyecto final de carrera, una investigación sobre el capital erótico y el neoliberalismo sexual que derivó en una subasta performática de sí misma, pagada no con dinero sino con aplausos.

"Yo ya tenía ese personaje súper bien definido para poder personificarlo, por lo tanto Macarena ya estaba creada cuando ideé Sugar Killer", cuenta Yévenes. 

Le parecía injusto que esa historia quedara reducida a un ejercicio universitario, así que decidió extenderla al mundo a través de la novela.

Yévenes eligió el thriller psicológico como género porque, dice, es el más indicado para explorar la psicología de las personas sin caer en juicios fáciles. Quería que los personajes tuvieran matices, no que fueran completamente buenos ni completamente malos.

"Me pareció muy interesante poder mostrar esos matices en los personajes, que no fuera todo blanco o negro, sino que tuvieran muchísimos colores", explica. Su interés no está en señalar a quienes participan en dinámicas de sugar dating, sino en entender qué estructuras sociales y económicas perpetúan este tipo de relaciones de poder.

Sin caer en la moralina, surgió la pregunta sobre si ella aprobaría o desaprobaría las decisiones de Macarena.

"No sé si aprobar es la palabra, pero la entendería. Entiendo por qué lo hace, entiendo desde dónde lo hace".

En este caso, uno de los hallazgos más reveladores de la charla fue el proceso detrás de la voz narrativa. Yévenes intentó escribir la novela en primera persona —su formato preferido, dice, porque permite que el lector se meta en la cabeza del protagonista— pero no logró sostenerlo.

"Me daba tanto asco de escribir en primera persona lo que Macarena era capaz de hacer con esa frialdad, que no era capaz de seguir", confiesa. Por eso, cambiar a la tercera persona, más clásica del género, le dio la distancia necesaria para completar la historia.

Mireia Yévenes confirma que existe ya un borrador para una segunda parte de la novela, aunque no hay fecha definida para su publicación. Mientras tanto, seguirá dedicada a divulgar a través de la ficción temas vinculados con las sexualidades, un terreno que considera aún muy amplio por explorar, y no descarta que Macarena vuelva a ser la protagonista de esas historias. Mientras tanto nos deja una reflexión: 

"Me gustaría muchísimo que (las y los lectores) se pregunten cómo generan intimidad con sus vínculos [...] si sus relaciones son horizontales y equitativas [...] y hasta dónde estaríamos dispuestos a llegar para pelear por poder".

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Tampoco sabía que ese nombre —tomado del apodo cariñoso "El Perro" que le pusieron sus hermanos cuando era niño— responde a una convicción que lleva siglos de existir y que se adjudica a Plauto: «nomen est omen», “en el nombre está el destino”. 

Aunque esta máxima puede generar disenso, con Palabrerías, su primera novela publicada, Elcan convierte esa premisa en la columna vertebral de una historia sobre un niño que descubre su nombre impreso en la portada de un libro ajeno y, a partir de ahí, se obsesiona con cazar palabras cuyo significado desconoce.

La entrevista comienza en una casa colonial de Coyoacán y el Elcan no tiene ningún empacho en admitir que –como suele ocurrir con otros escritores– que Carlo Collodi, el protagonista de Palabrerías, tiene mucho de él en su haber y su andar. 

Se trata de un apasionado por las palabras, un niño inquieto que descubre en una librería que existe un libro firmado con su mismo nombre —Las aventuras de Pinocho, de Carlo Collodi— y que a partir de ese hallazgo comienza a coleccionar palabras y dichos, tal como lo hace el propio autor desde hace años.

"Yo soy el que tiene este gusto, esta pasión por las palabras, entonces quise crear un personaje como Carlos [...] al cual le apasionan las palabras a partir de que él descubre en una librería, él ha impreso su nombre en un libro de piel."

Y aquí –en el vaivén de preguntas y respuestas– Elcan reflexiona que el origen de buena parte de los conflictos humanos está entre lo que se dice y lo que se entiende.

"El 90% de los conflictos humanos surge precisamente de una falta de entendimiento, entendimiento del otro y de nosotros mismos, por eso es que mi obsesión con el lenguaje."

Recuerda también su paso por la industria aseguradora, donde el lenguaje técnico —hablar de la "prima" del seguro, por ejemplo— generaba confusión en los clientes. Ese choque entre la jerga y la comprensión real del otro es, para él, el mayor reto de cualquier persona dedicada a comunicar.

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Uno de los ejes del libro es rastrear el origen de expresiones cotidianas cuyo significado se usa sin cuestionar. La palabra "arrechucho" fue, según Elcan, el punto de partida de todo el proyecto: al buscarla en el diccionario encontró apenas una definición fría ("arrebato súbito") que no le hizo justicia, hasta que la halló descrita con más vida en un texto de Héctor Aguilar Camín. Esa búsqueda lo llevó a una convicción que defiende con firmeza y es que nada existe hasta que es nombrado.

"Si me remito a una experiencia individual, sí creo firmemente que nada existe hasta que es nombrado. Yo hace muy poco tiempo, por ejemplo, descubrí el existencialismo. Antes de leer a Sartre no existía esa filosofía para mí."

Y en este caso, cuestionarse el origen de las palabras, dice Raúl, es también una forma de cuestionarse la propia identidad. En la medida en que una persona comprende lo que una palabra significa para sí misma, puede usarla de manera consciente para proyectarse. Lo contrario, advierte, es repetir palabras sin conciencia y quedar atrapado en una especie de neblina sobre uno mismo y sobre el otro.

Pero esa construcción tiene un límite: no todo lo que somos se dice en voz alta.

"Sí somos lo que decimos, pero también somos lo que callamos [...] el conocimiento del otro nunca es completo. Siempre tendrá como una parte inefable."

El silencio –coincidimos–, es también un discurso, ya menudo más poderoso que las mismas palabras.

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Una pregunta y una reflexión final para cerrar: ¿Cuáles son sus palabras favoritas? 

De todas ellas, Elcan se queda con "inefable" —todo aquello que el lenguaje no alcanza a expresar— y con "mar", una palabra de solo tres letras que, dice, contiene un océano entero. Cita a Jorge Luis Borges: el mar se mira por primera vez siempre.

"Es como lanzar este mensaje dentro de una botella y lanzarlo nuevamente al mar, esperando que llegue a la otra orilla [...] si toco a una persona, con eso me siento realmente satisfecho".

Nunca es tarde para emocionarse por una nueva aventura y los libros que nos guardan, son un gran acompañante para emprender el viaje.

Quien lleva un clásico de filosofía estoica está buscando perspectiva. Quien lleva una novela larga y absorbente quiere desaparecer. Quien lleva un libro de autoayuda estructurado en capítulos cortos probablemente viaja con culpa productiva y quiere sentir que aprovecha el tiempo de traslado. Quien lleva poesía —y esto es raro, pero ocurre— ya llegó a algún lado antes de salir.

IATI Seguros, aseguradora especializada en viajeros, identificó cinco títulos que se repiten con frecuencia en las maletas no por moda sino porque responden a necesidades concretas del viajero en movimiento. La lista es reveladora precisamente porque no es literaria: es psicológica.

El acto de crear, de Rick Rubin (Diana), aparece en las maletas de quienes salen con la sensación de haber perdido contacto con algo propio. Su estructura fragmentada —reflexiones breves, sin argumento continuo— lo hace ideal para trayectos interrumpidos y para leer sin culpa cuando el vuelo aterriza antes de terminar el capítulo.

Los dones de la imperfección, de Brené Brown (Planeta), viaja con quienes van cargando demasiado —no en la maleta sino en la cabeza. Sus diez hábitos no exigen aplicación inmediata; funcionan como permiso para desacelerar, lo que en un viaje puede ser exactamente lo que se necesita.

Let Them, de Mel Robbins (Paidós), es el libro del viajero que sale agotado de gestionar lo que otros piensan o hacen. Su premisa —soltar el control sobre lo que no depende de uno— resuena de forma particular en aeropuertos, donde nada depende de uno.

El arte de la guerra, de Sun Tzu (Ariel), es el libro del viajero que necesita pensar con claridad sobre algo difícil. Sus aforismos independientes no exigen continuidad: se pueden leer de tres en tres en una sala de espera y dejar reposar. Que siga siendo relevante después de 2,500 años dice algo sobre la naturaleza de los problemas humanos.

Hábitos atómicos, de James Clear (Paidós), es el libro de quien viaja con la intención de volver distinto. Funciona igual en papel que en audiolibro —ventaja concreta para trayectos en auto o transporte público— y su promesa de cambio gradual es lo suficientemente modesta para no generar la ansiedad que otros libros de productividad provocan.

Lo que une a estos cinco títulos no es el género ni el nivel de profundidad intelectual: es que todos ofrecen algo que el movimiento físico facilita —perspectiva. Viajar ya desplaza el punto de vista; el libro correcto lo amplía un poco más. La elección, en ese sentido, no es menor.

Tras recibir 2 mil 204 manuscritos provenientes de 22 países y cuatro continentes, la decisión fue unánime y es que, se destacó la sutileza de la escritura de Silva Rojas y el uso de los silencios como recurso compositivo. En el acta el jurado señaló que el autor construye la atmósfera de explotación laboral, vulnerabilidad y desigualdad entre trabajadores y capacidades con un lenguaje sutil y oraciones breves, sin recurrir al panfleto ni a la declamación.

El galardón entrega 20 mil euros al ganador y garantiza la publicación de la obra en México, España, Argentina, Perú y Colombia , además de su distribución en otros territorios de Latinoamérica y su lanzamiento en Bolivia junto a la editorial Nuevo Milenio.

Abogado, investigador y narrador, David Silva Rojas nació en Ica, Perú. Su formación literaria se desarrolló en los programas de escritura dramática de Gamagōri y en los talleres de guion del NHK Bunka Center, en Japón, país al que se mudó desde temprana edad. A los veinte años ganó el primer lugar del certamen Novo Mundo con el relato en portugués "O rastro da canela".

Su narrativa retoma principios estéticos japoneses como el Ma, el concepto del vacío y el silencio como recurso expresivo, junto con la economía verbal del haiku. Este interés se combina con su trabajo jurídico en instituciones de acceso a la justicia y sus investigaciones socio-criminológicas, ejes que atraviesan su exploración literaria de la vulnerabilidad y la justicia social. En 2026 también obtuvo una mención honrosa en el Concurso de Novela Corta "Julio Ramón Ribeyro", organizado por el Banco Central de Reserva del Perú.

Donde el agua trabaja narra la historia de una joven que deja su comunidad para trabajar en una hacienda vinícola de Ica, Perú. La novela expone un sistema de explotación, vigilancia y deshumanización del trabajo agrícola, mientras desapariciones y rumores atraviesan el relato sin necesidad de mostrar la violencia de forma explícita.

Silva Rojas explicó que su intención inicial era escribir sobre la dureza del trabajo agrícola, pero al terminar la novela comprendió que en realidad hablaba del sacrificio silencioso de quienes trabajan para que otras personas tengan una vida mejor.

Bajo el sello de la editorial Almadía, la novela se publicará a partir de septiembre de 2026, con una gira que incluirá actividades en Colombia, Argentina, España, Perú y México:

Con una moneda de 10 pesos puedes ampliar tu capital cultural y es que, la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México organiza el evento en coordinación con la Brigada Para Leer en Libertad AC, bajo el lema "Salva un libro, no dejes que lo destruyan". 

La consigna es dar una nueva vida a ejemplares que de otro modo quedarían condenados al olvido o la destrucción, y ponerlos al alcance de cualquier bolsillo.

En la famosa explanada se reúnen 355 stands distribuidos entre 196 expositores. La oferta se divide en 92 editoriales, 60 distribuidores y 44 espacios dedicados a libros de segunda mano. Y como señalamos al inicio, los precios van desde 10 pesos, lo que convierte al remate en una de las citas más accesibles del calendario cultural capitalino.

Entre pilas y anaqueles, el público puede encontrar ciencia ficción, enciclopedias, novelas, ensayos, literatura infantil, poesía, publicaciones académicas y de divulgación, además de cómics. La oferta se extiende también a discos y películas en distintos formatos, así como a productos complementarios como separadores y bolsos.

El remate se plantea como una actividad tanto individual como colectiva: en pareja, con amigos, familia o compañeros de escuela y trabajo. La entrada es libre y está dirigida a personas de todas las edades interesadas en adquirir el hábito de la lectura o ampliar su colección personal.

Los detenidos permanecen bajo investigación por "actuar con intención sediciosa", una figura contemplada en la legislación de seguridad nacional de la ciudad semiautónoma que contempla penas de hasta siete años de prisión, de acuerdo con medios locales que reportaron el caso este jueves.

Durante el operativo, los agentes inspeccionaron los establecimientos Have a Nice Stay y Greenfield Bookstore, ubicados en las zonas concurridas de Prince Edward y Mong Kok, y retiraron cajas con libros cuyo contenido no fue especificado públicamente.

El secretario de Seguridad de Hong Kong, Chris Tang, defendió este jueves la detención equiparando la responsabilidad de los libreros con la de los comerciantes de alimentos. Según su argumento, los establecimientos tienen la obligación legal de garantizar que los libros a la venta no contravengan las leyes de seguridad nacional del territorio, en un símil que comparó la venta de literatura con la venta de comida: "debe asegurarse de que sus alimentos no enfermen a la gente", declaró.

El hecho en Hong Kong no dista mucho de lo que el escritor de ficción distópica, Ray Bradbury publicó en 1953. Fahrenheit 451 es una historia que se desarrolla en una sociedad futura en la que los libros están prohibidos y los bomberos ya no apagan incendios, sino que los provocan: su labor consiste en quemar cualquier ejemplar que encuentren. El protagonista, Guy Montag, es uno de esos bomberos hasta que empieza a cuestionar el sistema que sirve, tras conocer a una joven vecina que lo empuja a pensar por sí mismo y descubrir el valor de la lectura.

La novela retrata un Estado que ha sustituido el pensamiento crítico por el entretenimiento vacío y la vigilancia constante, y donde la posesión de libros se castiga como un delito grave. 

Bradbury escribió la obra como una advertencia sobre la censura, el control de la información y los riesgos de una sociedad que renuncia a cuestionar a la autoridad. Décadas después de su publicación, el título sigue siendo una referencia obligada cada vez que un gobierno restringe el acceso a la palabra escrita.

Los muros de la Bastilla fueron la morada de personajes célebres, opositores al reinado de Luis XVI, políticos, intelectuales e incluso el Hombre de la máscara de hierro –que al día de hoy su identidad sigue siendo desconocida—. 

Pero lo que nos vuelve a reunir hoy –a mí las manos y a usted los ojos– son los libros que se lograron escribir en esta prisión fortificada con 30 cañones, celdas húmedas, aislamiento y roedores corriendo entre los pies. Aunque ciertamente los aristócratas y pensadores encerrados ahí no eran tratados de la misma forma, quizá eso fue lo que les permitió escribir algunas de sus obras más destacadas. 

Para el 14 de julio de 1789, día de su célebre toma, la prisión albergaba únicamente a siete personas: cuatro falsificadores, dos enfermos mentales y un aristócrata acusado de incesto. 

El libro más famoso escrito en la Bastilla es Los 120 días de Sodoma, redactado por Donatien Alphonse François, el Marqués de Sade en 1785. Llegó a la prisión en 1784, trasladado desde el castillo de Vincennes. Su encierro fue la consecuencia de una acumulación de escándalos: un lettre de cachet o carta sellada, gestionado por su suegra, Madame de Montreuil, lo mantuvo recluido durante años a raíz de sus excesos sexuales y de episodios como el llamado "caso de Marsella", donde se le acusó de envenenamiento y sodomía tras una velada con prostitutas.

Durante su largo encierro, escribió esta obra de forma clandestina en un rollo de papel de más de 12 metros de longitud. 

Los 120 días de Sodoma narra el retiro de cuatro libertinos poderosos a un castillo aislado, donde someten a un grupo de víctimas a un catálogo creciente de vejaciones sexuales y violencia, estructurado como un inventario casi matemático de perversiones. Más allá del contenido explícito, la obra funciona como un ataque frontal a la moral religiosa y aristocrática, y se considera hoy un texto fundacional para pensar los límites entre el deseo, el poder y la crueldad.

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Cabe mencionar que no fue el único texto que logró redactar durante su estadía aquí. Otros textos clave que el autor logró redactar durante su estancia en esta prisión incluyen:

Años antes, pero en el mismo siglo, el filósofo francés Voltaire —cuyo nombre real era François-Marie Arouet— pasó casi un año en la prisión de la Bastilla, entre 1717 y 1718. El motivo de su arresto fue la publicación de versos satíricos que acusaban al regente Felipe II de Orleans de mantener una relación incestuosa con su hija; la orden de encierro llegó directamente del propio duque.

Durante los once meses que pasó recluido, Voltaire aprovechó el tiempo para estudiar y dar forma a Edipo, su primera tragedia, inspirada en el mito griego de Edipo Rey pero reescrita con un lenguaje que cuestionaba el poder absoluto y la hipocresía de las cortes. La obra se estrenó en la Comédie-Française poco después de su liberación, en 1718, y su éxito inmediato lo consolidó como una de las voces más filosas del pensamiento ilustrado francés.

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De acuerdo con la Organización Mundial de la Salud, (OMS), en 2022 se registraron 20 millones de nuevos casos y 9,7 millones de muertes a nivel global. Asimismo, advierte que los casos anuales aumentarán un 77%, alcanzando cerca de 35 millones de diagnósticos para el año 2050. 

Lo que nos trae aquí es la obra más reciente de Ana María Sánchez ¡Tú eres la medicina!, publicado por el sello Grijalbo, donde comparte el testimonio de catorce años enfrentando el cáncer, un camino marcado por cinco cirugías, múltiples tratamientos y una transformación personal que la llevó a replantear su relación con la salud, la familia y el propósito de vida. Estos son cinco de los aprendizajes que atraviesan su testimonio.

Asume un papel activo en tu proceso de salud 'Nadie lo va a hacer por ti” es una de las ideas centrales del libro. Ana María Sánchez invita a las personas a informarse, hacer preguntas, buscar orientación profesional y participar activamente en las decisiones relacionadas con su tratamiento. Recuperar esa sensación de control, explica, ayuda a enfrentar la incertidumbre con mayor fortaleza.

Haz de los hábitos un aliado del bienestar La autora sostiene que los pequeños cambios cotidianos pueden contribuir al bienestar durante el proceso de enfermedad. Entre ellos destaca llevar una alimentación más natural, reducir la inflamación mediante cambios en la dieta, incorporar actividad física de acuerdo con las posibilidades de cada persona y construir hábitos que favorezcan la salud física y emocional.

Cuida también tu salud emocional Además del tratamiento médico, el libro pone énfasis en atender el impacto emocional que provoca un diagnóstico. Para ello, Ana María Sánchez comparte prácticas como la meditación, el mindfulness y otras herramientas que le ayudaron a manejar el estrés, la ansiedad y la incertidumbre.

Permite que otros te acompañen Nadie debería enfrentar una enfermedad en soledad. La autora destaca la importancia de construir una red de apoyo integrada por familiares, amigos, especialistas y personas que han vivido experiencias similares, ya que el acompañamiento puede convertirse en una fuente de fortaleza durante el proceso.

Mantén vivo un propósito Más allá de los tratamientos, Ana María Sánchez invita a recordar aquello que da sentido a la vida: la familia, los proyectos, los sueños y las metas pendientes. Encontrar un propósito, afirma, ayuda a fortalecer la resiliencia y a sostener la esperanza incluso en los momentos más difíciles.

Ese imaginario, sin embargo, choca hoy con una discusión distinta. El consentimiento se volvió el eje desde el cual se revisa cualquier gesto romántico "sorpresa", y pone de relieve que sin acuerdo mutuo la frontera entre romanticismo y acoso se vuelve peligrosamente delgada.

El origen puntual de la efeméride se mantiene incierto, pero existe un cierto consenso sobre cuál es la imagen más célebre asociada al beso robado: la fotografía que Alfred Eisenstaedt tomó en Times Square el 14 de agosto de 1945, día en que Estados Unidos declaró su victoria sobre Japón y con ella el fin de la Segunda Guerra Mundial. En ella, un marinero se deja llevar por la fiebre de la pasión y besa a una enfermera desconocida en plena celebración.

En Pijama Surf tomamos como excusa esta fecha para recordar uno de los besos más emblemáticos de la literatura latinoamericana. El capítulo 7 de Rayuela, publicado por Julio Cortázar en 1963, propone un beso que primero se inventa y después se confirma. 

Toco tu boca, con un dedo toco el borde de tu boca, voy dibujándola como si saliera de mi mano, como si por primera vez tu boca se entreabriera, y me basta cerrar los ojos para deshacerlo todo y recomenzar, hago nacer cada vez la boca que deseo, la boca que mi mano elige y te dibuja en la cara, una boca elegida entre todas, con soberana libertad elegida por mí para dibujarla con mi mano por tu cara, y que por un azar que no busco comprender coincide exactamente con tu boca que sonríe por debajo de la que mi mano te dibuja.

Me miras, de cerca me miras, cada vez más de cerca y entonces jugamos al cíclope, nos miramos cada vez más de cerca y nuestros ojos se agrandan, se acercan entre sí, se superponen y los cíclopes se miran, respirando confundidos, las bocas se encuentran y luchan tibiamente, mordiéndose con los labios, apoyando apenas la lengua en los dientes, jugando en sus recintos donde un aire pesado va y viene con un perfume viejo y un silencio. Entonces mis manos buscan hundirse en tu pelo, acariciar lentamente la profundidad de tu pelo mientras nos besamos como si tuviéramos la boca llena de flores o de peces, de movimientos vivos, de fragancia oscura. Y si nos mordemos el dolor es dulce, y si nos ahogamos en un breve y terrible absorber simultáneo del aliento, esa instantánea muerte es bella. Y hay una sola saliva y un solo sabor a fruta madura, y yo te siento temblar contra mí como una luna en el agua.

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Más de sesenta años después de su publicación, ese capítulo sigue siendo una referencia obligada por lograr transformar en literatura uno de los gestos más difíciles de poner en palabras.

Los libros se distribuyen en cuatro categorías temáticas: la primera, dedicada al “Poder”, agrupa obras que interrogan la legitimidad de quienes han tenido históricamente el control sobre el relato oficial. La segunda, “Control”, incluye textos centrados en la vigilancia, la propaganda y los mecanismos —explícitos o sutiles— que condicionan el comportamiento social. La tercera, “Voz”, busca visibilizar a autores marginados o acallados a lo largo de la historia. La cuarta, “Memoria”, concentra obras que documentan experiencias en riesgo de desaparecer del discurso público.

De acuerdo con datos difundidos por la propia librería, en 2023 se contabilizaron 4 mil 240 libros censurados en escuelas y bibliotecas públicas de Estados Unidos, mientras que en 2024 hubo arrestos de escritores en más de 40 países.

Desde el equipo detrás de la iniciativa explicaron el sentido del proyecto: "Algunos de los libros incluidos han sido prohibidos, censurados o impugnados públicamente. Otros siguen suscitando debates en torno a la identidad, la libertad de expresión, la raza, el género, la memoria y el poder político." Y agregaron: "Sacar un libro de una estantería no es un acto intrascendente. Es una acción que define qué preguntas se pueden hacer, qué historias permanecen visibles y qué voces se siguen escuchando".

Entre los títulos que forman parte del catálogo destacan El cuento de la criada, de Margaret Atwood; Fahrenheit 451, de Ray Bradbury; Un mundo feliz, de Aldous Huxley; 1984, de George Orwell, y Cien años de soledad, de Gabriel García Márquez. Todas estas obras comparten un historial de censura, controversia o cuestionamiento en distintos contextos políticos y educativos a lo largo de las últimas décadas.

La Biblioteca Manifiesto puede considerarse como una extensión de Service95 Book Club, una plataforma a través de la cual la cantante ha compartido recomendaciones mensuales de lectura y ha entrevistado a distintos autores y autoras en formato podcast. Según describen los promotores de la librería, este nuevo espacio representa "la primera expresión física permanente" de esa plataforma cultural, que según afirman ha despertado el interés por la literatura entre miles de jóvenes alrededor del mundo.

Aunque la escritura siempre ha acompañado su trayectoria, esta es la primera vez que Almodóvar se adentra de lleno en el formato novelístico. Su incursión más reciente en la literatura fue El último sueño (2023), una colección de relatos que permitió a sus lectores acercarse a una faceta menos conocida de uno de los cineastas más influyentes del mundo hispanohablante.

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La nueva novela sigue la historia de Flavio Guijarro, un actor que ha pasado buena parte de su vida intentando reinventarse. A lo largo de los años ha probado distintas vocaciones, aunque pocas se han convertido realmente en una profesión. Todo cambia durante un viaje de trabajo, cuando descubre una pasión inesperada: escribir.

Lo que comienza como una inquietud termina convirtiéndose en una obsesión. Flavio se entrega por completo a la escritura mientras intenta superar bloqueos creativos y concluir una obra que parece escapársele cada vez que se acerca al final. En ese proceso busca inspiración en lugares insospechados, desarrolla una inesperada habilidad para orientar a otros actores y comienza una relación sentimental con una de las figuras más exitosas de la industria.

Según la editorial, la novela se construye a partir de experiencias, lecturas, historias imaginadas e ideas que se entrelazan para formar una narración llena de capas. El resultado promete una reflexión sobre la creación artística, la identidad y la forma en que la ficción puede mezclarse con la experiencia personal hasta volver difusos sus límites.

Aunque todavía no se conocen demasiados detalles sobre la trama completa, la premisa conecta con temas que han aparecido una y otra vez en la obra de Almodóvar. Sus películas suelen habitar espacios donde los personajes buscan transformarse, reinterpretar su pasado o reconstruir quiénes son. En ese sentido, Flavio Guijarro parece dialogar con muchas de las obsesiones creativas que el director ha explorado durante décadas desde la pantalla.

El anuncio llega además en un momento especialmente activo para el realizador manchego. Este año presentó Amarga Navidad en el Festival de Cannes, sumando un nuevo capítulo a una filmografía que incluye títulos como Todo sobre mi madre, Hable con ella, Volver, Dolor y gloria y La habitación de al lado.

Con El hombre que solo escribía en los aviones, Pedro Almodóvar suma una nueva pieza a una carrera marcada por la búsqueda constante de formas de contar historias. Esta vez lo hará sin cámara, sin actores y sin pantalla de por medio, confiando únicamente en las palabras para conducir al lector por un universo que, al menos en apariencia, sigue moviéndose entre la imaginación, la memoria y el deseo de reinventarse.

Estas son tres lecturas para entrar al Mundial desde otro lugar: el de las letras, la memoria y las historias que ocurren dentro y fuera de la cancha.

Hablar de futbol y literatura en México casi siempre lleva al nombre de Juan Villoro. En Dios es redondo, el escritor convierte estadios, mundiales y jugadores en materia narrativa para hablar de algo más amplio: la forma en que millones de personas construyen recuerdos alrededor de una pelota.

El libro reúne crónicas, reflexiones y experiencias de Villoro como enviado a los mundiales de Italia 1990 y Francia 1998. Pero su valor está en otro sitio; no intenta explicar únicamente partidos memorables, sino entender por qué perder con la selección duele tanto, por qué ciertas jugadas quedan pegadas a la memoria colectiva y cómo el futbol termina formando parte de la identidad mexicana.

Su lectura resulta especialmente pertinente rumbo a 2026 porque retrata algo que sigue vigente: el Mundial como ritual compartido. Entre amigos, familias, oficinas o calles enteras, el futbol sigue funcionando como un lenguaje común.

Los mundiales producen héroes y villanos, pero también personajes extraños, obsesivos y contradictorios. Esa idea atraviesa También el último minuto. Cuentos de fútbol, una antología que reúne a veintidós escritores alrededor del torneo de Alemania 2006.

Más que narrar resultados, los cuentos utilizan el futbol para hablar de relaciones familiares, frustraciones y formas de habitar el mundo. Uno de los textos más recordados es Hoy juegan, de Vicente Leñero, donde aparece Triste, un personaje desconectado de todo que toma una decisión extrema justo el día en que gana la selección mexicana.

La fuerza del libro está en mostrar que el futbol pocas veces ocurre solo en la cancha. También sucede en las salas de las casas, en las apuestas improvisadas, en las discusiones familiares y en las emociones que aparecen incluso cuando alguien asegura que el deporte no le interesa.

Si el Mundial suele presentarse como una fiesta global, Cuentos mundialistas recuerda que también está atravesado por la política, la propaganda y los contextos históricos.

La compilación, realizada por el periodista Carlos Barrón para el Mundial de Sudáfrica 2010, reúne relatos ambientados en distintas Copas del Mundo. Algunos toman hechos reales y los mezclan con ficción; otros utilizan personajes históricos para imaginar conversaciones imposibles.

Uno de los relatos más llamativos se sitúa en Italia 1934 y construye una correspondencia ficticia entre Francisco Franco y Benito Mussolini, utilizando el futbol como puerta de entrada para hablar del poder y sus símbolos.

Lo interesante del libro es justamente esa amplitud; demuestra que los mundiales nunca existen aislados de su época. Detrás de cada torneo aparecen tensiones sociales, intereses políticos y narrativas nacionales que terminan influyendo tanto como los resultados.

Leer sobre futbol puede parecer extraño para quienes lo viven únicamente desde la transmisión del domingo o la quiniela de oficina. Pero estos libros recuerdan algo importante: el balón también sirve para contar quiénes somos, qué celebramos y por qué ciertas derrotas siguen doliendo años después. Quizá por eso, cuando llega un Mundial, lo que ocurre rara vez se queda dentro del estadio.

Publicada por primera vez en Reino Unido el 8 de junio de 1949, la obra estuvo cerca de llamarse El último hombre de Europa. Orwell terminó optando por un título mucho más inquietante y simple: invertir los números del año en que escribió gran parte del libro, 1948, para proyectar una idea de futuro que entonces parecía lejano.

Pero para entender por qué 1984 pesa tanto todavía, primero hay que entender quién era su autor.

George Orwell, nombre literario de Eric Arthur Blair, no fue únicamente novelista. También fue ensayista, cronista y alguien profundamente marcado por los conflictos políticos de su época. Su paso por Birmania lo volvió crítico del imperialismo británico; después combatió del lado republicano durante la Guerra Civil española, donde estuvo cerca de morir, y durante la Segunda Guerra Mundial participó en labores de propaganda para su país. Todo ese recorrido terminó filtrándose en sus obsesiones literarias: el poder, la verdad y la forma en que las instituciones moldean la realidad.

Paradójicamente, Orwell murió apenas siete meses después de publicar la novela. Falleció en enero de 1950 a causa de tuberculosis, sin alcanzar a ver el tamaño del fenómeno cultural que había creado.

La historia sigue a Winston Smith, un trabajador del Ministerio de la Verdad en Oceanía, un Estado gobernado por el Partido y vigilado permanentemente por la figura omnipresente del Gran Hermano.

Su trabajo consiste en modificar documentos, noticias y registros históricos para que todo coincida con la narrativa oficial. Si el Partido cambia de opinión, también cambia el pasado.

Mientras reescribe hechos ajenos, Winston empieza a cuestionar su propia realidad. Primero escribe pensamientos prohibidos en secreto; después inicia una relación clandestina con Julia. Ambos actos parecen pequeños, pero dentro del universo de 1984 representan formas de resistencia.

A partir de ahí, Orwell construye una de las preguntas más incómodas de la literatura moderna: ¿qué ocurre cuando ya no puedes confiar ni siquiera en tu propia memoria?

Parte del impacto de 1984 está en que muchos de sus conceptos dejaron las páginas para instalarse en el lenguaje común.

El Gran Hermano se volvió sinónimo de vigilancia constante. La Policía del Pensamiento representa el castigo a las ideas consideradas peligrosas. La Habitación 101 pasó a simbolizar el miedo absoluto.

Quizá una de las ideas más inquietantes sea la neolengua: un idioma simplificado y reducido deliberadamente para limitar lo que las personas pueden pensar. La lógica detrás es simple y aterradora; si ciertas palabras desaparecen, ciertas ideas también se vuelven imposibles de expresar.

También aparece el Ministerio de la Verdad, encargado de modificar el pasado según las necesidades políticas del presente, resumido en una frase que sigue citándose décadas después: quien controla el pasado controla el futuro; quien controla el presente controla el pasado.

1984 ayudó a consolidar la ciencia ficción distópica moderna y abrió camino para obras posteriores como El cuento de la criada, de Margaret Atwood, pero su influencia va mucho más allá del género.

La novela apareció después de la Segunda Guerra Mundial, cuando el mundo todavía procesaba las consecuencias de los regímenes totalitarios del siglo XX. Orwell observó esos mecanismos y los llevó al extremo.

Lo inquietante es que muchas de esas preocupaciones siguen presentes: vigilancia digital, manipulación informativa, algoritmos que moldean conversaciones, desinformación, pérdida de privacidad y la sensación constante de estar siendo observados.

Quizá por eso 1984 sigue regresando cada vez que hay crisis políticas, debates tecnológicos o discusiones sobre libertad. El mundo no terminó pareciéndose exactamente al que Orwell imaginó, pero su advertencia permanece intacta.

Más que una novela sobre un futuro imposible, 1984 funciona como una pregunta incómoda que cada generación vuelve a hacerse: quién controla lo que vemos, lo que recordamos y aquello que aceptamos como verdad.

La relación entre cuerpo y territorio es uno de los ejes centrales de la novela, y también el punto de partida de la conversación con la autora. Obando explica que esa conexión no surgió como una decisión literaria, sino como algo que venía de su propia experiencia con el entorno y con el cuerpo, especialmente a partir de un momento específico de su vida.

“Tiene que ver con mis propias itinerancias por el territorio. Especialmente después del parto de mi primera hija, que siento que es una experiencia que te pone radicalmente en el cuerpo, el parir. Es como aterrizar desde un lugar muy poderoso en esto. Me empezó a hacer muchas preguntas, como el parir, pero también el estar creando, el estar haciéndome preguntas por cómo relacionarme con mi entorno.”

A partir de ahí, su manera de mirar el mundo cambia. El cuerpo deja de ser un punto aislado y empieza a volverse una forma de lectura del entorno, incluso en lo cotidiano. Esa transformación también está atravesada por su historia personal entre ciudad y campo.

“Mi familia por ambos lados es de ascendencia campesina paterna y materna. Siempre sentí que en la ciudad algo como que no, como que se me desplazaba. Y luego, ya deliberadamente en la adultez, decidí afincarme en ese territorio que era la ciudad y decir bueno aquí también hay alimentos y también hay medicinas, lo que pasa es que crecen en los andenes, en las orillas de los parques, pero toca buscarlas más y escarbar más.”

Desde esa experiencia surge una idea que se vuelve clave para entender no solo la novela, sino su forma de escritura: el ecosistema como un cuerpo vivo, no como paisaje decorativo.

“Empecé a ver el ecosistema no ya precisamente como paisaje, sino como un gran cuerpo con el que uno se pone en relación, sea que uno sea consciente de ello o no. En Noche, noche, noche era importante que ese ecosistema no fuera una papel de colgadura al fondo, sino una fuerza viva con la que los personajes están dialogando, que es brava, generosa, aterradora y nutriente a la vez.”

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Esa decisión se traduce directamente en la experiencia de lectura. La novela empuja constantemente hacia una zona donde los límites del cuerpo se vuelven inestables, especialmente en el personaje de Sara, cuya percepción comienza a confundirse con el entorno.

“Hay un momento en el primer capítulo, Obligarse al calor, donde Sara está atravesando la sabana en el páramo y no logra distinguir sus pies del pasto que pisa, ni su respiración del viento, ni su calor del frío de la montaña. Su cuerpo deja de responder a menos que ella le diga qué hacer.”

Ese tipo de escenas buscan producir una experiencia específica en quien lee, no solo contar un evento.

“Yo quería que la gente pudiera hacerse a esa experiencia que es como la disolución del yo, como cuando en el sueño eso sucede. Pero también en esa disolución hay orillas distintas: cosas luminosas, pero también peligrosas y aterradoras.”

La conversación también abre el otro eje del libro: los sueños y las prácticas que atraviesan la vida de Obando, como la arbolaria y el trabajo con estados oníricos. Para ella, no son elementos simbólicos, sino formas de conocimiento y práctica cotidiana.

“Yo me inicié como onironauta a los 17 años, llevo casi 20 años trabajando con el sueño lúcido y el sueño consciente, y también con plantas asociadas al sueño. La arbolaria para mí no es algo abstracto, es algo muy práctico, de la crianza de mis hijos, de ser soberana de mi propia salud.”

Ese cruce entre experiencia y escritura es constante. No hay una separación clara entre lo que vive y lo que escribe:

“Mis libros empiezan como preguntas muy prácticas, muy concretas de lo que vivo, y luego eso decanta y va tomando la forma que necesita tomar.”

Durante la escritura de Noche, noche, noche, hubo además un proceso que marcó profundamente el libro: la canalización, entendida no como imaginación deliberada, sino como un estado de apertura.

“Sentí que lo que tenía que hacer era canalizar. La canalización es estar permeable, como ser un cuenco, donde cierta información que está en el cuerpo puede rebozar y salir hacia la conciencia. Es distinto a imaginar, porque imaginar es más una construcción activa.”

Desde ese estado, incluso los sueños dejan de ser solo sueños.

“No son sueños, sino memorias más bien.”

Hacia el final de la conversación, aparece una reflexión sobre cómo se leen hoy estas formas de escritura, especialmente cuando se asocian a cuerpos femeninos. Obando es clara en su incomodidad con las etiquetas cerradas, pero también reconoce que hay diferencias en la forma de habitar el mundo.

“Yo evito mucho pensar en términos de literatura escrita por mujeres, porque tiende a homogenizarnos. Pero sí creo que estos cuerpos escriben distinto, porque no es lo mismo un cuerpo que menstrúa, que atraviesa la menopausia o que vive ciertos ciclos hormonales, a otros cuerpos que están regidos por otros ritmos.”

Y añade una idea que abre otra lectura posible sobre esas escrituras:

“Son miradas que habían sido marginalizadas, como miradas menores, sobre lo mínimo, lo pequeño, lo doméstico.”

La novela se cierra, en la conversación, volviendo a su origen: un estado límite de percepción en el que el yo se desestabiliza.

“No saber quién era, ni qué era arriba ni qué era abajo.”

De ahí nace el libro: como intento de nombrar ese estado.

“La novela empezó como ese esfuerzo de nombrar ese estado de despersonalización.”

Noche, noche, noche se sostiene entonces en ese borde: entre cuerpo y territorio, entre sueño y vigilia, entre memoria y percepción. Un espacio donde los límites no desaparecen del todo, pero sí dejan de ser fijos.

Publicado por Hola Publishing International y disponible desde hace algunos meses en librerías y plataformas digitales, el texto no busca funcionar como manual de autoayuda ni sustituir el acompañamiento psicológico profesional. El autor insiste en que se trata únicamente del testimonio de una familia atravesada por la pérdida.

“Un hijo que pierde a sus padres es huérfano; una persona que pierde a su pareja es viuda. Pero no existe una palabra para unos padres que pierden a un hijo”, señala Villaseñor Zamora al hablar sobre el origen del libro.

Franco tenía 16 años. De acuerdo con el autor, destacaba por su habilidad para las matemáticas y por su interés en distintas actividades deportivas y artísticas, entre ellas el surf, el skate y el circo. Vivía en San Francisco, Nayarit, donde además estudiaba y colaboraba tanto en un restaurante como en el negocio familiar.

A lo largo del libro, Villaseñor describe cómo la pérdida modificó por completo la vida cotidiana de su familia. También reflexiona sobre la manera en que muchas veces las preocupaciones diarias pierden sentido frente a una experiencia de ese tipo.

El autor desarrolla el relato desde una perspectiva personal y evita presentar conclusiones absolutas sobre el duelo. En cambio, comparte experiencias, emociones y reflexiones construidas desde lo emocional, lo social y lo espiritual.

El título del libro surge de una idea que atraviesa todo el texto: la posibilidad de encontrar algún sentido dentro de la herida. Villaseñor retoma incluso frases de autores como Antoni Bolinches, quien plantea que las heridas también pueden convertirse en aprendizaje.

Cada capítulo aborda distintas etapas y manifestaciones del duelo, desde los cambios emocionales hasta las reacciones físicas y familiares. El autor explica que su intención no es imponer una visión específica, sino compartir una experiencia que pueda acompañar a otros lectores que atraviesen una situación similar.

El tesoro en la herida (el duelo de un hijo) se encuentra disponible en librerías físicas y plataformas digitales como Gandhi y Amazon, tanto en formato electrónico como en impresión bajo demanda.

En entrevista para medios de comunicación, Valdés explica que su interés por la lectura viene desde la infancia, aunque fue durante la pandemia cuando comenzó a escribir de manera constante y a desarrollar un proyecto literario formal.

El 11 de abril de 2025 publicó su primer libro, Hijos del abismo, Parte 1, bajo el sello de Hola Publishing International. El título tuvo una recepción favorable y se convirtió en uno de los más vendidos de la editorial durante el año, con mayor presencia en el mercado de Estados Unidos.

El autor define su propuesta como “horror espiritual”, un concepto que busca abordar la relación entre el ser humano, su entorno y elementos que no siempre son visibles o comprendidos desde lo racional.

La historia del libro sigue a un joven en Nueva York que descubre que proviene de una familia con una historia relevante y compleja. La novela es la primera parte de una saga que el autor ya tiene planeada como proyecto a largo plazo.

Sobre su frase más representativa dentro del libro, Valdés menciona: “Estás en el lugar donde tus ancestros residen, así que ten cuidado con tus palabras”. Explica que la idea surgió a partir de una experiencia personal relacionada con la forma en que el lenguaje influye en la vida cotidiana.

Actualmente, Carlos Valdés cursa los últimos semestres de ingeniería en audio y continúa trabajando en nuevos proyectos literarios. Entre ellos se encuentra Guadalupe Orgullo, previsto para 2027, además del desarrollo de las siguientes entregas de Hijos del abismo.

Al hablar de su objetivo como escritor, señala: “Empujar a la gente a que se conozca a sí misma”.

Nacido en Tréveris el 5 de mayo de 1818, Marx pasó buena parte de su vida escribiendo entre deudas, mudanzas y discusiones intelectuales. Leía con devoción a William Shakespeare, Miguel de Cervantes y Dante Alighieri. Esa relación con la literatura importa porque ayuda a entender algo que a veces se pierde de vista: antes de construir una teoría, Marx estaba buscando una forma de nombrar el mundo.

Más allá de El Capital, hay cuatro obras que permiten ver ese proceso con mucha más claridad.

Marx tenía 19 años cuando escribió esta novela satírica e inacabada. La historia es absurda, juguetona y llena de ironía. Más que por su trama, importa porque muestra a un Marx joven, todavía lejos del economista, experimentando con el humor y con la escritura.

Son cuadernos redactados en París; aquí aparece una de sus preocupaciones más humanas: la alienación. Marx se pregunta qué pasa cuando el trabajo deja de pertenecerle a quien lo hace. Es un texto mucho más cercano y menos rígido que sus obras posteriores.

Escrito junto a Friedrich Engels, este libro quedó inédito en vida de Marx. Ahí empieza a tomar forma una idea central: que la manera en que vivimos y trabajamos influye en cómo pensamos, en lo que creemos y hasta en cómo entendemos la realidad.

Son apenas once notas breves. En ellas discute con Ludwig Feuerbach y deja una idea que atravesaría toda su obra: pensar no basta si ese pensamiento no toca la vida concreta.

Volver a estas páginas cambia un poco la imagen habitual de Marx. Aquí no aparece como una figura cerrada ni como un monumento intelectual, sino como alguien que estaba probando, dudando, afinando su voz.

Y quizá ahí está lo más interesante. Antes de convertirse en un autor capaz de cambiar la conversación política del mundo, Karl Marx fue, simplemente, un escritor tratando de entender qué hacer con todo lo que veía.

El proyecto, llamado Audible Story House, abrió sus puertas en el barrio de Lower East Side y permanecerá activo durante un mes. La iniciativa surge como una propuesta experimental de la filial de Amazon, que busca ampliar la forma en que el público se acerca a las historias.

Bob Carrigan, director ejecutivo de Audible, reconoció que la idea implicó un ejercicio creativo poco convencional. Según explicó, el objetivo consiste en trasladar la experiencia del audiolibro a un entorno físico que facilite el descubrimiento de títulos y fomente la interacción entre personas interesadas en la narrativa.

En este espacio, los contenidos no se presentan en papel. Los visitantes pueden acceder a fragmentos de obras mediante tarjetas que se insertan en dispositivos de escucha con audífonos. Para acceder al contenido completo, es necesario utilizar la aplicación móvil de la plataforma.

El modelo de Audible incluye distintas opciones de acceso. Los usuarios pueden optar por suscripciones, compras individuales o explorar parte del catálogo sin costo, siempre que cuenten con una cuenta activa en Amazon.

La apertura de esta tienda coincide con el crecimiento del mercado de los audiolibros. De acuerdo con datos de la Audio Publishers Association, las ventas en este sector alcanzaron 2,220 millones de dólares en 2024, lo que representa casi el doble de lo registrado cinco años antes.

Durante su operación, Audible Story House albergará diversas actividades abiertas al público. El programa contempla encuentros con autores, mesas de discusión y eventos enfocados en la narrativa contemporánea.

La compañía señaló que este formato busca recuperar el sentido de comunidad asociado a las librerías tradicionales, pero adaptado a las nuevas formas de consumo digital.