La selección llega con un cambio de enfoque. En su edición anterior, La Baja Inspira funcionó como una sección competitiva con cortometrajes y largometrajes; este año se concentra exclusivamente en el documental, en un festival que además amplió su identidad para convertirse en un encuentro de «cine y creatividad». La apuesta, explicó la directora general Paola Desentis, es que la plataforma "nace desde el territorio peninsular".

Más que usar la península como escenografía, el programa busca historias en las que el territorio sea parte esencial de la narrativa. El resultado es un mapa documental que recorre la biodiversidad marina y terrestre, la conservación, la relación entre comunidades y ecosistemas, la memoria histórica, las identidades culturales y los desafíos del desarrollo sostenible. Los títulos seleccionados son:

El proceso de selección fue interdisciplinario. La ronda final estuvo integrada por Juan Patricio Riveroll, director académico de ESCINE; Salvador Amores, coordinador de Programación de FICCLosCabos, e Iván Carrillo, periodista científico especializado en ciencia y medio ambiente. Además, especialistas en cine, investigación científica, conservación, cultura y desarrollo sostenible, entre ellos Octavio Aburto, Dolores Heredia e Inti Cordera, participaron en la evaluación organizados por ejes temáticos.

La plataforma no termina con la selección. Los documentales integrarán un circuito itinerante gratuito por la península, con funciones en Tijuana, Ensenada, La Paz, La Ventana, Todos Santos, Cabo San Lucas y San José del Cabo. Durante el festival, además, se sumará Colisión Creativa, un espacio para detonar nuevas historias a partir del encuentro entre científicos, cineastas y miembros de la comunidad; el proyecto elegido recibirá un año de acompañamiento, mentoría especializada e impulso para su financiamiento y producción.

La presentación forma parte de El Tiny, la edición especial de los Tiny Desk dedicada a la música latina. NPR Music la programó del 15 de septiembre al 15 de octubre, por el Mes de la Música Latina, con artistas de géneros como el jazz, el tejano, el norteño y el ska. 

El repertorio de la banda originaria de Ciudad de México comenzó con "Arréglame el Alma" y siguió con "1993…". Después sonaron "Cha-Cha Love", "La Dosis Perfecta" y "La Carencia", que cerró la sesión.

Sonaba “1993…” cuando Dr Shenka dijo a los micrófonos: “Para todos nuestros desaparecidos allá en México: te extraño, siempre te busco. Algún día nos encontraremos de nuevo”.

De acuerdo con un reporte de Red Lupa, hasta mayo de 2026 se contabilizan más de 135 mil casos de desaparición en México. 

Para NPR –el medio responsable de la creación de Tiny Desk y que se ha convertido en todo un fenómeno musical que los melómanos esperamos con ansias en cada emisión– señala que Panteón Rococó figura desde hace más de tres décadas entre las bandas más destacadas del ska mexicano. 

Sus letras abordan los problemas sociopolíticos del país y su sonido transita entre la cumbia y los ritmos afrocaribeños. Sobre "1993…", la cadena señala que puede parecer contradictorio unir un tema tan delicado con música festiva, pero que la energía de la banda permite una liberación emocional y física frente a la desesperanza de la vida cotidiana.

La sesión completa del Dr. Shenka en la voz, Monelo y Don Gorri en las guitarras, Darío Espinosa en el bajo, Paco Barajas en el trombón y los coros, y Missael en el saxofón, el EWI y los coros está disponible sin costo en el canal de NPR Music en YouTube. 

Se trata de la primera gran muestra individual del artista italiano en ese país. Forma parte del Preis der Nationalgalerie 2026, galardón para el que un jurado internacional eligió a Cattelan. La exposición reúne piezas históricas y obras nuevas dentro del edificio de vidrio y acero diseñado por Ludwig Mies van der Rohe, y permanecerá abierta hasta el 7 de marzo de 2027. La curan Lisa Botti, curadora del museo, y Klaus Biesenbach, su director, en colaboración con el artista.

Maurizio Cattelan nació en Padua, Italia, en 1960 y vive entre Nueva York y Milán. Sin formación artística tradicional, construyó su carrera con esculturas hiperrealistas que combinan humor negro, religión y poder. Entre sus obras más conocidas están La Nona Ora (1999), que muestra al papa Juan Pablo II derribado por un meteorito, America (2016), un inodoro funcional de oro macizo instalado en el Guggenheim de Nueva York, y Comedian (2019), un plátano pegado a la pared con cinta adhesiva.

El apodo de enfant terrible, expresión francesa que se aplica a quien escandaliza a su entorno con conductas poco convencionales, lo acompaña desde hace décadas. La prensa especializada lo usa para describir a un artista que cuestiona con ironía a la Iglesia, al mercado y a las instituciones. Tras su retrospectiva en el Guggenheim se creyó que se había alejado del circuito, pero regresó con muestras como Not Afraid of Love, en la Monnaie de Paris.

Night deja fuera algunos de los trabajos más célebres de Cattelan, como el plátano y el inodoro de oro. El título alude a la oscuridad y a un tiempo de reflexión, y también a la promesa de una nueva mañana.

La exposición incluye Purgatory (2026), una versión a escala reducida de la Puerta de Brandeburgo dentro del museo, y People (2026), una instalación con cientos de palomas disecadas sobre los visitantes. También se exhibe Novecento, un caballo suspendido del techo, y una figura que toca un tambor sobre la azotea, inspirada en la novela El tambor de hojalata, de Günter Grass. En la entrada se encuentra Dust, una pieza que guarda las cenizas de un amigo del artista dentro de un extintor.

En una entrevista que acompaña la muestra, Cattelan resume el ánimo del proyecto con la idea de que, cuando el futuro parece aterrador, el pasado se vuelve atractivo.

Night se presenta en la Neue Nationalgalerie de Berlín hasta el 7 de marzo de 2027.

Archie, el protagonista, es el “inadaptado” de la prepa, interpretado por Diego Bernal. Después de ser mordido por un zombie en un supermercado local, comienza a transformarse en uno de ellos. Junto a Cris, su mejor amiga gótica, interpretada por Lilith Curiel, y Brenda, su “crush”, interpretada por Farah Justiniani, emprenderá una búsqueda para descubrir qué hay detrás del brote zombie y detener un plan que podría causar el apocalipsis en Mendoza, una ciudad mexicana ficticia que es donde viven.

Esta combinación entre lo cotidiano y lo extraordinario es precisamente uno de los elementos que distingue a Prefiero la muerte, una producción que destaca por su construcción de un universo profundamente juvenil y mexicano.

Además, cabe mencionar que la serie llega con una propuesta refrescante para el común denominador de las propuestas mexicanas, donde Camilo Lara es el responsable de producir el score.

Como es sabido, Lara es uno de los músicos más destacados en la historia musical mexicana, habiendo participado como músico en grandes producciones como Coco, Y tu mamá también o Thor: Love and Thunder, además de haber destacado con su proyecto musical principal: Instituto Mexicano del Sonido.

En entrevista con Pijama Surf, Camilo nos contó que esta experiencia fue uno de los proyectos más emocionantes en su carrera, y que su intención principal para la composición musical de la serie estuvo altamente marcada por la temática juvenil de la misma, enfocándose en producir texturas sonoras lo-fi y paisajes sonoros inspirados en la escena musical mexicana independiente, con invitados como Noé de Un Perro Andaluz o Sebastián Sariñana, quien además de ser showrunner de la serie, participó también como músico.

Lara también nos contó que el sonido está inspirado por las guitarras distorsionadas y baterías estridentes que considera han sido un poco olvidadas en la música popular, buscando así capturar el espíritu de una escena musical que, cuando se filmó la serie, comenzaba a tomar fuerza.

Además, la cotidianidad, la estética rápida e intensa que se puede llegar a vivir en las metrópolis mexicanas fueron factores importantes para construir este paisaje sonoro. La intención era crear un micro universo musical alrededor de estos personajes y de la ciudad que habitan, haciendo que el sonido fuera también un reflejo de la escena independiente mexicana.

Camilo Lara ha participado en otras producciones con temática “mortal”, pero como en cada producción, incluso dentro del mismo género, cada una necesita su propio “tenor”. Esta serie, al ser un crisol de temáticas, necesitaba una propuesta musical única y a la medida y que, por la naturaleza de la misma, pinta para poder ser una serie de culto del catálogo cinematográfico mexicano.

Además, Lara nos contó que el imaginario sónico y la iniciativa narrativa de Prefiero la muerte parten de un lugar profundamente mexicano, en el que conviven distintas tendencias y tribus juveniles.

El imaginario sónico y la iniciativa narrativa de Prefiero la muerte es, sin duda, una de las propuestas más emocionantes de las producciones mexicanas contemporáneas.

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En esta nueva entrega, Iñárritu trabaja con uno de los rostros actorales más reconocidos de Hollywood: Tom Cruise. Después de Leonardo DiCaprio, Cruise se convierte en uno de los actores más grandes con los que el director ha trabajado y, curiosamente, ambos llegan a esta colaboración después de haber construido buena parte de sus carreras alrededor de personajes mucho más reconocibles.

Desde BARDO, Falsa crónica de unas cuantas verdades (2022), Iñárritu había mostrado interés por reunir una enorme cantidad de temas, críticas, sátiras y paralelismos dentro de una misma película. En aquella ocasión, la acumulación de ideas terminó resultando abrumadora para algunos espectadores, quienes calificaron la cinta de pretenciosa.

Con Digger, sin embargo, el director parece encontrar un ritmo mucho más preciso. La película sigue siendo excesiva, pero ahora ese exceso forma parte de su propio lenguaje. Iñárritu construye una sátira sobre el poder político, empresarial y religioso, y lo hace alrededor de Digger Rockwell, interpretado por Cruise: un hombre multimillonario, anciano y completamente desconectado de la realidad que lo rodea.

Digger —el personaje— vive literalmente dentro de su propio mundo. Su mansión, sus objetos, sus empleados y hasta los espacios que lo rodean parecen formar parte de un escenario que puede desmontarse y transformarse en cualquier momento. Y es justamente ahí donde comienza una de las lecturas más interesantes de la película.

La mansión está llena de trofeos de animales, pieles y animales disecados. No se trata de una decoración puesta al azar. El espacio funciona como una extensión del personaje y como una representación de una clase de empresarios cuyo poder económico les permite convertir prácticamente cualquier cosa en un objeto de consumo.

La cacería, los animales y la naturaleza aparecen convertidos en decoración. El mundo exterior deja de ser algo que Digger habita para convertirse en algo que posee. Iñárritu no presenta esta idea de manera particularmente sutil: la coloca frente a nosotros, dentro de los propios espacios que habita el protagonista.

Aquí el trabajo del diseño de producción resulta fundamental. Dennis Gassner, junto con Richard Johnson, construye unos escenarios que no funcionan únicamente como fondos para los personajes. Los espacios explican quiénes son. La producción trabajó los sets de manera física y artesanal, con una atención particular a los objetos, colores y texturas que forman cada habitación.

La idea también coincide con una de las búsquedas visuales de Iñárritu: que el cuadro pueda leerse prácticamente como una pintura. En lugar de dirigir constantemente nuestra mirada hacia un único punto, los espacios están cargados de información. Cada rincón puede revelar algo sobre el personaje que los habita.

Y si Digger representa el poder empresarial, tampoco está solo. A su alrededor aparecen las representaciones del poder político y religioso, tres esferas que, aunque operan desde lugares distintos, terminan conectadas por una misma necesidad de controlar y decidir sobre el mundo desde una posición privilegiada.

Lo interesante es que la película no presenta estas formas de poder como estructuras perfectamente organizadas. El poder corporativo y el religioso pueden terminar sucumbiendo ante el político, pero este tampoco parece responder a una lógica particularmente racional. Muchas de sus decisiones nacen del capricho, el ego y el impulso.

En ese sentido, Tom Cruise encuentra aquí un personaje bastante alejado del héroe que durante décadas ha construido en Hollywood. Cruise suele interpretar al hombre que corre contra el tiempo para salvar el mundo en el último momento. Digger es prácticamente lo contrario. Y ahí está uno de los mayores aciertos de su interpretación.

Digger no es el típico villano que quiere destruir el mundo. Es, en muchos sentidos, algo más interesante: un hombre capaz de destruirlo sin proponérselo realmente. Su indiferencia hacia los demás, su aislamiento y la forma en que entiende el mundo terminan generando consecuencias que escapan de su control. Todo esto está envuelto en una sátira que por momentos resulta grotesca, absurda y deliberadamente exagerada.

El apartado actoral y la dirección encuentran otro de sus grandes respaldos en la fotografía de Emmanuel “Chivo” Lubezki, colaborador habitual de Iñárritu. Para Digger, ambos vuelven a trabajar con VistaVision, un formato que permite construir una imagen amplia y con gran profundidad dentro del cuadro. La intención no parece ser únicamente conseguir una imagen espectacular, sino permitir que el espectador recorra visualmente los escenarios.

Lubezki toma este mundo frío, desolado y aparentemente sin vida y consigue que los escenarios cambien constantemente frente a nosotros. La iluminación se transforma de acuerdo con el tono de cada momento, mientras que la cámara encuentra planos que pueden ir de lo grotesco a lo monumental. Hay incluso momentos en los que la composición parece acercarse a la pintura y al muralismo, con personajes y escenarios distribuidos dentro del cuadro como si estuviéramos frente a una obra que puede recorrerse visualmente.

Esto también explica por qué los sets tienen tanta importancia. La película fue construida para que el espacio y los personajes dialoguen constantemente. El mundo de Digger no solamente está alrededor de él: es una representación de su manera de entender la realidad.

Digger es, finalmente, una sátira sobre un mundo que conocemos demasiado bien. Un mundo en el que el dinero y el poder permiten construir burbujas completamente alejadas de la realidad del resto de la población.

Iñárritu lleva esa idea hasta sus últimas consecuencias: un universo donde los ricos y poderosos pueden convertir la naturaleza en decoración, la política en espectáculo y la comodidad en una justificación para continuar destruyéndolo todo.

La edición 24 del FICM tendrá películas provenientes de distintas partes del mundo y contará con nombres como Danny Boyle, Taika Waititi, Hirokazu Kore-eda, Brad Bird, Ira Sachs, Lukas Dhont, Peter Farrelly y Javier Calvo y Javier Ambrossi.

Entre estrenos, películas provenientes de otros grandes festivales y propuestas de género, en Pijama Surf te compartimos algunos de los títulos internacionales que vale la pena tener en el radar.

Una de las películas que seguramente generará mayor conversación en Morelia será Yo soy Rocky, el título con el que llegará al FICM I Play Rocky, de Peter Farrelly.

La película recrea el momento en que Sylvester Stallone intentaba convertir su historia sobre un boxeador de Filadelfia en una película, antes de que Rocky se transformara en uno de los personajes más importantes de la historia del cine estadounidense.

Anthony Ippolito interpreta a Stallone en la película y la cinta llega después de su presentación en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Además, su estreno coincide con el 50 aniversario de Rocky, por lo que el proyecto tiene un atractivo especial para quienes crecieron con la saga.

Danny Boyle regresa con Ink, una película protagonizada por Jack O'Connell, Guy Pearce y Claire Foy.

La historia se sitúa en 1969 y sigue a Larry Lamb y Rupert Murdoch durante la transformación de un periódico británico que terminaría teniendo un impacto importante en el panorama mediático.

La cinta tuvo su estreno mundial en Venecia y también pasó por el Festival de San Sebastián antes de llegar a la programación de Morelia.

Los Javis llegarán al FICM con La bola negra, una de las películas españolas que más ha llamado la atención dentro del circuito de festivales de este año.

La cinta parte de una obra inconclusa de Federico García Lorca y construye una historia que atraviesa distintas épocas para hablar sobre deseo, identidad, memoria y represión. El reparto incluye a Penélope Cruz, Glenn Close, Miguel Bernardeau y Guitarricadelafuente, entre otros.

Después de su paso por Cannes, Toronto y San Sebastián, donde recibió el Premio del Público, su llegada a Morelia la convierte en uno de los títulos internacionales que más vale la pena buscar durante el festival.

Taika Waititi llevará a Morelia su adaptación de la novela de Kazuo Ishiguro, Klara and the Sun.

La película está protagonizada por Jenna Ortega y parte de una historia de ciencia ficción centrada en Klara, una compañera artificial diseñada para acompañar a una joven.

El proyecto marca una nueva aproximación de Waititi a la ciencia ficción y se suma a una programación internacional que este año apuesta por nombres reconocidos de Hollywood junto con cineastas provenientes del circuito de autor.

Los amantes de la animación también tendrán una parada obligada en Morelia con Ray Gunn, la nueva película de Brad Bird.

El director de Los increíbles y Ratatouille recupera una idea que llevaba décadas intentando llevar a la pantalla y construye una historia de ciencia ficción y cine negro con una estética retrofuturista.

La película cuenta con las voces de Sam Rockwell y Scarlett Johansson y representa el regreso de Bird al largometraje después de varios años.

Para quienes buscan algo más cercano al terror, El psicópata —Victorian Psycho en su título original— será una de las opciones más llamativas.

La película de Zachary Wigon está basada en la novela de Virginia Feito y lleva su historia a la Inglaterra victoriana, donde una institutriz llega a una casa aristocrática con secretos que pronto comienzan a salir a la superficie.

El FICM ha incluido la cinta dentro de su selección de estrenos internacionales, convirtiéndola en una de las opciones para quienes quieran combinar el festival con cine de género.

Hirokazu Kore-eda tendrá una presencia doble en la programación del FICM con Look Back y Sheep in the Box.

Look Back representa una colaboración especialmente interesante para los seguidores de la animación japonesa: Kore-eda adapta el manga de Tatsuki Fujimoto para contar la historia de dos jóvenes unidas por su pasión por dibujar.

El resultado se suma a una programación internacional donde la animación no queda limitada a una categoría secundaria y comparte espacio con algunas de las grandes producciones de ficción del festival.

Ira Sachs, uno de los nombres más reconocibles del cine independiente estadounidense contemporáneo, también llegará a Morelia con The Man I Love.

El director de Passages y Love Is Strange vuelve a explorar las relaciones humanas y las tensiones emocionales que aparecen alrededor de ellas, en una película que forma parte de la extensa selección internacional del FICM.

La animación vuelve a aparecer con Wildwood, dirigida por Travis Knight, responsable de Kubo and the Two Strings y Bumblebee.

La película está basada en la novela homónima de Colin Meloy y cuenta con una propuesta de fantasía que amplía la presencia de la animación dentro de la programación internacional del festival.

Entre cine de autor, animación, terror, biopics y grandes producciones internacionales, el FICM 2026 tendrá una programación que va mucho más allá de los títulos mexicanos en competencia. Para quienes visiten Morelia este octubre, la selección internacional será también una oportunidad para descubrir películas que todavía no han llegado a las salas comerciales de México.

Para Cyclo, viajar y llevar su música a otros países continúa siendo una experiencia que disfruta, incluso a pesar del miedo que tiene a volar. La posibilidad de conocer nuevos lugares y conectar con distintas audiencias es parte de lo que hace especial esta gira.

México ocupa un lugar particular dentro de ese recorrido. El artista reconoce la fidelidad del público mexicano y también destacó la cantidad de propuestas musicales que existen actualmente en el país. Entre los proyectos que ha descubierto recientemente mencionó a Bratty, cuya música llamó especialmente su atención.

Los rap plays fueron una parte fundamental en el crecimiento de Cyclo. Canciones como “CREEPER VS ZOMBIE”, “Desde Tu Adiós” y “Calle of Duty” ayudaron a construir una comunidad que todavía reconoce esos temas.

Sin embargo, alrededor de 2017 el artista comenzó a buscar otra manera de hacer música. Quería experimentar con nuevos ritmos y cambiar su forma de escribir para hablar desde un lugar más personal.

Aunque aquella etapa sigue siendo importante para él, actualmente son menos frecuentes las peticiones de canciones de rap play. Cyclo considera que ambas partes forman parte de su historia y que su público también ha sabido acompañar esa transformación.

La música continúa funcionando como una forma de expresión para el artista. A través de ella puede hablar de lo que piensa y siente, pero también experimentar con diferentes géneros. Entre sus principales influencias menciona a Twenty One Pilots, grupo que admira por su capacidad para moverse entre distintos sonidos.

Para esta gira, Cyclo busca reunir canciones de sus diferentes etapas. El repertorio incluirá temas que conectan con quienes lo conocieron por los rap plays, además de material más reciente.

Las canciones más antiguas mantienen un lugar especial en sus conciertos, sobre todo aquellas que consiguen cambiar la energía del público. Entre ellas están “CREEPER VS ZOMBIE”, “Desde Tu Adiós” y “Calle of Duty”.

El Fisherman LATAM Tour llegará a México en las siguientes fechas:

Después de México, Cyclo continuará su recorrido por Latinoamérica. Para él, la gira representa la oportunidad de encontrarse con una comunidad que conoce distintas etapas de su música y que ahora podrá escucharlas reunidas en un mismo escenario.

Nos enteramos tarde de La Leyenda del Ermitaño, ya que su temporada concluye este jueves 24 de septiembre –aunque hay que comprender que uno llega siempre en el momento correcto–; sin embargo, he de decir que fue mágico.

Y es que desde la primera declaración de hacer teatro en México, las palabras no dejaron de resonar en mi cabeza y estoy seguro que también lo hicieron en todas las testas de quienes estábamos ahí. Porque ciertamente dedicarse al arte, a las humanidades o vamos, a las ciencias sociales, es ya un acto de rebeldía contra el status quo y más aún “hacerlo uno mismo”. 

Primero hay que comprender la figura del ermitaño, una que atraviesa casi todas las tradiciones espirituales con un mismo mensaje de fondo. En el tarot representa la introspección y la búsqueda de sabiduría lejos del ruido colectivo. En el taoísmo chino, el sabio que se retira a la montaña encarna la armonía con el orden natural. En el cristianismo medieval, los padres del desierto convirtieron el aislamiento en una forma de conocimiento espiritual. México no fue la excepción, pues sus montes y cuevas resguardaron a curanderos y místicos que la tradición popular transformó en figuras casi legendarias. Esa genealogía es la que Roberto Mosqueda invoca sobre el escenario.

El montaje sigue a Miguel Cabrera, hijo de la Nueva España, marcado desde su nacimiento en 1682 por un don que el Santo Oficio decide arrebatarle. La obra construye su recorrido como una travesía por las estructuras que definieron ese México colonial: la Inquisición, el aparato virreinal, el sistema de castas y las cofradías que operaban en la clandestinidad. 

A ese laberinto se suma un adversario que pertenece más al terreno del mito que al de la historia, un Demonio de Dos Cabezas que pone a prueba cada paso del protagonista. En ese trayecto, Miguel no encuentra armas ni aliados poderosos, sino algo más sencillo y más firme, el respaldo de su familia, la cercanía de Concepción -una monja de convicciones propias- y la enseñanza silenciosa de un Ermitaño que aparece cuando el camino se vuelve incierto.

Interpretado por Roberto Mosqueda, actor y creador de La Leyenda del Ermitaño, durante una conversación sobre las implicaciones y complicaciones de ser artista.

Mosqueda nos cuenta que la carta del arcano ermitaño llegó a sus manos cuando estaba por cumplir cuatro décadas de vida. Una coincidencia que haría sentir orgulloso a los numerólogos, pues los números escritos en esa carta eran 17-09, cifra que coincide con el día en que el portador de esta pluma visitó el Ateneo para contemplar este espectáculo de teatro, realismo mágico y comedia. Además, ese mismo día Roberto cumplió 41 años.

"Hasta los sueños se desgastan –dice Roberto–, pero la clave está en unirse como artistas para hacerle saber a la gente que es un trabajo profesional". 

No es fácil hacer lo que uno ama, pero tampoco lo es dejar de hacerlo solo porque no es sencillo. Tal vez dentro del sistema capital, la utilidad de lo que amamos no tenga un gran espacio para expresarse, pero siempre sirve para no arrepentirse con uno mismo. Ya lo dice Fito Páez: “Nadie nos prometió un jardín de rosas, hablamos del peligro de estar vivo” y La Leyenda del Ermitaño es una inyección indómita de energía insumisa . 

Sin duda, un monólogo que reivindica el valor y el trabajo del artista a través de experiencias, reflexiones y una historia que abraza el alma y abrasa (así con “s”) la imaginación.

Lugar: Hotel Virreyes, calle José María Izazaga no. 8, Centro Histórico, frente al metro Salto del Agua. Costo: $350 el boleto; se puede traer bebida propia y hay servicio de cafetería. Fecha: Última función este jueves 24 de septiembre, 20:00 horas. Boletos vía WhatsApp al 4771297911, por Instagram (@ateneodevirreyes y @mosquedarobeerto) o en la taquilla del recinto.

En particular en esta edición, Sofía ve un ejemplo claro de cómo el cine puede funcionar como herramienta diplomática: un puente cultural entre dos países que, dice, ya se ha convertido en toda una institución dentro del panorama cultural mexicano.

Para Llorente, el verdadero logro de estas tres décadas no es solo la permanencia, sino algo más difícil de conseguir: la fidelización a través de generaciones.

Quienes empezaron a asistir al tour a finales de los noventa, cuando apenas arrancaba, hoy llevan a sus propios hijos a las funciones. Es, dice, la certeza de que un proyecto cultural realmente aterrizó: no basta con atender siempre a la misma franja de edad año tras año, sino ver cómo el público se renueva desde dentro de las mismas familias.

Para conmemorar el aniversario, el tour organizó una retrospectiva breve, de apenas una semana previa al arranque oficial, con siete clásicos que han marcado su historia.

La respuesta del público fue mejor de lo esperado: Llorente misma volvió a ver, después de quince años, títulos que recordaba con cariño, entre ellos El encanto del erizo (Le Hérisson, Mona Achache, 2009), una de sus películas favoritas de todas las ediciones anteriores.

La programación central mantiene el espíritu que ha definido al tour desde siempre: siete películas francesas recientes, sin apego a un solo género, que buscan mostrar la diversidad de lo que se está haciendo en el cine francés contemporáneo. Hay drama histórico, thriller, comedia y romance, y tres de los títulos de esta edición están basados en hechos reales: La copia perfecta (Jean-Paul Salomé, 2025), sobre Jan Bojarski, probablemente el falsificador de billetes más destacado de Francia, a la altura de los mejores artistas; El desconocido del Gran Arco (Stéphane Demoustier, 2016), sobre la historia detrás del arquitecto Johan Otto von Spreckelsen y el diseño del Gran Arco de La Défense en París; y Abandonado (Vincent Garenq, 2026), inspirada en el asesinato de Samuel Paty, un profesor de secundaria decapitado a manos de un fundamentalista en Francia, en 2020. A esto se suma Sólo una ilusión, lo más reciente de Olivier Nakache y Éric Toledano (2026), el dúo detrás de Amigos intocables (2011), cuya nueva película también forma parte de la selección.

Preguntada por lo que ha cambiado en el cine francés a lo largo de estas tres décadas, Llorente prefiere señalar lo que se ha mantenido: a diferencia de los grandes éxitos de taquilla de Hollywood, construidos sobre historias extraordinarias y espectáculo visual, el cine francés ha conservado, desde los tiempos de la Nueva Ola, un enfoque en lo cotidiano. Sus personajes, dice, podrían ser tu vecino, tu hermana o tú mismo, y es justamente esa cercanía la que sigue definiendo las historias que el cine francés decide contar.

Llorente es franca sobre el reto que representa sostener el interés del público durante las cinco semanas que dura el festival: en una ciudad con una oferta cultural interminable, mantener ese entusiasmo no es sencillo, y admite que después de cierto punto la atención empieza a desviarse hacia lo siguiente en el calendario. Por eso, el tour ha optado deliberadamente por mantener una programación acotada de siete películas, en lugar de sumarse a festivales con decenas de títulos que, en la práctica, muy pocos alcanzan a ver completos. Siete películas, dice, es un número que permite que la mayoría del público vea varias, si no todas, sin que la experiencia se sienta inabarcable.

El circuito conecta un depósito, un grupo de presión, un sistema de depuración y la bañera. El agua se mueve sin pausa entre esas partes y sostiene el funcionamiento del conjunto. La artista concibe la obra como máquina y como organismo, porque cada elemento depende de los demás. La sala adopta el aspecto de un spa ambientado en un futuro próximo, y son cuerpos feminizados quienes activan la pieza.

Durante las activaciones, la circulación se detiene. Máquina y cuerpo quedan en suspenso y la persona que se sumerge baila bajo el agua, y la infraestructura marca los tiempos de esa permanencia y condiciona lo que vive el cuerpo.

La artista, coreógrafa y bailarina, traslada la idea de la Apnea, la falta de oxígeno, a un presente de ansiedad, cansancio y exigencia de rendir sin pausa. Su propuesta consiste en explorar si es posible convivir con el malestar sin reaccionar de inmediato ante él.

Dormir, respirar, meditar, descansar o hacer ejercicio se miden hoy con aplicaciones, dispositivos y protocolos de optimización. La obra pone en duda esa forma de entender el cuidado. Su idea de contemplación mantiene la tecnología presente y busca un ajuste entre el cuerpo y la infraestructura.

La muestra apunta además a una contradicción del capitalismo actual. El mismo sistema que deja exhaustos a los cuerpos convierte su recuperación en un mercado. En lugar de prometer alivio para el cansancio o la ansiedad, APNEA formula una pregunta. Qué sucede al aceptar la incomodidad, permanecer en ella y comprobar que los límites de cada persona tal vez estén lejos del lugar donde se los ha colocado.

Nacida en Sevilla en 1996 y radicada en Barcelona, Capitán combina danza, performance, instalación, moda y nuevas tecnologías. Su obra se mueve entre lo popular y lo subcultural, y aborda con ironía y tono lúdico la sexualidad femenina, el voyeurismo, las tecnologías de la comunicación y la forma en que los vínculos sociales se activan o se rompen.

En 2025 llevó Content Cage y Flight Room a la exposición individual X, en inter.pblc, en Copenhague, y, en formato audiovisual, a los Premios CIRCA de Piccadilly Circus, en Londres. Su obra SOLAS ha pasado por el Festival de Marseille, De Singel, el Teatro Central, La Mutant, L'Artesà y los Teatros del Canal. Otras piezas suyas se han programado en el Museu Tàpies, La Casa Encendida, el Museu Nacional d'Art de Catalunya, Tenerife Espacio de las Artes, documenta fifteen y University College London.

Publicado en mayo de 2023, el álbum reúne ocho canciones y fue escrito, producido, grabado y mezclado por Vladislav Parshin. Es un trabajo breve, pero concentra buena parte de los elementos que han definido la trayectoria de Motorama, junto con una búsqueda más evidente por melodías luminosas y arreglos delicados.

La placa también será importante para entender el próximo concierto de la agrupación en México. Motorama se presentará el 1 de octubre en el Auditorio Nacional, después de haber agotado dos fechas en el Teatro Metropólitan durante su anterior visita a Ciudad de México.

Estas son cinco canciones para entrar en Sleep, and I Will Sing.

El disco comienza con una de sus canciones más luminosas. “Two Sunny Days” conserva la guitarra limpia y el pulso pausado de Motorama, pero coloca la melodía en primer plano.

La canción habla de dos días aparentemente sencillos y de la posibilidad de encontrar algo valioso dentro de una rutina limitada. La música acompaña esa idea con una estructura repetitiva que termina por convertirse en su principal virtud.

Aquí aparece un Motorama menos preocupado por construir una atmósfera sombría y más interesado en encontrar belleza dentro de la cotidianidad.

“And, Yes” representa uno de los pequeños desplazamientos sonoros del álbum. Una guitarra acústica ocupa un lugar importante dentro de una canción que mantiene el ritmo característico de la banda.

La letra parte de una aceptación sencilla: las cosas no siempre salen bien, pero eso tampoco significa que todo esté perdido. El resultado es una de las canciones donde mejor conviven la melancolía y una sensación de esperanza que atraviesa todo el disco.

Si hay una canción que resume el espíritu del álbum, es “Next To Me”.

Su instrumentación es más delicada y crea una sensación cercana a una canción de cuna. La voz de Parshin se mantiene contenida mientras la melodía construye una intimidad poco habitual dentro de las estructuras más frías asociadas al post-punk.

La canción gira alrededor de una idea sencilla: acompañar y ser acompañado. Esa sencillez permite que el arreglo tenga tanto peso como la letra.

“Twilight Song” recupera una parte más reconocible del sonido de Motorama. El bajo tiene un papel central y la canción se mueve entre una melodía luminosa y una instrumentación más oscura. Ese contraste resulta importante para entender el disco. Sleep, and I Will Sing no abandona la identidad de la banda; la desplaza. Las guitarras limpias, los teclados y las melodías más accesibles conviven con el bajo y los ritmos que remiten directamente al post-punk.

El cierre del álbum funciona como una especie de despertar. “Dreams” recorre imágenes de sueños, ansiedad, miedo y compañía hasta llegar a una conclusión sencilla: es momento de despertar.

Musicalmente, la canción mantiene la economía de recursos que caracteriza al disco. No necesita un gran cierre para completar su recorrido. Su fuerza está en la repetición y en la forma en que las imágenes de sueño terminan conectando con los temas que aparecen desde el inicio del álbum. Sleep, and I Will Sing funciona así como un trabajo de transición: Motorama conserva la identidad que desarrolló durante casi dos décadas, pero encuentra espacios para incorporar mayor calidez y luminosidad. Algunas lecturas del álbum han señalado precisamente esa convivencia entre el post-punk, el jangle pop y elementos más cercanos al dream pop.

Dos años después de su lanzamiento, esas canciones todavía forman parte del repertorio en vivo de la agrupación. Durante la gira del álbum, “And, Yes”, “Next to Me”, “Twilight Song” y “Dreams” aparecieron de manera recurrente en sus presentaciones, junto con clásicos como “Wind in Her Hair”, “Heavy Wave” y “Alps”.

Ahora, Motorama llevará ese repertorio a una escala distinta en México. El 1 de octubre, el Auditorio Nacional recibirá a la banda rusa para una presentación que también permitirá recorrer una discografía construida alrededor de una idea poco común: hacer de la melancolía un espacio habitable.

A esa dificultad se suma la falta de compañías con sueldo fijo y la centralización de las oportunidades en la Ciudad de México, lo que obliga a muchos actores de otros estados a mudarse o a movilizarse constantemente solo para tener acceso a un casting o a una temporada. Sobre este terreno se construye ¡Oh, fortuna!, largometraje escrito y dirigido por Luis Ayhllón que Dodo Escenas presenta con un tono ágil, divertido y entrañable. La película aborda un tema poco explorado en el cine mexicano, la manera en que los jóvenes actores y actrices intentan abrirse paso en la sociedad y construir un camino profesional después de formarse en la carrera de actuación, y propone que la amistad y una red de apoyo sólida son pilares fundamentales para salir adelante. 

El elenco lo encabezan Ernesto Rocha, Carlos Abraham Gongo, Marya Sotelo, Sergio Biviano, Francisco Aurelio Sánchez, David Zambrano, Emmanuel Pavía, Margareth Linares, Diego Alonso, Alexis Briseño Jaramillo, Priscila Rosado y Alejandrina García Zavala, con la participación de Mario Loría, Sebastián Cobos, María Elena Olivares, Joe Behrens, Francisco Medina, Fran Lozano, Aarón Mendoza y Daniela Semiramis. 

Con motivo del estreno, Pijama Surf conversó con Margareth Linares y Emmanuel Pavía, dos de los actores del elenco, sobre el origen del proyecto y las vicisitudes que enfrentan los actores recién egresados en México.

Pijama Surf: ¿De qué trata ¡Oh, fortuna! y cómo se involucraron en el proyecto?

Margareth Linares: Interpreto a Margo en la película. ¡Oh, fortuna! trata sobre el teatro, sobre cómo es la vida al hacer teatro independiente y, sobre todo, sobre la amistad.

Emmanuel Pavía: La película reflexiona en torno a las relaciones que establecemos al egresar. Habla de un grupo de actores jóvenes recién salidos de la carrera de actuación que se enfrentan a las inclemencias del mundo y a la precariedad económica, y que encuentran en la amistad y en los lazos que van formando, mientras crean la obra, un refugio para sobrellevar esas inclemencias.

Pijama Surf: ¿Qué tanto de lo que vive su personaje se parece a lo que ustedes han vivido al salir de la escuela?

Margareth Linares: Muchas de las cosas que ocurren en la película pueden parecer graciosas o hasta inverosímiles, pero en realidad son una recopilación de situaciones que nos han sucedido en nuestro propio proceso. Yo egresé hace aproximadamente cuatro años, y hemos vivido de todo, desde buscar estímulos y apoyos para hacer teatro hasta casi rogar por ellos. A veces necesitas regalar tu trabajo porque no encuentras quién pueda respaldarte.

Emmanuel Pavía: Yo egresé en 2019, antes de la pandemia, que se volvió un acontecimiento determinante también para la película, porque esta surgió justo en ese periodo, a partir de la necesidad que teníamos como jóvenes recién egresados de abrirnos camino. Hablamos con Luis Ayhllón, director de la cinta, con quien algunos ya habíamos trabajado antes de la pandemia. Él es director de cine y también de teatro, entiende perfectamente ambos lenguajes, y confió en nosotros y en nuestro trabajo. De ahí surge la película, y muchas de sus premisas vienen de nuestra vida real.

Pijama Surf: ¿Cuáles son algunas de las dificultades que han encontrado al tratar de consolidarse como actores?

Emmanuel Pavía: Creo que las instituciones en este país difícilmente confían en la gente joven. Entiendo que hace falta cierta experiencia, pero también creo que abrirnos camino por la vía independiente responde a una fuerte necesidad de crear. Institucionalmente es difícil acceder a los espacios. Desde que egresé, con proyectos creados junto a gente de mi generación, hemos aplicado a un número enorme de convocatorias y prácticamente no habíamos ganado ninguna, hasta este año. Y con convocatorias me refiero a que nos programen en teatros donde el sueldo ya está contemplado. A pesar de eso, me siento afortunado porque el teatro no ha cesado para mí, ya sea por la vía independiente o gracias a otros creadores que nos han abierto camino. Hay inclemencias, claro, y la precarización es real: la falta de un pago digno no afecta solo a la gente joven, también a actores con años de trayectoria, algunos de los cuales me han contado que este año no tuvieron ningún trabajo. Por eso creo que hay que dejar de ver al teatro y al cine solo como un instrumento de satisfacción momentánea y empezar a verlos como una necesidad primordial.

Margareth Linares: También encuentras otras alternativas que no siempre son las que más te gustan. Ahorita, por ejemplo, doy clases de teatro, y aunque me encantaría hacer teatro todo el día, esa docencia es lo que me da de comer y me permite sostener mis propios proyectos. Además hay pocas compañías de teatro estables que ofrezcan un sueldo fijo, así que generalmente se trabaja por proyecto: terminan los ensayos, se presenta la temporada y hay que buscar la siguiente oportunidad, salvo que pertenezcas a una compañía nacional con un periodo garantizado, que son muy pocas. También influye mucho el lugar donde vives, porque el teatro en México está muy centralizado y la mayoría de las oportunidades se concentran en la Ciudad de México. Movilizarte hasta allá, o mudarte de estado, también es un sacrificio grande.

Pijama Surf: ¿Qué fue lo que vieron en la historia que los convenció de tomar el proyecto?

Margareth Linares: No hubo un guion cerrado como tal, existía una escaleta de lo que se iba a grabar, pero la mayor parte de la película es improvisada, de acuerdo con las situaciones y lo que les va ocurriendo a los personajes. Todo parte de un proceso en el que montamos la obra Pluto, de Aristófanes, en formato de teatro de calle, y la película se construyó tomando partes de ese montaje y explorando cómo los personajes viven alrededor de él.

Pijama Surf: ¿Se puede ser actor o actriz en México de manera individual, o la comunidad termina siendo indispensable?

Emmanuel Pavía: Creo que siempre se trabaja en comunidad. Quien va solo, por egoísmo, soberbia o narcisismo, está condenado a no vincularse humanamente, y nuestro oficio consiste en gran medida en encontrar la manera de empatizar, de ponernos en los zapatos del otro para poder crear. Hay una parte del trabajo actoral que sí es individual: entrenarse de forma permanente, leer, ver cine y series, estar en contacto con el propio mundo interno. Pero como actores tenemos la responsabilidad de socializar todo eso, y la única manera honesta y soportable de hacerlo es a través del trabajo en equipo y la vinculación. En la escuela nos lo repetían mucho: aunque hagas un monólogo que tú mismo escribas, dirijas y produzcas, siempre va a haber alguien vendiendo los boletos, alguien limpiando el teatro, gente que necesitas para llenar una sala. Es imposible hacerlo completamente solo.

Pijama Surf: ¿Qué le dirían a quienes quieren dedicarse a la actuación buscando sobre todo la fama?

Emmanuel Pavía: Creo que lo importante es tener claro qué tipo de actor quieres ser y qué enfoque le quieres dar a tu carrera. Buscar el reconocimiento no está mal, al contrario, lo importante es no mentirte a ti mismo y saber que eso es lo que quieres, para entonces ir tocando las puertas que te acerquen a esa plataforma. Si lo que buscan es hacer teatro o cine, entrenarse y profesionalizarse, mi consejo es investigar las convocatorias de las escuelas y encontrar el perfil que les interese, sabiendo que no es una carrera fácil: exige muchos sacrificios, renuncias a reuniones familiares y tiempo con amigos. Pero es una carrera con recompensas maravillosas, porque permite conocer a gente talentosa e increíble.

Margareth Linares: Retomando lo que dice Emmanuel, creo que esto responde a una necesidad. Así como tenemos necesidades físicas, también tenemos necesidades espirituales, y creo que el teatro corresponde a una de ellas, a eso que te despierta y te da ganas de seguir viviendo. Más que dar un consejo, yo lanzaría una pregunta: ¿por qué haces teatro? ¿Qué te mueve? Tenerlo claro es cercano a lo que dice Emmanuel. Si lo que te mueve es querer ser famoso, está bien, pero hay que reconocerlo y construir desde ahí. Hay que asumir muchas cosas, porque no es fácil ir contra la corriente, contra un sistema y un contexto donde las artes muchas veces se ven como algo prescindible.​

La historia entre Motorama y México tampoco comenzó con sus presentaciones en grandes recintos. La propia agrupación ha reconocido que el público mexicano descubrió su música desde los años de MySpace, mucho antes de que el post-punk ruso alcanzara la popularidad internacional que tiene actualmente. Para Vladislav Parshin, vocalista y compositor de la banda, esa conexión continúa siendo difícil de explicar, aunque reconoce una afinidad particular entre las emociones presentes en la música rusa y las que encuentra en México.

Esa relación tomó una nueva dimensión durante sus presentaciones de 2024. Motorama agotó dos fechas consecutivas en el Teatro Metropólitan y presentó un repertorio que recorría distintas etapas de su discografía, desde “Alps” y “Wind in Her Hair” hasta canciones de Sleep, and I Will Sing, su álbum publicado en 2023.

Ahora la banda vuelve a Ciudad de México para trasladar esa historia a uno de los escenarios más importantes del país. El próximo 1 de octubre, Motorama se presentará en el Auditorio Nacional, en una fecha que marca su llegada al recinto y que, de acuerdo con la producción, será su única presentación en Latinoamérica durante 2026.

El salto de escala resulta particularmente interesante para una agrupación que durante años desarrolló su audiencia lejos de las fórmulas habituales del circuito comercial. Su música tampoco depende de grandes cambios de dirección: Motorama ha construido una identidad reconocible a partir de bajos constantes, guitarras cristalinas, sintetizadores y una voz deliberadamente contenida.

Esa aparente sencillez es parte de su atractivo. Canciones como “Heavy Wave”, “Wind in Her Hair”, “Alps” y “Ghost” funcionan a partir de atmósferas precisas y melodías que parecen avanzar con una calma permanente, incluso cuando sus bajos y baterías mantienen el pulso característico del post-punk. “Heavy Wave”, de hecho, continúa entre las canciones más escuchadas de la agrupación en plataformas digitales.

En Sleep, and I Will Sing, Motorama llevó esa fórmula hacia un terreno más contemplativo. El álbum, publicado en mayo de 2023, reúne ocho canciones y conserva las estructuras minimalistas de la banda, aunque incorpora momentos más luminosos y arreglos que se alejan de la oscuridad más rígida de sus primeros trabajos.

En vivo, sin embargo, esas canciones adquieren otra dimensión. Parshin explicó recientemente que los temas de Sleep, and I Will Sing pueden sonar más suaves en el disco, pero que la banda los interpreta con mayor velocidad y fuerza durante sus presentaciones.

Por eso, el concierto del Auditorio Nacional también funcionará como una oportunidad para observar cómo una banda que comenzó construyendo su identidad dentro del circuito independiente puede ocupar un escenario de esta escala sin abandonar aquello que la hizo reconocible.

Motorama llegará a México el 1 de octubre de 2026 a las 21:00 horas. Los boletos se encuentran disponibles para el Auditorio Nacional y los precios publicados van de los 650 a los 1,350 pesos, dependiendo de la zona.

El director italiano, responsable de "Call Me by Your Name" y "Challengers", trabaja aquí sobre un guion de Simon Rich que no se limita a los cinco días del motín. La trama también retrocede hasta 2003 para seguir al científico Ilya Sutskever desde sus años de estudiante bajo la tutela de Geoffrey Hinton en la Universidad de Toronto, pasando por su etapa en Google, hasta el momento en que su camino se cruza con el de Altman.

Andrew Garfield encabeza el elenco como Sam Altman. Lo acompañan Yura Borisov, revelado en "Anora", en el papel de Ilya Sutskever; Monica Barbaro como la exdirectora de tecnología Mira Murati; Mark Rylance como Geoffrey Hinton; Cooper Hoffman como el cofundador Greg Brockman; e Ike Barinholtz en la piel de Elon Musk. El reparto se completa con Cooper Koch, Jason Schwartzman y Chris O'Dowd.

El primer tráiler, publicado esta semana por la distribuidora Neon, muestra a Garfield recorriendo unas instalaciones que evocan directamente las oficinas de OpenAI. En una de las escenas, su personaje asegura frente a cámara: "Abrimos juntos la caja de Pandora. El futuro es inevitable." Otro fragmento incluye un cuarto futurista con armas resguardadas detrás de un cristal azulado, una imagen que anticipa el tono más sombrío que Guadagnino le dio al proyecto.

"Artificial" nació como una producción de Amazon MGM Studios. En junio de este año, el estudio retiró abruptamente su respaldo a la película, poco después de que Amazon anunciara una alianza de 50 mil millones de dólares con OpenAI. La compañía nunca vinculó públicamente ambas decisiones, pero la coincidencia bastó para que la industria interpretara el retiro como un gesto de incomodidad ante un filme crítico con la empresa que ahora era su socia comercial.

Neon adquirió los derechos globales y rescató el proyecto. A la salida de Amazon se sumaron reportes sobre sobrecostos, regrabaciones extensas y un tono final más oscuro que el planeado originalmente.

"Artificial" tendrá su estreno mundial el 5 de octubre en el Festival de Cine de Nueva York, dentro de su selección oficial. Neon la llevará después a un estreno limitado en cines el día de Navidad, con expansión en enero de 2027, calendario diseñado para que la cinta califique en la próxima entrega de los Óscar.

También en Pijama Surf: 

El largometraje dirigido por Dave Green usa el humor físico característico de los Looney Tunes para hacer un cuestionamiento más profundo; porque, más allá de una reseña simplona hecha con ChatGPT y datos superficiales, Coyote vs. Acme es una película de animación híbrida que nos habla del consumo, la meritocracia, el acceso a la justicia, la ética de la tecnología y el progreso, en una comedia que, a simple vista, parece sólo de dibujitos.

Hay un aforismo que dice: «Enséñale a un hombre a pescar y no volverá a tener hambre». Esta frase descontextualizada se dice a la ligera como si sólo se tratase de conocimientos, herramientas y esfuerzo; porque, si fuera así, Wile E. Coyote ya hubiera atrapado al Correcaminos desde hace muchísimo tiempo.

El frustrado cazador del desierto es creativo, perseverante, sabe leer y escribir, tiene iniciativa y acceso a la tecnología ACME y, sobre todo: ¡TIENE HAMBRE! Pero ninguno de sus planes y artefactos funciona; porque, en un sistema donde la tecnología está mediada por intereses económicos, tener conocimientos y echarle ganas no es suficiente para satisfacer una necesidad básica como es alimentarse.

ACME convierte esa necesidad en una cadena de consumo e instrumentalización: el Coyote necesita comer, así que compra la posibilidad de conseguir comida con los productos de ACME; cuando el producto falla, aparece otro que promete resolver el problema, y así ha sido desde 1949. Mientras el Correcaminos siga fuera de su alcance, el mercado siempre puede venderle otra oportunidad con un producto inservible.

En su libro Desarrollo y libertad (Development as Freedom), el economista Amartya Sen afirma que poseer un recurso no significa necesariamente tener la libertad efectiva para utilizarlo y alcanzar aquello que necesitamos; todo está limitado por un contexto económico, social, político y cultural. Tal es el caso del Coyote, caricatura de un animal mudo, reducido a consumidor de una corporación monopólica que le promete satisfacer su hambre.

La demanda de Wile E. Coyote contra la corporación ACME no empieza como una cruzada por los derechos del consumidor. El Coyote quiere utilizar el juicio como una trampa para atrapar al Correcaminos cuando testifique en el estrado; incluso en este súper elaborado plan, el deseo original de comer permanece.

Para conseguirlo necesita a Kevin Avery (Will Forte), un abogado con un despacho en bancarrota y una carrera reducida a conciliar pequeñas disputas de caricaturas con ACME, que resuelve mediante sobornos económicos. También le acompaña su sobrina Paige (Lana Condor), una abogada recién egresada de Oxford, con el ímpetu y la motivación ética por la justicia característica de la juventud idealista, quien impulsa a su tío a tomar el caso y constantemente lo motiva a mirarlo desde otra perspectiva.

A lo largo de la película, ambos abogados van descubriendo, pista a pista, que ACME ha cometido un crimen más grande que vender productos defectuosos: utilizar a las caricaturas para probar sus productos nuevos, porque, contrario a los humanos, ellos no mueren. Pueden explotar, caer de un acantilado, ser aplastados por una roca, recibir un escopetazo y volver a seguir vivos.

¿Sufren? Sí, pero no se quejan. Su sufrimiento es entretenimiento y, si se atreven a demandar, nada que un buen “acuerdo económico” no pueda arreglar o, en su defecto, encerrarlos en el manicomio.

Así, el acceso a la justicia —igual que la tecnología— está mediado por diferentes capitales a los que no todos tienen acceso. Por eso el Coyote necesita del abogado Kevin Avery, quien, a su vez, está superado por un equipo de litigantes que tiene todas las facilidades para ganar el juicio; como afirma Pierre Bourdieu en su ensayo La Fuerza del derecho:

«El contenido práctico de la ley que se revela en el veredicto es el resultado de una lucha simbólica entre profesionales dotados de competencias desiguales. Esta distancia entre la visión profana del justiciable y la visión especializada del experto es constitutiva de un monopolio.»

Es decir, el acceso a la justicia no depende únicamente de tener razón, sino de contar con los recursos necesarios para hacer que esa razón sea reconocida dentro del campo jurídico; ahí está la ventaja de ACME: no sólo tiene dinero para fabricar productos y contratar abogados, también tiene los recursos para disputar el significado mismo de lo ocurrido, culpando a la víctima manipulando al jurado, juez y fiscales, ¿no te suena familiar?

Por eso Kevin no funciona únicamente como “la voz del Coyote”: es un intermediario que convierte su experiencia personal en una acción colectiva, genuina y legítima de unas necesidades que antes no entendía; porque al igual que ACME utilizaba el sufrimiento de las caricaturas para sus fines personales. El abogado cambia su perspectiva cuando conoce el sentir del Coyote, se atreve a vincularse con la situación y ser empático con su causa; quizá desde ahí venga esa empatía que nos falta.

Parafraseando a Karl Marx, el fetichismo de la mercancía ocurre cuando las relaciones sociales detrás de un producto parecen desaparecer y sólo vemos el objeto terminado, lo que permite ocultar las condiciones de explotación laboral de quienes lo produjeron.

Es como cuando te compras un iPhone, enajenándote de que, lo más probable, es que su extracción de materia prima y fabricación impliquen condiciones laborales infrahumanas, para poder decir: «Me siento bien chingón porque hice una fila de 12 horas afuera de una Apple Store».

Esto es de lo que el Gallo Claudio habla en su discurso en el juicio: la lógica del dolor como parte vital para el progreso, un “pequeño” sacrificio que las grandes corporaciones están dispuestas a pagar en complicidad con las personas que consumimos sus productos. Todos somos como las caricaturas: consumidores y sujetos de experimentación; la diferencia está en que nosotros sí morimos.

La base de determinados modelos de progreso puede ser la violencia y la desigualdad, el silencio de los consumidores y el alarde de las corporaciones; el monopolio de la justicia puede convertirse también en un monopolio de la tecnología, mientras a la mayoría sólo nos toca aguantar.

El Proyecto Sísifo tiene una estrecha relación con la perspectiva existencialista de Albert Camus: la búsqueda de un sentido racional a una vida absurda en la que cada día hay que cargar una pesada roca hasta la cima. ACME resignifica esta condición y la convierte en un método de producción; lo que para Camus era una condición de la existencia, para la corporación es una oportunidad de negocio.

Es necio pensar que la tecnología es neutral, que las necesidades básicas como el hambre no son instrumentalizadas para generar consumo; es ingenuo pensar que los monopolios corporativos nos ofrecen libertad simplemente porque su catálogo es variado. Quizá por eso el final de Coyote vs. Acme es tan ambiguo desde una perspectiva racional: a pesar de tener otras opciones, el Coyote elige volver a la persecución del Correcaminos, porque la libertad no está en conseguir lo que queremos, sino en descubrir cuánto de ese deseo nos pertenece y cuánto nos fue impuesto.

Marc Almond, una de las voces más reconocibles del pop electrónico británico, vuelve a los escenarios mexicanos después de más de dos décadas de ausencia. El cantante se presentará el próximo 25 de noviembre en Mesones 72, en el Centro Histórico de la Ciudad de México, como parte de su Latin American Tour 2026. El concierto, presentado por Difusión Cultural Xibalba y Resistencia Booking, marca el regreso de Almond al país 23 años después de su última presentación documentada en la capital, entonces en el ya desaparecido Salón 21.

Hablar de Marc Almond implica hablar de una de las figuras que transformaron la música electrónica británica a inicios de los años ochenta. Junto al músico y productor David Ball, Almond fundó Soft Cell en 1979 y construyó una propuesta que sacó a los sintetizadores del terreno experimental para fusionarlos con el pop, el soul, el cabaret y una sensibilidad urbana muy particular.

El impacto del dúo llegó con Non-Stop Erotic Cabaret (1981), álbum coproducido por Daniel Miller, fundador de Mute Records y descubridor de Depeche Mode, que se convirtió en una de las obras emblemáticas de su generación. De ese disco surgieron canciones como "Tainted Love", su mayor éxito internacional, junto con "Bedsitter" y "Say Hello, Wave Goodbye". El repertorio de Soft Cell sumó después piezas como "Torch", "Where the Heart Is" y "What!", que terminaron por consolidar al dúo como uno de los nombres esenciales de la electrónica británica.

La presentación en México llega también en un momento particular para la historia de Soft Cell. En octubre de 2025 murió David Ball, cofundador y compañero artístico de Almond durante los años del dúo. Su muerte cerró uno de los capítulos fundamentales del synth-pop británico, aunque dejó un legado que sigue presente en las canciones que ambos construyeron. Almond continúa llevando ese repertorio a los escenarios y lo combina con su obra solista; sus presentaciones de 2026 reúnen material de ambas etapas de su carrera y trazan un recorrido por más de cuatro décadas de trayectoria vigente.

La sede elegida para el concierto añade un elemento excepcional a la noche. Mesones 72 se ubica en pleno Centro Histórico de la Ciudad de México, dentro de un inmueble cuya historia se remonta al siglo XVIII.

La agenda en la capital tendrá como uno de sus principales encuentros una orange carpet el 25 de septiembre en Parque Toreo, donde Iñárritu y Cruise convivirán con fans y medios de comunicación para presentar la película antes de su estreno.

La visita adquiere especial relevancia por la combinación de nombres detrás de DIGGER. La producción reúne por primera vez a Iñárritu y Cruise en una película, además del regreso de Emmanuel Lubezki como director de fotografía. El tres veces ganador del Oscar ya había trabajado con el cineasta mexicano en Birdman y El renacido.

Cruise protagoniza la historia junto a Riz Ahmed, John Goodman, Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg y Jesse Plemons. La película plantea la historia de un hombre considerado el más poderoso del mundo que emprende una misión para demostrar que es el salvador de la humanidad, mientras enfrenta las consecuencias del desastre que él mismo ha provocado.

Para Iñárritu, DIGGER representa su regreso a la dirección de una película en inglés después de El renacido, cinta que le valió su segundo Oscar consecutivo como Mejor Director.

El cineasta escribió el guion junto con Alexander Dinelaris, Nicolás Giacobone y Sabina Berman, a partir de una historia desarrollada por Berman, Iñárritu y Jez Butterworth.

La producción está a cargo de Iñárritu, Mary Parent, Tom Cruise y Michael Sharp, con Joshua Grode como productor ejecutivo. Además, la película fue filmada íntegramente en VistaVision, formato que forma parte de la propuesta visual de esta nueva producción.

Con la visita de sus protagonistas y director a finales de septiembre, México se convertirá en una de las últimas escalas de la gira internacional de DIGGER antes de su llegada a las salas. Warner Bros. Pictures tiene previsto su estreno en México para el 1 de octubre de 2026.

El compositor de “Efectos vocales” llega a México durante septiembre con una gira que contempla presentaciones en Puebla, Ciudad de México, Toluca, Guadalajara, Monterrey y Querétaro.

El nuevo álbum llegó después de un periodo de siete años desde Almanauta. Durante ese tiempo, Nach tomó distancia de la dinámica de publicar constantemente y comenzó a cuestionar el lugar que ocupaba dentro de la música. El resultado de esa pausa fue Destino, un trabajo que explora nuevos tempos, estructuras y sonoridades sin abandonar la escritura como centro de su propuesta.

Más que intentar reproducir al Nach de sus primeros años, el artista decidió permitir que su experiencia modificara también su manera de crear.

“Este Nach es normal, ¿no? Ya no me conformo con cualquier cosa. Soy un poquito más exigente con lo que recibo, con lo que quiero ver, con lo que quiero leer, con lo que quiero escuchar”, explicó durante una entrevista.

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Esa evolución también aparece en la manera en que Nach consume arte. El músico reconoce que actualmente escucha rap de manera mucho más selectiva y que buena parte de su tiempo está dedicado a otros géneros musicales y distintas formas de narrar.

La misma transformación aparece en sus lecturas. Mientras que en otras etapas de su vida se acercaba con mayor frecuencia a la novela, ahora encuentra mayor interés en la filosofía, el ensayo y la divulgación.

Entre sus referencias actuales menciona al filósofo Sam Harris, cuya obra forma parte de una búsqueda intelectual que también se refleja en su manera de escribir y de entender la música.

Sin embargo, Nach no plantea esta evolución como una jerarquía entre distintas expresiones artísticas. Para él, una película comercial puede convivir con una obra cinematográfica más compleja, de la misma manera que una canción sencilla puede tener el mismo valor emocional que una pieza que exige mayor atención.

“Hay cosas que son más obvias o mucho más sencillas, que también tienen mucho valor, y cosas con un sentido abstracto y mucho más difícil de acceder a ello, reflexionar junto a ello, que también tienen mucho valor”, afirmó.

Esa apertura forma parte del espíritu de Destino. El disco representa una nueva etapa para un artista que comenzó su carrera profesional a finales de los años noventa y que ha construido buena parte de su identidad alrededor de la palabra, la introspección y la observación de su entorno.

La distancia entre sus primeros trabajos y el Nach actual también se vuelve evidente en el escenario. El artista asegura que ya no interpreta sus canciones desde el mismo lugar que cuando las escribió.

“Fue una parte de aquel Nach que era más joven y que se une a mí en este momento y con el que dialogo en el directo”, explicó al hablar de las canciones que forman parte de su trayectoria.

Por eso, aunque Destino será el centro de esta nueva etapa, el repertorio de la gira también permitirá recorrer distintos momentos de su carrera.

Para las fechas mexicanas, además, Nach prepara algunos elementos especiales relacionados con sus clásicos, aunque el eje del espectáculo estará puesto en esta nueva etapa artística.

Y hablando de destinos, la relación de Nach con el público mexicano forma parte importante de su recorrido. En septiembre vuelve al país para presentar se nuevo material y reencontrarse con seguidores que han acompañado su música durante distintas generaciones.

En Ciudad de México, el concierto será el 11 de septiembre en el Pepsi Center. La gira también pasará por Puebla el 9 de septiembre, Toluca el 13, Guadalajara el 17, Monterrey el 19 y Querétaro el 23.

Más adelante, Nach contempla otra celebración: en 2030 se cumplirán 30 años desde la publicación de su primer disco y el rapero ya piensa en una gira específica para recorrer ese camino de manera integral.

Pero antes de mirar hacia esa celebración, Nach vuelve al presente con Destino: un disco nacido de una pausa, de la necesidad de explorar nuevas posibilidades y de la certeza de que una carrera de tres décadas también implica cambiar la forma de mirar, escuchar y escribir.

“Sostener la mirada” es el lema de la novena edición del FECIMX, que se realizará del 2 al 6 de septiembre en ocho sedes de la capital, con una programación que reúne cine independiente, animación, propuestas experimentales, clásicos mexicanos y películas de realizadores emergentes.

Para Adán Ruiz, productor del festival, la frase responde directamente a la manera en que actualmente consumimos imágenes.

“Buscamos apostar por mantenernos con las imágenes en un momento en donde justamente esto del scroll infinito, cuando estamos en las redes o la inteligencia artificial están haciendo que las imágenes, que las películas de pronto existan en demasía y que se les preste muy poca atención”, explica.

La reflexión también atraviesa la selección de películas. Aunque el cine independiente es el punto de partida, el festival busca obras con intereses contemporáneos, exploraciones estéticas distintas a las narrativas hegemónicas y películas que planteen preguntas que van más allá de lo social.

“Creíamos que existían películas con este tipo de búsquedas que de pronto no se programaban en otros festivales”, señala Ruiz sobre el origen del encuentro.

La inteligencia artificial ya forma parte de los procesos creativos y el cine no es ajeno a esa transformación. El FECIMX recibió algunas películas realizadas con estas herramientas, aunque ninguna forma parte de la selección final de esta edición.

Para Ruiz, el problema actual está en que muchas de estas producciones todavía carecen de una identidad propia.

“Todas se ven muy iguales y realmente se están generando más en una suerte de experimentación a partir de estas herramientas que con una propuesta, digamos, estética, narrativa o con un diferencial que las haga sobresalir”.

Su postura tampoco implica rechazar la tecnología. Como productor, reconoce que la inteligencia artificial ya se utiliza en distintos procesos de trabajo y considera que puede convertirse en una herramienta útil para la creación cinematográfica.

“Es inevitable, creo que eso ya ha alcanzado pues todas las industrias creativas”, afirma.

El festival tampoco descarta incluir películas realizadas con IA en futuras ediciones. Para Ruiz, todavía falta que aparezcan propuestas capaces de ir más allá del efecto tecnológico.

“Estas herramientas también darán paso a propuestas que resulten sumamente interesantes y sumamente novedosas más allá de lo que puedes generar con un prompt”.

Una de las apuestas del FECIMX consiste en hacer dialogar películas de diferentes épocas. Este año, el programa de cine mexicano revisitado incluye Llámenme Mike, de Alfredo Gurrola, y Tintorera, de René Cardona Jr. La intención es observar desde el presente películas que pueden adquirir nuevos significados con el paso del tiempo.

“Se podrá revisitar y habrá mucho material para reflexionar con varias décadas de distancia [...] sobre el papel que siguen jugando estas representaciones, tanto de la mujer como de las masculinidades”.

Esa conversación también aparece en Reencuadres, programa dedicado a cuestionar las representaciones hegemónicas de la masculinidad en el cine.

La programación incorpora además un espacio dedicado a la animación, una sección que comenzó hace dos años y que ha crecido dentro del festival.

“Creemos no solamente que es para públicos infantiles y que como propuesta estética puede resultar también bastante atractiva para muchos públicos”, dice Ruiz.

El programa reúne principalmente cortometrajes mexicanos, algunos provenientes de distintos estados del país y de escuelas de cine, junto con una propuesta internacional.

Las ocho sedes de esta edición buscan ampliar el encuentro con públicos distintos. Cine Tonalá y Cinemanía representan espacios fundamentales para la exhibición independiente, mientras recintos como el Centro Cultural del México Contemporáneo, el Centro de Cultura Digital y la Sala Lafragua cuentan con una tradición de cineclubes y formación de públicos.

La alianza con PROCINECDMX también permite que algunas obras lleguen a zonas periféricas de la Ciudad de México y el Estado de México mediante el programa Cine en tu Ciudad.

“Es un gran apoyo el de Procine porque precisamente nos permite llegar [...] a públicos que se encuentran más allá del primer cuadro o de la zona céntrica de la Ciudad de México”, explica.

Pero la construcción de comunidad para el FECIMX también ocurre detrás de la pantalla. Durante los últimos años, el festival ha fortalecido su trabajo de formación mediante una clínica de desarrollo para largometrajes impulsada por el cineasta Carlos Lenin. Ruiz destaca que algunos proyectos que participaron en ella ya llegaron a etapas de filmación o postproducción y han obtenido otros reconocimientos.

“Creemos que es un festival, de cierta forma, una plataforma o trampolín para el cine emergente, para el cine independiente”.

Para esta novena edición, sus recomendaciones incluyen Llámenme Mike, Tintorera, el performance cinematográfico Penumbra, la cinta de clausura Los amantes se despiden con la mirada y los programas de pueblos originarios y cortometraje mexicano. Todas las funciones son gratuitas, salvo la clausura, y requieren reservación. La programación completa puede consultarse en festivalcineindependiente.com.

En una época donde producir una imagen es cada vez más sencillo, el FECIMX plantea que quizá el verdadero desafío está en conseguir que alguien se detenga frente a ella el tiempo suficiente para mirarla.

La película llegará en exclusiva a las salas de Cinemex justo en el décimo aniversario luctuoso del “Divo de Juárez”. La expectativa por esta nueva edición ya se refleja en la taquilla, pues a un mes del inicio de la preventa, varias funciones y horarios han agotado localidades, lo que llevó a ampliar la cantidad de fechas y salas disponibles.

El proyecto está encabezado por la cineasta María José Cuevas, en colaboración con MEZCLA y Sony Music Vision México, quienes realizaron un trabajo de recuperación sobre los archivos personales del artista para encontrar imágenes que hasta ahora permanecían fuera de circulación.

Aunque el punto de partida es la histórica presentación que Juan Gabriel ofreció en el Palacio de Bellas Artes en 1990, esta versión busca ofrecer una experiencia diferente. El montaje incorpora imágenes inéditas de los ensayos previos al concierto, con nuevos acercamientos al artista que permiten observar con mayor detalle la preparación de aquella presentación.

Además, la edición presenta un montaje más corto que el concierto original, pensado específicamente para su exhibición en salas de cine. A esto se suma una característica que permitirá al público seguir las canciones con mayor facilidad: las proyecciones contarán con subtítulos en las letras de los temas.   La restauración de la imagen también forma parte central de esta nueva versión, con un tratamiento que busca recuperar la calidad visual del material y acercar al público a una presentación que se convirtió en uno de los momentos más recordados de la trayectoria de Alberto Aguilera Valadez.

La recuperación de estos materiales permite conocer otra faceta de Juan Gabriel. Las imágenes de los ensayos muestran momentos previos a su llegada al escenario de Bellas Artes y permiten observar parte del proceso detrás de una presentación que posteriormente se convirtió en un registro fundamental de su carrera.

El proyecto adquiere un significado especial a diez años de la muerte del cantante. Su vigencia también queda reflejada en las plataformas digitales: actualmente suma más de 14.2 millones de oyentes mensuales en Spotify, mientras que el interés generado por su regreso a las salas de cine demuestra la permanencia de su música entre distintas generaciones.   El antecedente inmediato fue Mis 40 en Bellas Artes, cuyas proyecciones durante 2025 reunieron alrededor de 242 mil asistentes, convirtiéndose en uno de los contenidos alternativos más taquilleros de aquel año.

Juan Gabriel: Mi primer Bellas Artes llegará a salas de Cinemex a partir del 28 de agosto, con funciones que buscan llevar la presentación del Divo de Juárez a una experiencia cinematográfica.   La exhibición contará con sistemas de proyección y sonido inmersivo Dolby Atmos, además de funciones en salas Cinemex Platino y la oferta gastronómica de Cinemex Market.   El estreno tuvo una primera celebración el 25 de agosto en Cinemex Antara, donde María José Cuevas presentó el proyecto acompañada por familiares y amigos de Juan Gabriel. La premiere también incluyó vestuarios originales del cantante y fotografías pertenecientes a su archivo personal.   Tres décadas después de aquella presentación en Bellas Artes y diez años después de su partida, Juan Gabriel regresará al escenario que ayudó a consolidar su lugar en la música mexicana, esta vez desde una nueva edición que combina restauración, material inédito y una mirada diferente a uno de sus conciertos más emblemáticos.