Lo interesante de la historia es que no plantea el amor como un sentimiento completamente idealizado. Al contrario, muestra sus contradicciones: la obsesión, la espera, la incertidumbre y el miedo a perder aquello que nos define. El viaje del protagonista no es solamente físico; es una búsqueda interna donde debe enfrentarse a tentaciones, hechizos y obstáculos que ponen a prueba sus verdaderas intenciones.

Visualmente, el cortometraje apuesta por una atmósfera de cuento oscuro, donde la estética gótica se mezcla con elementos románticos y fantásticos. La figura de la Luna, los paisajes nocturnos y la presencia del vampiro construyen un mundo que parece sacado de una leyenda antigua, pero con emociones que siguen siendo completamente actuales.

Uno de los mayores aciertos de Once in a Full Moon es la forma en la que utiliza criaturas fantásticas para hablar de temas humanos. La figura del vampiro, normalmente asociada con la oscuridad y la inmortalidad, aquí se convierte en un personaje vulnerable que debe elegir entre conservar lo que es o arriesgarlo todo por una conexión emocional.

El cortometraje también invita a cuestionar una idea recurrente dentro de las historias románticas: ¿hasta dónde estamos dispuestos a llegar por amor? La decisión del Pequeño Vampiro no es solamente una prueba de entrega, sino también una reflexión sobre la identidad y sobre aquello que sacrificamos cuando buscamos pertenecer a alguien más.

Once in a Full Moon funciona como una pequeña fábula sobre los encuentros imposibles y esos amores que, aunque duren poco tiempo, pueden transformar completamente nuestra existencia. Una historia que utiliza la fantasía, la oscuridad y la belleza de la noche para hablar de una emoción universal: el deseo de estar cerca de aquello que sentimos que nos completa.

Aquella propuesta funcionó durante un tiempo. La sorpresa se convirtió en expectativa y la expectativa terminó por desgastarse. Con el anuncio de una nueva película del arácnido, una parte importante del público comenzó a pedir algo distinto: una historia más cercana a las calles de Nueva York, sin amenazas cósmicas, sin viajes entre universos y, sobre todo, centrada únicamente en el Peter Parker interpretado por Tom Holland.

Ese deseo también respondía al mayor problema de la versión del personaje dentro del Universo Cinematográfico de Marvel. Desde Spider-Man: Homecoming (2017), Peter Parker siempre necesitó una figura que guiara sus decisiones. Primero apareció Tony Stark, después Nick Fury y el Misterio de Jake Gyllenhaal; finalmente, Doctor Strange. A lo largo de la trilogía dirigida por Jon Watts, el héroe parecía incapaz de crecer por cuenta propia. Repetía los mismos errores, recibía una nueva lección y volvía a recordar que un gran poder implica una gran responsabilidad.

Con Spider-Man: Brand New Day, Destin Daniel Cretton toma las riendas del personaje y todo apunta al inicio de una nueva trilogía. La intención resulta evidente desde los primeros minutos: presentar a un Peter Parker más experimentado, seguro de sí mismo y consciente del peso que carga sobre los hombros.

¿Lo consigue? En gran medida, sí.

Spider-Man: Brand New Day es, hasta ahora, la mejor película del Spider-Man del Universo cinematográfico de Marvel (UCM, o MCU, por sus siglas en inglés). Cretton comprende en una sola entrega aspectos que Jon Watts nunca terminó de dominar en tres películas. El director aprovecha la agilidad del personaje, construye secuencias de acción que transmiten velocidad y vértigo, recupera los espectaculares balanceos entre edificios y permite que el carisma de Tom Holland brille con mayor naturalidad. Por primera vez, este Spider-Man se siente como un héroe que realmente habita Nueva York.

Basta observar el material promocional de la cinta para saber que en ésta aparecen Punisher, Hulk, Bruce Banner, Yelena Belova y el misterioso personaje interpretado por Sadie Sink. Sobre este último conviene evitar spoilers, aunque resulta evidente que las teorías más populares de internet terminaron por acertar desde el primer día, convirtiendo el supuesto misterio en un secreto a voces.

Con todo, la película vuelve a tratar a Peter Parker como un héroe que necesita que alguien le indique cuál es el siguiente paso. La participación de Yelena Belova se extiende más de lo necesario y funciona principalmente para recordar la existencia de los nuevos Vengadores. Bruce Banner cumple una función que apenas rebasa lo visto en los avances. Hulk protagoniza una de las grandes secuencias de acción, mientras que Punisher aporta tensión durante el tercer acto, aunque su presencia tiene poco peso dentro de la narrativa.

Resulta inevitable pensar que varios de estos personajes podrían sustituirse por figuras pertenecientes al propio universo del arácnido. Bruce Banner, por ejemplo, podría intercambiarse por Curt Connors sin afectar la estructura del relato e incluso fortalecer la conexión con la mitología de Spider-Man. Punisher, quien ha encontrado un espacio sólido junto al Daredevil de Charlie Cox, aparece aquí reducido a una versión mucho más contenida, casi como si su presencia respondiera únicamente a una obligación dentro del calendario del estudio.

Otro aspecto que se convierte en un obstáculo para la cinta es el antagonista. Spider-Man: Brand New Day nunca construye un verdadero villano para Peter Parker. La amenaza principal parece diseñada para regresar en futuras producciones del UCM antes que para sostener el conflicto de esta película. El resultado es una historia que intenta desarrollar demasiadas líneas narrativas al mismo tiempo y termina sacrificando la identidad del héroe.

Finalmente, la película conserva uno de los problemas que Marvel Studios parece incapaz de abandonar. Cada aventura del amistoso vecino termina convertida en un recordatorio constante de que pertenece a un universo mucho más grande. Esa necesidad transforma varios momentos en un desfile de personajes cuya presencia aporta poco a la historia principal y cuya función parece reducirse al reconocimiento inmediato del espectador.

Y es que el problema no radica en que estos personajes aparezcan, sino en cómo y por qué aparecen. Marvel continúa utilizando a Spider-Man como una plataforma para impulsar futuras películas, antes que como el protagonista absoluto de su propia historia.

Paradójicamente, esta sigue siendo la entrega más sólida del personaje dentro del UCM. Destin Daniel Cretton comprende qué hace especial a Spider-Man y entrega las mejores escenas de acción de la saga de Tom Holland. También recupera la sensación de velocidad, improvisación y riesgo que siempre ha distinguido al personaje en los cómics.

Ahora que Peter Parker finalmente encontró el tono que tantos seguidores esperaban, Marvel tiene un reto mucho más importante por delante: permitirle construir su propio mundo, enfrentarse a sus propios villanos y demostrar que Spider-Man puede sostener una gran película sin depender de que otro héroe llegue a recordarnos que existe un universo compartido.

La elección de la cinta no es casual: Lang situó su historia en el año 2026, el mismo en que hoy se proyecta, y su trama dialoga directamente con el concepto curatorial de esta edición, Futuros Desobedientes, dedicada a imaginar horizontes distintos a los que ofrecen los discursos oficiales sobre fronteras, guerras y fracturas sociales.

​

Estrenada en 1927 por la productora alemana UFA, Metrópolis fue en su momento una de las películas más costosas jamás filmadas, con un rodaje de más de un año y un despliegue de efectos visuales sin precedentes para la época, entre ellos la técnica conocida como "proceso Schüfftan", que permitía combinar miniaturas y actores reales en una misma toma mediante espejos. El sobrecosto de la producción fue tan severo que contribuyó a la crisis financiera de UFA, que meses después tuvo que aceptar capital estadounidense para sobrevivir.

El guion, escrito por Thea von Harbou —esposa de Lang en ese momento— y basado en una novela de su propia autoría, plantea una ciudad futurista dividida entre una élite que vive en la superficie y una masa de trabajadores que sostiene, desde las profundidades, el funcionamiento de la maquinaria urbana. Joh Fredersen controla ese sistema desde la Nueva Torre de Babel, hasta que su hijo Freder desciende a la ciudad subterránea y conoce a María, cuya influencia sobre los obreros lleva a Fredersen a encargar al inventor Rotwang la creación de un robot con la apariencia de ella, capaz de manipular a la clase trabajadora.

La actriz Brigitte Helm, quien interpretó tanto a María como a su doble robótico, se convirtió en una de las imágenes más reconocibles del cine silente, y el diseño de ese autómata metálico influiría décadas más tarde en la creación de personajes como C-3PO de Star Wars. El propio Ridley Scott ha reconocido la huella visual de Metrópolis en la estética urbana de Blade Runner, y su ciudad vertical de rascacielos y desigualdad sigue citándose como referencia obligada en el diseño de distopías cinematográficas.

Poco después de su estreno, Metrópolis fue recortada de forma drástica para su distribución internacional, y durante décadas se creyó perdida más de una cuarta parte del material original. El hallazgo, en 2008, de una copia casi completa en un archivo de Buenos Aires —aunque severamente dañada— permitió reconstruir buena parte del montaje original en 2010, en un trabajo conjunto de la Fundación Friedrich-Wilhelm-Murnau, la Deutsche Kinemathek y el Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken. Esa es la versión restaurada que se proyectará en el festival.

La función contará con una composición original interpretada en vivo por 2Contrabajos, ensamble integrado por Quique Rangel (fundador de Café Tacvba) y Mike Sandoval, junto con Denise Gutiérrez, voz de Hello Seahorse! y MexFutura.

El 25º Festival de Cine Alemán tendrá lugar del 24 de septiembre al 3 de octubre, con programación completa aún por anunciarse.

Cuando una de ellas lograba una cerveza de buena calidad, la llevaba a vender al mercado. Con este ingreso extra, las mujeres conocidas como Alewives podía marcar la diferencia para cualquier familia, pero se volvía todavía más importante para quienes eran viudas.

La imagen que vive en el imaginario social de las brujas suele cumplir con cinco características: el sombrero puntiagudo, vestimenta negra, una escoba, un caldero y un gato como acompañante. Facherita. 

Pero lo cierto es que antes de que se les acusara de brujas, las mujeres que vestían de esta forma hacían otro tipo de magia, fabricaban las bebidas espirituosas que nos han alegrado en más de una ocasión.  

La razón de tal fachada cervecera era por lo siguiente: el mercado –donde se vendía tal brebaje– exigía distinguirse entre el bullicio, y las cerveceras llevaban sobre sus cabezas llevaban sombreros puntiagudos, pensados para que los clientes las ubicaran de lejos entre la multitud. 

Cargaban también una marmita o pocillo para llevar la cerveza. La escoba además de ser una aliada de la limpieza era una mensajera que informaba a los parroquianos cuando la cerveza estaba lista, pues la asomaban por alguna abertura de la fachada como señal para todo el vecindario.

Por último, los gatos. Desde los primeros tiempos de la chela, las ratas y ratones fueron los indeseados número uno de quienes la producían, pues devoraban el grano y propagaban enfermedades. Los gatos se convirtieron entonces en acompañantes indispensables, capaces de mantener los graneros a salvo. 

El negocio de la cerveza siempre ha sido muy próspero –desde que Gambrinus nos iluminó el camino a cambio de su corazón roto– y más en manos tan hábiles como la de las mujeres del medioevo; sin embargo como en todos lados y en todos tiempos, la ambición, la religión y el machismo le dieron una vuelta al asunto.  

A inicios del siglo XVI, con el avance de la Reforma protestante, se impusieron normas mucho más rígidas sobre el comportamiento de las mujeres, y una de ellas era mantenerse lejos del alcohol. Fue a partir de ahí que, las cerveceras empezaron a cargar con una reputación negativa y que algunos cerveceros varones vieron la oportunidad de acusar a sus competidoras de brujería. 

Dicen que el rumor tiene alas y por ello vuela con pies de pluma y en este caso, hizo lo propio. En comunidades donde la superstición tenía terreno fértil, la imagen de la bruja terminó por construirse a partir de la vestimenta que durante siglos había identificado a las productoras de cerveza.

La imprenta remató la narrativa y los cuentos populares sobre brujas comenzaron a ilustrarse con mujeres vestidas de negro, un caldero, sombrero puntiagudo, escoba y un gato. 

Al final del día –y de nuestros días– el verdadero hechizo fue convertir grano, agua y tiempo en un oficio propio, en un ingreso digno, en una forma de existir con independencia dentro de un mundo que rara vez se los permitía. Esas son las brujas que no hicieron magia, pero que durante siglos nos han hecho sentir encantados.

En lugar de ordenar la obra por fechas, Entreredes organiza la muestra a partir del concepto de la red: un hilo conductor que conecta piezas de distintos momentos de la carrera de Castro Leñero a través de sus formas, materiales y preocupaciones recurrentes. Puentes, árboles, arquitecturas y tramas reticulares aparecen una y otra vez en su trabajo, como si el artista regresara con frecuencia a un mismo vocabulario visual para transformarlo desde ángulos distintos.

Esa lógica no cronológica convierte la exposición en un ejercicio de lectura cruzada: obras separadas por más de veinte años dialogan entre sí y revelan continuidades que una muestra ordenada por décadas normalmente ocultaría.

La experimentación con el material atraviesa toda la trayectoria de Castro Leñero. En sus pinturas construye profundidad mediante capas superpuestas y veladuras; en sus esculturas, explora el volumen a través de la madera y el metal. El resultado es un cuerpo de trabajo donde la técnica cambia, pero las obsesiones formales —la trama, el entramado, la conexión entre elementos— permanecen.

Nacido en la Ciudad de México en 1951, Castro Leñero estudió Artes Visuales en la Academia de San Carlos de la UNAM y amplió su formación en la Accademia delle Belle Arti de Bolonia, Italia.

Ha expuesto desde finales de los años setenta en espacios como el Museo de Arte Moderno, el Museo del Palacio de Bellas Artes, el Museo Universitario de Ciencias y Arte y el Museo de Arte e Historia de Guanajuato, además de sedes internacionales en Berlín, Costa Rica y Ecuador. Entre sus proyectos de arte público destacan el conjunto de murales Elementos para el Sistema de Transporte Colectivo Metro y las esculturas Puntos Cardinales, instaladas en la Unidad de Posgrado de la UNAM.

Entreredes puede visitarse de martes a domingo, de 11:00 a 18:00 horas, en la Galería 526 del Seminario de Cultura Mexicana.

Uno de los momentos clave de su carrera llegó con Sexo, pudor y lágrimas, película de 1999 que se convirtió en un referente del cine mexicano de finales de los años noventa y que formó parte de una nueva etapa para la industria nacional.

Para la productora, uno de los grandes aprendizajes de su carrera es entender que hacer cine no depende únicamente de los recursos disponibles, sino de la capacidad de formar equipos sólidos.

“Hay que trabajar con lo que tenemos y aprender a construir con eso”, es una de las ideas que comparte al hablar sobre la producción cinematográfica. Para Payán, los mejores equipos se forman al lado de personas que tienen conocimientos distintos a los propios, porque el intercambio de experiencias permite crecer y aprender durante cada proyecto.

A lo largo de su carrera, ha participado en la producción de más de 20 largometrajes y documentales, consolidándose como una de las productoras más relevantes del cine mexicano actual. Su trabajo ha transitado por distintos géneros y formatos, siempre con la intención de encontrar historias capaces de conectar con diferentes públicos.

Actualmente, Payán también apuesta por la formación de nuevas generaciones de creadores. Es fundadora de una escuela de cine en Ciudad de México y próximamente ampliará su oferta académica con una carrera enfocada en actuación, buscando generar nuevos espacios de preparación para quienes quieren integrarse a la industria audiovisual. Durante su participación en el GIFF, la productora destacó la importancia de los festivales como espacios de encuentro, aprendizaje y desarrollo para nuevos talentos.

El festival, uno de los encuentros cinematográficos más importantes de México, continúa funcionando como una plataforma para impulsar cineastas emergentes y celebrar la trayectoria de figuras consolidadas. 

Para Inna Payán, producir cine también implica formar comunidades: reunir personas con diferentes perspectivas, escuchar nuevas voces y entender que detrás de cada película existe un equipo que hace posible que una historia llegue a la pantalla.

Desde sus primeros minutos, el documental deja claro que la historia de The Rocky Horror Picture Show no es solamente la de un musical extravagante lleno de canciones, maquillaje y personajes inolvidables. Es la historia de una obra que apareció en una época donde hablar abiertamente sobre sexualidad, género e identidad todavía representaba un desafío social.

El documental comienza explorando la vida de Richard O'Brien y cómo sus propias experiencias influyeron en la creación de este universo. A través de sus recuerdos, se entiende que Rocky Horror nació de una necesidad de cuestionar las normas establecidas y crear un espacio donde las personas pudieran imaginar otras formas de existir.

Uno de los grandes aciertos de Stranger Journey es mostrar que el impacto de la obra no ocurrió de manera inmediata. La película, estrenada en 1975, tuvo una recepción inicial complicada y encontró su verdadero público tiempo después, especialmente en las funciones de medianoche, donde los espectadores comenzaron a disfrazarse, participar con la proyección y convertir la experiencia cinematográfica en un ritual colectivo.  

Ese fenómeno transformó completamente la relación entre audiencia y película. Rocky Horror dejó de ser solamente una cinta para convertirse en un espacio de encuentro para personas que buscaban sentirse representadas.

Dentro de los testimonios que aparecen en el documental destaca la participación de Trixie Mattel, quien habla sobre cómo la película influyó en su propia identidad y en su camino dentro de la cultura drag. Su presencia funciona como un puente entre las generaciones que descubrieron la obra en los años setenta y aquellos que siguen encontrando inspiración en ella actualmente.

Porque uno de los elementos más importantes del legado de Rocky Horror es precisamente su capacidad de atravesar generaciones. La película ha influenciado a artistas, músicos, actores y miembros de la comunidad LGBTQIA+ que encontraron en sus personajes una invitación a explorar quiénes son sin miedo al juicio externo.

El documental también aborda cómo una obra que en su momento fue considerada provocadora terminó convirtiéndose en un referente de inclusión y expresión. En una sociedad donde los límites entre lo aceptado y lo rechazado eran mucho más marcados, Rocky Horror abrió una conversación sobre género, deseo y libertad personal.

Visualmente, Stranger Journey: The Story of Rocky Horror mantiene una estructura documental clásica, pero logra transmitir la energía de su universo gracias a sus entrevistas, material de archivo y las anécdotas del elenco y creadores. La cercanía de los testimonios hace que el espectador se sienta que está escuchando historias de una familia artística que entiende perfectamente la importancia de la obra que construyeron.

Más que una celebración nostálgica, el documental funciona como una reflexión sobre la importancia de aquellos espacios culturales que permiten a las personas sentirse libres. Rocky Horror no solo cambió la manera de hacer cine musical; También demostró que una película puede convertirse en un hogar simbólico para quienes durante años buscaron un lugar donde poder ser ellos mismos.

A más de 50 años de su creación, la pregunta sigue siendo la misma: ¿qué hace que una obra permanezca vigente? En el caso de The Rocky Horror Picture Show, la respuesta parece estar en su mensaje central: la posibilidad de imaginar una vida donde la diferencia no sea motivo de rechazo, sino una forma de expresión.

La Academia de la Grabación anunció el mes pasado cinco nuevas categorías para la próxima ceremonia, entre ellas la de Mejor Interpretación de Música Pop Asiática. El premio busca reconocer producciones de K-pop, J-pop y C-pop, pero exige que las canciones nominadas usen de forma significativa al menos un idioma asiático.

Ese requisito dejó fuera de competencia a Arirang, el más reciente álbum de la banda surcoreana debutó en el primer lugar del Billboard 200 con 641 mil unidades equivalentes en su primera semana, la cifra más alta para un grupo desde que ese conteo existe. Más del 80% de las letras del disco están escritas en inglés, lo que lo hace inelegible para la nueva categoría, pese a que fue uno de los lanzamientos más exitosos del año.

En el mensaje publicado por RM, Jin, Suga, J-Hope, Jimin, V y Jungkook, el grupo explicó su postura sin atacar directamente a la organización. Expresaron el deseo de que su música pueda ser apreciada sin importar la región o el idioma, y cerraron el texto con un agradecimiento a su comunidad de seguidores.

"Hemos decidido no presentar nuestra música para ser considerada a los Grammy este año. Esperamos que nuestra música pueda ser escuchada y apreciada por lo que es, en lugar de ser clasificada por región o idioma. Agradecemos a ARMY y a todos los que siempre nos han apoyado".

La salida de BTS se suma a una larga lista de tensiones entre artistas y la Academia de la Grabación. Frank Ocean y Drake evitaron la ceremonia de 2017 por señalamientos de discriminación racial en el proceso de votación. 

En 2020, Deborah Dugan renunció a la dirección ejecutiva de la organización después de menos de seis meses en el cargo, y calificó al evento de corrupto. The Weeknd anunció que no volvería a participar tras quedar fuera de las nominaciones un año, y Drake retiró sus propias nominaciones en 2022 al pedir que la ceremonia fuera sustituida por un formato distinto.

La decisión de BTS no es un caso aislado y no es un secreto que los Grammys han caído de la gracia de artistas y fans. En todo caso, este es el capítulo más reciente de una relación cada vez más desgastada entre los Grammy y buena parte de la industria musical.

La trama sigue a cuatro mujeres que se disputan la herencia de Don Cristóbal (Omar Fierro) tras su muerte, en una historia marcada por traiciones, secretos y crímenes. El elenco está encabezado por Itatí Cantoral como Elena, Gabriela Spanic como Catalina, Ela Velden como Renata y Mariana Torres como Beatriz, acompañadas por Carlos Said, Mauricio Abad, Emiré Arellano, Lalo Palacios y Luis Fernando Peña. La dirección estuvo a cargo de Salvador Espinosa, con Alexis Zabé en la fotografía y guion de Gustavo Bracco.

De acuerdo con Apple, funciones del iPhone 17 Pro como el modo Cine, la grabación en 4K Dolby Vision, el modo Acción y el zoom óptico de hasta 8x permitieron capturar los matices dramáticos característicos del género.

Estas capacidades no son casuales para un género que depende tanto del primer plano y del control emocional del encuadre. El sistema de tres cámaras Fusion de 48 megapixeles del iPhone 17 Pro incorpora un teleobjetivo con diseño de tetraprisma y un sensor 56% más grande que la generación anterior, lo que favorece la nitidez en escenas con iluminación dramática o contraluces, un recurso visual habitual en la estética de la telenovela clásica. A esto se suman funciones pensadas originalmente para producciones profesionales, como la grabación en ProRes RAW, Apple Log 2 y genlock —una técnica que sincroniza con precisión distintas cámaras durante una misma toma—, que permitieron un flujo de trabajo cercano al de un set de filmación tradicional, algo inusual para un proyecto grabado por completo con un teléfono.

Como parte del lanzamiento, la fotógrafa mexicano-coreana SeoJu Park retrató a las protagonistas bajo el concepto "Mirada de Villana", imágenes que se exhibirán en espacios públicos de distintas ciudades de México.

​

El término microdrama agrupa un formato audiovisual de historias contadas en capítulos muy breves —generalmente de uno a tres minutos—, filmadas en formato vertical y pensadas para consumirse en el celular. Se caracterizan por un ritmo acelerado, giros dramáticos constantes y finales de episodio diseñados como ganchos ("cliffhangers") que empujan al espectador a seguir viendo. Cuando ese formato retoma específicamente los códigos de la telenovela latinoamericana —traiciones, venganzas, disputas familiares—, suele llamarse micronovela, como es el caso de Nido de Villanas.

El fenómeno tiene su origen en China, donde el llamado duanju (短剧, "drama corto") se convirtió en una industria de enormes dimensiones a partir de 2021 y 2022, impulsada por aplicaciones de streaming vertical y un modelo de negocio basado en micropagos por episodio. Ese éxito llevó a que empresas chinas exportaran el modelo a otros mercados a través de aplicaciones como ReelShort y DramaBox, que en los últimos años han escalado posiciones entre las apps de entretenimiento más descargadas en Estados Unidos.

Estados Unidos y China se han consolidado como los mercados donde el consumo de microdramas es más intenso, pero el formato ha encontrado terreno fértil también en América Latina, donde la afinidad cultural con la telenovela facilita la adopción de tramas similares en un empaque más corto y adaptado al scroll vertical. Que una marca como Apple decida usar este formato —y no una producción televisiva tradicional— para celebrar la telenovela confirma que el microdrama ya no es un experimento marginal, sino un lenguaje narrativo con audiencia propia.

Creado en 2012, Biennale College Cinema se ha consolidado como uno de los programas más relevantes para cineastas emergentes de bajo presupuesto a nivel mundial, ofreciendo no solo mentoría y desarrollo de proyecto, sino financiamiento directo por parte de La Biennale di Venezia. En esta edición, Tijuana, todavía recibió un apoyo de 200,000 euros para su producción, cifra que la coloca entre las apuestas más respaldadas del programa este año.

Dirigida por Gabriel Gutiérrez Morales, la película se aleja deliberadamente de la representación que el cine ha construido históricamente sobre Tijuana, ciudad que el imaginario audiovisual suele asociar con la violencia del narcotráfico o con el tránsito migratorio visto desde la distancia. En cambio, la cinta nace de las propias vivencias del director como inmigrante queer, y propone un territorio narrativo poco explorado dentro del cine LGBTIQ+ hecho en México: mirar las heridas fronterizas desde la transformación personal antes que desde el trauma colectivo.

La historia sigue a Chava (interpretado por Humberto Busto), un hombre que está por cumplir cincuenta años y que divide su vida entre cantar en un coro gay y trabajar en el autolavado familiar. En paralelo, Maksim (Petr Filimonov) es un joven queer que huyó de San Petersburgo para evitar ser reclutado en la guerra de Ucrania y que espera, en un albergue de Playas de Tijuana, la resolución de su solicitud de asilo.

Ambos personajes se conocen de forma anónima a través de una aplicación de encuentros sexuales, un vínculo digital que funciona como refugio mientras las circunstancias los mantienen distantes. Pero cuando las políticas migratorias cambian y las citas de asilo se cancelan, Maksim queda abandonado a su suerte y decide buscar a Chava fuera de la pantalla. Ese encuentro real obliga a ambos a confrontar los fantasmas del exilio y los desafíos de construir un hogar en un territorio tan fracturado como sus propios deseos.

"Para mí, su historia representa la capacidad humana de reconstruir el sentido de pertenencia justo en el lugar donde alguna vez nos quebramos", explicó Gutiérrez Morales sobre una trama que conecta la realidad tijuanense con los desplazamientos globales contemporáneos, desde la guerra en Europa del Este hasta las políticas migratorias en la frontera norte de México.

Para Humberto Busto, la selección en Venecia representa un momento excepcional en su carrera: "Nunca en mi vida había sentido tanta emoción al presentar un proyecto. Representa la posibilidad de compartir con el mundo nuestro punto de vista, la forma en que nos vemos, cómo queremos ser representados y las problemáticas actuales que nos mueven y nos preocupan, con las cuales queremos entablar un diálogo".

El jurado, integrado por los doctores Juan Felipe Robledo (Pontificia Universidad Javeriana), Carmen Medina Puerta (Universidad de Sevilla) y Carlos Villalobos (Universidad de Costa Rica), eligió como obra ganadora Poesía (1997-2025), publicada por la editorial Visor, un volumen que reúne casi tres décadas de creación poética del autor.

​​

El dictamen destacó que la obra de Valverde construye una "épica de lo marginal" que lo consolida como "una de las voces más coherentes y representativas de la poesía española contemporánea". Robledo describió esa evolución como un tránsito "desde la intimidad y la emoción hacia las más grandes desgarraduras humanas", mientras que Medina Puerta subrayó el tono elegíaco que atraviesa su trayectoria, "desde sus primeros libros, en los que llora la pérdida de la infancia, hasta Los hombres que mataron a mi madre, en los que aborda la situación de la mujer en la sociedad patriarcal".

Esa transformación es visible al recorrer sus libros. En Viento favorable (1997) predomina un tono introspectivo y urbano; hacia América (2021), su escritura se vuelca hacia lo colectivo y lo histórico, como en el poema dedicado a Charles Whitman, el francotirador de la Universidad de Texas en Austin, donde Valverde construye una voz que indaga en la violencia como fenómeno social. En Los hombres que mataron a mi madre (2023), esa mirada se concentra en la violencia de género: "Desde el principio habitas / este mundo de hombres / su ambición es la carne / nada importa la tierra", escribe en uno de sus poemas.

Valverde recibió la noticia del premio en El Cairo, donde presentaba la edición egipcia de su poesía traducida al árabe, la más reciente de una serie de publicaciones que este año lo han llevado a países como China, Rumania, Estados Unidos, Italia, Serbia, Irak, Marruecos y varios países de América Latina. Sobre su relación con México, el poeta señaló: "México siempre me ha abrazado de una manera entrañable. Mi poesía y mi historia personal no podrían entenderse sin este país y su tradición literaria".

Esa cercanía no es casual: algunos de sus libros más recientes se publicaron primero en México, como América, editado por Vaso Roto, o La muerte de Adonais y Vida de Lord Byron, ambos aparecidos en la colección Poemas y Ensayos de la UNAM. Valverde, además, es profesor de Poesía y Romanticismo en la Universidad de Virginia y ha impartido conferencias en la UNAM, la BUAP y el Tecnológico de Monterrey.

El nombre del premio no es casual: responde a una categoría crítica que da nombre también a Panhispánica, la revista de estudios literarios que lo respalda. El concepto no se refiere a un simple hispanismo que agrupa todo lo escrito en español, sino a una forma de leer la poesía contemporánea a partir del modo en que hoy circulan poetas, ideas estéticas y temáticas entre festivales, editoriales, revistas y espacios académicos de distintos países, sin que las fronteras nacionales sigan siendo la unidad de análisis principal.

Bajo esa lógica, la obra de un poeta como Valverde no se entiende solo desde la tradición española, sino desde la red de intercambios que ha construido con América Latina: sus libros publicados primero en México, sus lecturas y conferencias en universidades del continente, y su circulación editorial en más de una veintena de países. El Premio Panhispánico de la Crítica busca precisamente eso: reconocer obras cuya relevancia se mide más allá de los límites que suelen imponer las historias literarias nacionales.

El reconocimiento no se limita a la distinción simbólica: incluye un congreso académico dedicado a la obra del autor y la publicación de un libro con textos críticos sobre su poesía. Entre los finalistas de esta primera edición se encontraron los poetas Hugo Mujica, Giordana García Sojo y Eloy Urroz. Tanto la premiación como las jornadas académicas dedicadas a la obra de Valverde se realizarán los días 5 y 6 de octubre de 2026 en la BUAP.

Esa premisa es el punto de partida de El método Grönholm, una comedia que lleva al extremo los procesos de selección de personal para exhibir, con humor e ironía, las dinámicas de competencia que pueden surgir en el mundo laboral. La historia sigue a cuatro aspirantes que no son compañeros de oficina, sino rivales que buscan quedarse con un mismo puesto y que están dispuestos a soportar situaciones cada vez más incómodas y humillantes con tal de conseguirlo.

La puesta en escena está dirigida por Rodrigo Nava y reúne un elenco integrado por Ana Serradilla, Tato Alexander, Erick Elías, Alex de la Madrid, Diego Klein y Daniel Haddad. Los actores alternarán funciones, por lo que el reparto cambiará dependiendo del día en que asistas.

Quienes disfruten de la propuesta también pueden acercarse a El método, la adaptación cinematográfica estrenada en 2005 y dirigida por Marcelo Piñeyro, basada en la misma obra de Jordi Galceran. Aunque ambas comparten la esencia de la historia, la película amplía el número de personajes y ofrece una visión distinta de las tensiones, los estereotipos y las estrategias que suelen aparecer durante un proceso de contratación.

Las primeras presentaciones de la gira dejaron ver el momento que atraviesa el artista. Bucaramanga y Medellín registraron una alta convocatoria, mientras que en Cali el concierto agotó boletos por completo. Para Medrano, estas fechas no solo funcionaron como termómetro de la recepción de su nuevo material, también evidenciaron el vínculo que mantiene con una base de seguidores que ha cultivado durante más de diez años.

Superior Tour no se limita al repertorio del artista principal. En cada ciudad, Medrano abrió su escenario a músicos emergentes colombianos. Ivanny se presentó como telonera en Bucaramanga y luego compartió con Medrano una versión especial de La Mujer Que Bota Fuego. En Medellín, Estegarcía abrió la noche y Emyl Rusev subió al escenario para interpretar Nenita. En Cali, Mønel fue el encargado de abrir el show y Junior Zamora participó como invitado en una nueva versión de La Mujer Que Bota Fuego.

Antes de cruzar fronteras, la gira tendrá una parada cargada de significado: el 6 de agosto, Medrano se presentará en Cartagena, su ciudad natal, en el Auditorio Getsemaní. El concierto marca un regreso simbólico al lugar donde comenzó su historia como músico, previo a la etapa que lo llevará por Centroamérica y México.

Para Medrano, México representa una de las plazas más importantes fuera de Colombia. El país ha acompañado su trayectoria de forma sostenida, y esta nueva visita busca reforzar ese vínculo con un público que sigue de cerca su evolución artística desde hace más de una década.

Colombia

25 de junio — Medellín, Teatro Metropolitano 3 de julio — Cali, Teatro Calima 6 de agosto — Cartagena, Auditorio Getsemaní

Centroamérica

11 de octubre — San José, Costa Rica, Palacio de los Deportes 15 de octubre — Ciudad de Guatemala, Parque de la Industria 18 de octubre — San Salvador, Be Sport

México

6 de noviembre — Acapulco, Forum Mundo Imperial 8 de noviembre — Mérida, Auditorio La Isla 13 de noviembre — Coatzacoalcos, Teatro de la Ciudad 21 de noviembre — Chihuahua, Arena Corner Sports 27 de noviembre — Torreón, Coliseo Centenario 28 de noviembre — San Luis Potosí, Parque Tangamanga 4 de diciembre — Los Cabos, Jardín EDEA 5 de diciembre — La Paz, Arena La Paz

​

La cinta recupera a Wile E. Coyote, uno de los personajes más entrañables de la animación mundial, y combina acción real con animación tradicional para construir una historia que conserva el humor físico y el espíritu irreverente de los clásicos de Chuck Jones, pero con una narrativa pensada tanto para quienes crecieron con los Looney Tunes como para nuevas generaciones de espectadores.

Lo que pocos recuerdan es que la premisa de la película no es una ocurrencia reciente de guionistas de Hollywood, sino que tiene casi 35 años de antigüedad. Todo partió del artículo satírico "Coyote v. Acme", escrito por Ian Frazier y publicado en The New Yorker en 1990, en el que se imaginaba el documento legal con el que Wile E. Coyote demandaba a la corporación ACME por décadas de productos defectuosos que nunca lograron atrapar al Correcaminos. Ese texto, convertido con los años en una pieza de culto entre lectores de humor absurdo, es la base sobre la que se construyó el guion de la película.

La historia fue concebida por James Gunn y Jeremy Slater, mientras que el guion estuvo a cargo de Samy Burch, guionista nominada al Premio de la Academia por Secretos de un escándalo (May December). El resultado, según han señalado medios especializados en Estados Unidos, es una comedia que combina sátira corporativa, humor absurdo y una carga emocional que sorprendió a quienes esperaban una película puramente infantil.

El elenco está encabezado por Will Forte, quien interpreta al abogado que decide representar a Wile E. Coyote en su demanda contra ACME Corporation, y John Cena, quien da vida al abogado que defiende a la compañía. A ellos se suma Lana Condor, en un reparto cuya química ha sido destacada en las primeras reacciones a la cinta.

Coyote vs. Acme fue retirada de su calendario de estreno en 2023 por una decisión corporativa de Warner Bros. Discovery, en medio de una serie de cancelaciones de proyectos ya terminados que la compañía tomó por razones fiscales. La medida generó una reacción inusualmente intensa de cineastas, actores, periodistas y fanáticos, quienes defendieron públicamente la necesidad de que la película llegara a las salas.

La presión funcionó: en 2025, Ketchup Entertainment adquirió los derechos de la cinta para garantizar su estreno mundial, en lo que terminó convirtiéndose en uno de los rescates cinematográficos más comentados de los últimos años. La ironía no pasó desapercibida entre el propio equipo creativo, que vivió en la vida real una situación no muy distinta a la que retrata la trama: la de un proyecto pequeño enfrentándose a la lógica de una gran corporación.

Con más de nueve décadas de historia detrás de Wile E. Coyote y el resto de los personajes de los Looney Tunes, la franquicia sigue siendo uno de los referentes más reconocibles de la animación mundial. Coyote vs. Acme llegará a los cines mexicanos el 27 de agosto con la promesa de una historia sobre perseverancia, justicia y segundas oportunidades, tanto dentro como fuera de la pantalla.

​

Los radioescuchas y televidentes estaban absortos por el acontecimiento que se suscitaba en la colonia Moctezuma de la alcaldía Venustiano Carranza. La persona que había dejado las huellas macabras de asesinatos tras asesinatos y que sembró el pánico en mujeres de la tercera edad, había sido detenida. Pero ese fue el comienzo de una historia mucho más macabra e inquietante. Porque como les gusta llamar ahora las películas y series, detuvieron al monstruo pero también sentenciaron a una víctima que el sistema abandonó: una niña vendida y abandonada por su madre, una mujer golpeada por su pareja y una madre soltera.

Dos décadas después, el caso vuelve a la pantalla. HBO Max confirmó esta semana la producción de "Mataviejitas", una serie de ficción original que retoma el expediente de Barraza Samperio desde el género del thriller psicológico. La plataforma adelantó que el proyecto no se limitará a reconstruir los homicidios, sino que buscará meterse en los prejuicios, los miedos y las grietas sociales que dejó al descubierto el caso en la Ciudad de México de los años 2000.

Al frente de la dirección y de la visión creativa está Humberto Hinojosa, responsable de proyectos como Luis Miguel: La Serie, Las Viudas de los Jueves y La Cabeza de Joaquín Murrieta. Lo acompaña como codirector José Manuel Cravioto, conocido por su trabajo en El Chapo, Diablero y Mexican Gangster. 

El elenco principal recae en Mayra Hermosillo, con créditos en Narcos: México y Las Viudas de los Jueves, y en la actriz colombiana Mónica Jiménez, recordada por La Usurpadora y El Señor de los Cielos. Por el momento, HBO Max no ha precisado qué papel interpretará cada una, aunque todo apunta a que una de ellas dará vida a Barraza.

Oficialmente, a Juana Barraza se le atribuyen 16 homicidios de mujeres mayores, cometidos en su mayoría dentro de las propias viviendas de las víctimas; distintas revisiones del caso han sugerido que la cifra real podría acercarse a las 40. Su detención, en 2006, llegó luego del asesinato de una mujer de 89 años, y entre sus pertenencias las autoridades encontraron un llavero con el nombre de "La Dama del Silencio", el alias con el que se presentaba como luchadora profesional.

Ese cruce entre su vida en el ring y su perfil como asesina serial ha sido, desde entonces, uno de los ejes que más ha alimentado el interés mediático por el caso. Barraza fue sentenciada a una pena de 759 años de prisión y permanece recluida en el Centro Femenil de Reinserción Social Santa Martha Acatitla, en la Ciudad de México.

Hasta el momento no se conoce la fecha de estreno para la serie, aunque HBO Max ya confirmó que la serie llegará de forma exclusiva a su catálogo como parte de su apuesta por producciones originales mexicanas basadas en hechos reales.

La 29ª edición vuelve a apostar por esa diversidad. En su selección internacional conviven relatos históricos, documentales sobre fenómenos culturales, propuestas experimentales, distopías y películas que expanden los límites de la narrativa cinematográfica. Si buscas salir de las opciones más evidentes del festival, estas son siete producciones internacionales que vale la pena descubrir.

Hay momentos históricos cuya comprensión sigue siendo indispensable para entender el presente. Palestine '36, la película encargada de inaugurar el GIFF 2026, dirige la mirada hacia uno de esos episodios.

Ambientada durante la gran revuelta palestina contra el Mandato Británico, la película sigue a un joven cuya vida cotidiana comienza a transformarse conforme el conflicto político redefine el destino de toda una región. Más que una reconstrucción histórica, Annemarie Jacir parece interesarse en mostrar cómo los grandes acontecimientos atraviesan la vida de las personas comunes. En un contexto donde Palestina continúa ocupando un lugar central en la conversación internacional, la cinta promete convertirse en una de las funciones más significativas del festival.

El cine de terror pocas veces se conforma con asustar. En manos de Jane Schoenbrun, el género vuelve a convertirse en un espacio para cuestionar la identidad, la cultura pop y los propios mitos del cine.

La película parte del intento por revivir una vieja franquicia slasher que ha perdido relevancia con el paso de los años. Sin embargo, el encuentro entre su nueva directora y la protagonista de la cinta original termina desdibujando las fronteras entre ficción y realidad. Sangre, deseo, nostalgia y delirio convergen en una propuesta que parece utilizar el terror como una reflexión sobre la obsesión por revivir los íconos del pasado.

Las mejores distopías suelen partir de una idea sencilla para revelar algo inquietante sobre el presente. Los Bobos construyen la suya alrededor de una organización clandestina que ofrece un procedimiento capaz de reducir las capacidades intelectuales de quienes aceptan someterse a él.

Cuando uno de sus integrantes decide romper las reglas, el aparente equilibrio comienza a fracturarse. A partir de esa premisa, la película parece explorar temas como la obediencia, el control y la renuncia voluntaria al pensamiento crítico, convirtiendo la ciencia ficción en una herramienta para reflexionar sobre dinámicas que ya forman parte de nuestra realidad.

No todas las películas buscan llevar al espectador de un punto A a un punto B. Algunas prefieren construir un recorrido emocional donde las imágenes, los recuerdos y los personajes dialogan entre sí sin necesidad de seguir una estructura convencional.

Eso es precisamente lo que propone Pin de Fartie. A través de escenas aparentemente independientes —un pianista atrapado en una misma melodía, una niña observando un lago, dos ancianos viviendo frente al Congreso o un hijo despidiéndose una y otra vez de su madre— la película construye un mosaico sobre la memoria, el tiempo y las pequeñas historias que terminan dando forma a una vida.

Las desapariciones suelen ser el punto de partida de un misterio. En Dry Leaf, en cambio, funcionan como el inicio de un viaje profundamente humano.

Cuando una fotógrafa deportiva desaparece después de recorrer pequeñas comunidades rurales en Georgia, su padre decide salir a buscarla acompañado por la mejor amiga de su hija. Sin embargo, el trayecto termina siendo mucho más importante que el destino. A medida que conocen nuevos paisajes y personas, la película parece encontrar belleza en los encuentros cotidianos y en la manera en que los caminos inesperados también pueden transformar a quienes los recorren.

Pocas obras han trascendido el cine para convertirse en una experiencia colectiva como The Rocky Horror Picture Show.

Dirigido por Linus O'Brien, hijo del creador del musical original, este documental no solo revisa el origen de una de las películas de culto más importantes de la historia, sino que explora la comunidad que surgió alrededor de ella y el impacto que tuvo como espacio de libertad, expresión e identidad para distintas generaciones, especialmente dentro de la comunidad LGBT+.

Más que un documental nostálgico, la película parece preguntarse por qué algunas obras continúan encontrando nuevos espectadores décadas después de su estreno.

Filmar una película en un solo plano secuencia siempre implica un desafío técnico. Ari Gold utiliza ese recurso para algo más que demostrar precisión: convertir el movimiento continuo en el lenguaje mismo de la historia.

Concebida como una extensión audiovisual de su primer libro de poesía, Brother Verses Brother combina música, palabra e imagen en una experiencia que apuesta por la fluidez y el ritmo antes que por la narrativa convencional. El resultado apunta a ser una de las propuestas formales más singulares de toda la programación internacional.

Además de reunir algunos de los títulos más comentados del circuito internacional, la selección del GIFF 2026 vuelve a demostrar que los festivales siguen siendo uno de los pocos lugares donde es posible descubrir películas que desafían las convenciones narrativas y estéticas del cine contemporáneo.

Muchas de estas obras tardarán meses en llegar a otras pantallas —si es que llegan—, por lo que el festival se convierte en una oportunidad para acercarse a historias que exploran conflictos históricos, imaginan futuros inquietantes o simplemente recuerdan que el cine todavía puede sorprender cuando se permite tomar riesgos.

La edición 29 no es la excepción. Entre los 14 largometrajes mexicanos que integran la Selección Oficial destacan historias que transitan entre la fantasía, el documental híbrido, la ciencia ficción, la memoria y la identidad. Estas son seis películas que vale la pena seguir de cerca durante el festival.

La violencia ha sido retratada incontables veces en el cine mexicano, pero pocas películas deciden preguntarse por quienes habitan esos márgenes desde una perspectiva más íntima que criminal.

Las lágrimas de Bael parte del seguimiento que un cineasta realiza a un hombre involucrado en el crimen organizado, aunque muy pronto la película deja de interesarse por el registro documental para adentrarse en un territorio donde la puesta en escena y larealidad comienzan a confundirse. Villaseñor utiliza actores no profesionales y escenarios reales para construir un relato que parece cuestionar hasta qué punto una cámara puede capturar la verdad de una persona o si toda representación termina convirtiéndose, inevitablemente, en una ficción.

La animación mexicana continúa ampliando los imaginarios que lleva a la pantalla. En esta ocasión, Víctor Mayorga recupera elementos de la cosmovisión mexica para construir una aventura que encuentra en el viaje del héroe una reflexión sobre la identidad y el sentido de pertenencia.

La historia sigue a un joven guerrero rechazado por la marca de jaguar que lleva en el pecho, una diferencia que lo obliga a enfrentarse tanto a los prejuicios de su comunidad como a un recorrido espiritual hacia el inframundo. Más que una historia de acción, la película propone una lectura sobre la aceptación de aquello que nos hace distintos.

​

¿Qué ocurriría si el amor dejara de existir como experiencia compartida y permaneciera únicamente como un recuerdo?

Esa idea impulsa el universo creado por Elisa Franco, quien imagina un mundo donde los vínculos afectivos parecen haberse extinguido. En medio de ese paisaje emocional aparece Tetsu, una mujer que emprende un recorrido en busca de aquello que otros todavía llaman amor, solo para descubrir que quizá la respuesta se encuentra en su propia memoria. La película combina elementos fantásticos con una exploración sobre el duelo, los recuerdos y la manera en que construimos nuestras emociones.

Las cámaras suelen utilizarse para registrar el presente, pero también pueden convertirse en una forma de resistirse al olvido.

La ópera prima de Marcela Jabes une a dos personajes separados por la edad, pero conectados por una misma necesidad: conservar el recuerdo de quienes ya no están. Mientras una joven documenta su vida para no perder el vínculo con su madre fallecida, una niña registra su cotidianidad con la esperanza de acercarse a un padre ausente. Cuando ambas comienzan a encontrarse, la película construye un relato sobre la memoria, el afecto y la capacidad que tienen las imágenes para preservar —o transformar— aquello que creemos recordar.

El deporte suele ser el punto de partida de las historias de superación, pero Mex-i-can parece utilizarlo para hablar de algo mucho más amplio: la experiencia de vivir lejos del país de origen.

La película acompaña a dos amigos mexicanos establecidos en Austria que deciden perseguir un objetivo improbable: competir en los Juegos Olímpicos de Invierno en una disciplina completamente ajena para ellos. En ese recorrido aparecen obstáculos burocráticos, diferencias culturales y prejuicios que terminan desplazando el triunfo deportivo hacía una pregunta más importante: qué significa abrirse camino cuando nadie espera que lo consigas.

La memoria vuelve a ocupar un lugar central dentro de la competencia mexicana, aunque esta vez desde un territorio cercano al misterio.

Después de un accidente, Ana conoce a un hombre que asegura haber formado parte de su infancia. Lo extraño es que ella no logra recordarlo. Conforme ambos vuelven a encontrarse, los recuerdos comienzan a modificarse y la realidad adquiere una cualidad cada vez más incierta. A partir de esa premisa, Vicente Monarque construye una historia donde el pasado deja de ser un lugar fijo y se convierte en algo capaz de transformarse con cada nuevo encuentro.

​

Más allá de los nombres ya consolidados, festivales como GIFF siguen siendo uno de los pocos espacios donde es posible encontrarse con películas que buscan expandir las posibilidades del cine mexicano. Algunas llegarán después a otros festivales, unas cuantas encontrarán distribución comercial y muchas permanecerán como descubrimientos para quienes estuvieron ahí en el momento indicado.

Quizá esa sea una de las razones por las que vale la pena asistir a un festival: no solo para ver las películas de las que todo el mundo hablará, sino para descubrir aquellas de las que todavía nadie sabe que hablará mañana.

Con ese espíritu como punto de partida, conversamos con Brisa, baterista de Los Esquizitos, y Benjamín, de Vete al Diablo, dos proyectos separados por varias décadas de trayectoria, pero unidos por una misma manera de entender el punk y el garage como espacios de libertad creativa. A lo largo de la charla reflexionan sobre la vigencia de la escena independiente, los retos que enfrentan las bandas emergentes, el relevo generacional y la importancia de tender puentes entre quienes abrieron el camino y quienes hoy buscan recorrerlo.

-Háblenos de lo que representa un encuentro como versus, para el garage en México, una escena -su​bterranea- que, sin ánimo de crear polémica, parece carecer cada vez de más espacios.

Benjamín: Creo que este festival representa un gran esfuerzo por reunir a la vieja escuela, bandas que comenzaron a hacer música hace más de 30 años, con las nuevas propuestas. En realidad, son escenas que nunca debieron estar separadas, aunque por distintas razones terminaron aislándose. Versus busca romper esas barreras y recordarnos que, al final, todos formamos parte de una misma escena: la del rock mexicano.

Brisa: Siento que todo está muy disperso ahora. No es queja, las cosas son como son; en una ciudad tan grande hay muchos nichos y todo está demasiado fragmentado. En los ochentas, éramos tan poquitos que, todos nos conocíamos, ibas a los mismos lugares, no importaba si eras electrónico o punk, lo subterráneo estaba unificado. No todos nos amábamos, pero había cierta unión. El que se haga Versus, a mí me parece muy saludable para todas las partes.

Los Esquizitos 

-Con tanta trayectoria reunida en este festival, ¿cómo evitan que se perciba como un ejercicio de nostalgia y logran conectar también con nuevas generaciones?

Benjamín: No sabemos si el festival atraerá principalmente a un público nostálgico o a nuevas generaciones, y justamente eso será interesante descubrir. Ojalá sea una mezcla de ambas. Más allá de eso, creo que el verdadero protagonista debe ser la música: el arte no admite comparaciones y el objetivo de Versus no es competir, sino reunir propuestas distintas alrededor de una misma pasión.

Brisa: ¡La esencia del festival es la juventud y el rock and roll! Basta recordar a Rafa Acosta, de Los Locos del Ritmo, quien seguía sobre los escenarios apenas unas semanas antes de fallecer. Estoy convencida de que aquí convivirán nuevas generaciones y público de toda la vida, porque Versus no plantea una competencia entre bandas, sino un encuentro donde lo importante es la música y no demostrar quién es mejor.

-Siguiendo con esa idea, ¿qué creen que puede aprender una banda emergente de una banda con trayectoria y, al mismo tiempo, qué puede aprender una banda consolidada de las nuevas generaciones?

Brisa: No me gusta dar consejos porque cada proyecto tiene su propio camino, pero sí creo que la música exige paciencia, constancia y tiempo; el éxito inmediato es la excepción. También es importante reconocer el talento de las nuevas generaciones: hoy hay músicos con una técnica impresionante, me pasó con Leo Padua de Los Viejos, ya hasta tomé clases con él, y eso, más que intimidar, debe inspirar. Al final, la música no se trata de competir para ver quién toca mejor, sino de seguir aprendiendo y creciendo.

Benja: Más que el resultado, lo importante de este festival es el intercambio entre generaciones y todo lo que cada banda puede aportar. Ver tocar a Los Esquizitos siempre es una experiencia; para mí, son "la mejor y la peor banda del mundo al mismo tiempo", y eso hay que vivirlo. También es enriquecedor conocer cómo trabajan las nuevas propuestas y descubrir las distintas formas en que hoy hacen música.

The Bela Lugossips

-A pesar del cierre de foros y los cambios en la industria, siguen apareciendo nuevas bandas dentro del punk y el garage. ¿Qué creen que mantiene viva la escena de la Ciudad de México y permite ese relevo generacional?

Benjamín: Para sostener un proyecto dentro del garage o el rock en México hacen falta dos cosas: amor por lo que haces y una enorme terquedad. Es una escena que siempre ha remado contra corriente, pero cuando la música se convierte en una necesidad y una forma de vida, simplemente no te imaginas haciendo otra cosa. En mi caso, incluso, la banda ha sido una especie de terapia.

Brisa: El punk y el garage siempre han sido géneros de nicho, incluso dentro del propio rock, y eso nunca ha sido un problema. Lo que sí resulta llamativo es que, desde hace décadas, sean prácticamente las mismas cinco o seis bandas las que encabecen los festivales. Más que una falta de talento, parece reflejar una dinámica de la escena que habría que cuestionar.

-¿Cuál creen que es el principal reto para una banda emergente hoy? ¿Las dificultades siguen siendo las mismas de hace décadas o las redes sociales y la industria han cambiado por completo las reglas del juego?

Benjamín: La industria sigue concentrando la atención en un reducido grupo de headliners, lo que dificulta el relevo generacional. Aunque las redes sociales ofrecen nuevas herramientas, la enorme cantidad de música disponible hace cada vez más difícil destacar. Al final, la única forma de construir un proyecto sólido sigue siendo tocar en vivo, generar comunidad y mantenerse vigente con trabajo constante.

Brisa: Las redes sociales democratizaron la difusión: hoy cualquier banda puede publicar su música en las mismas plataformas que los artistas grandes. Sin embargo, también exigen dedicar más tiempo a crear contenido que a hacer música, por eso los números terminan pesando más que las canciones. Yo creo que, en ese entorno saturado, la autenticidad sigue siendo una de las pocas formas reales de sobresalir.

Psicodencia

-Si el tiempo, el dinero y la realidad no fueran un límite, ¿cómo sería la edición soñada de Versus? ¿Qué bandas o artistas —de cualquier época— les habría gustado reunir en un mismo cartel, ya fuera como influencia o simplemente por el gusto de compartir escenario con ellos?

Brisa: ¡Ya tengo al primer invitado y es mi favorito desde 1985: The Gun Club! Sé que Jeffrey Lee Pierce tenía fama de mamón, pero aun así soy tan fan que hasta traduje su libro por puro gusto. También invitaría a Los Ramones, porque para mí siguen siendo la mejor banda de punk rock de todos los tiempos, le pese a quien le pese. Y, ya de plano soñando en grande, cerraría el cartel con Elvis Presley, los Carpenters o hasta con los Bee Gees. ¡Sería una joya!

Benjamín: Yo pondría a Vete al Diablo compartiendo escenario con Butthole Surfers. También me encantaría tocar con Motörhead, aunque el verdadero reto no sería el concierto, sino aguantarle la peda a Lemmy. Y ya en un escenario completamente imposible, reuniría a The Animals con Eric Burdon.

Vete al Diablo 

-Para cerrar, me gustaría pedirles una reflexión muy breve. En un contexto como el actual, ¿qué papel creen que debe desempeñar una banda dentro de la sociedad? ¿Consideran importante asumir una postura frente a los temas políticos y sociales o la música también puede limitarse a ser una expresión artística?

Brisa: En el caso de Los Esquizitos, esa fue una decisión que tomamos desde que nació la banda en 1994, el mismo año del levantamiento zapatista. Aunque seguramente los cuatro compartimos posturas políticas muy claras —y sí, probablemente más cercanas a la izquierda—, decidimos no abordar ese tipo de temas. Hay grupos que lo hacen muy bien y cuya propuesta gira alrededor de ello, pero no todas tienen que cumplir esa función, ni ser como Bruce Springsteen, Bono o Rage Against the Machine, te gusten o no. Nosotros preferimos mantener la política fuera de nuestras canciones.

Benjamín: Yo sí considero que una banda debería tener una postura política. Lo debatible, en todo caso, es si necesita comunicarla o convertirla en parte de su propuesta artística. No creo que necesariamente tenga que formar parte del espectáculo, pero sí pienso que tanto una banda como cualquier individuo deberían tener una postura frente a la realidad que les toca vivir.

El concierto forma parte de una gira por América Latina organizada por Resistencia Booking. En territorio mexicano, la producción del evento corre a cargo de Difusión Cultural Xibalba.

Tras su presentación en México, la banda continuará su recorrido por la región con las siguientes fechas:

El vínculo de A Flock of Seagulls con México inició en marzo de 1993, cuando la banda tocó por primera vez en el Gimnasio Juan de la Barrera. Volvió veinte años después, en septiembre de 2013, como parte del Regeneration Tour presentado en el Palacio de los Deportes. Su presentación más reciente ocurrió en agosto de 2023, en el Auditorio Cumbres de Monterrey.

Con más de cuarenta años de carrera, el grupo sigue activo en los escenarios y lanzó en 2024 su disco más reciente, titulado Some Dreams, con el que ha buscado renovar su propuesta sin abandonar el sonido que lo identifica.

La alineación actual está compuesta por Mike Score en voz y teclados, Pando en el bajo, Kevin Rankin en la batería y Gordon Deppe en la guitarra.

El concierto en Sala Urbana comenzará a las 20:00 horas. Los boletos ya están a la venta a través de Ticket Planet, con un costo de $950.00 MXN más cargos por servicio.

La contaminación no es ajena a este suceso. El viaje de 11 minutos, a bordo del cohete New Shepard de Blue Origin, generó entre 15 y 50 toneladas de emisiones de CO₂ por pasajero, aproximadamente, equivalente a lo que una persona promedio emite en la Tierra durante 7 a 8 años. 

Estos problemas son una realidad que se opaca por la parafernalia que se le impregna y la “emoción” que genera salir a órbita. Sin embargo, para el cineasta Julien Elie hay algo más profundo. 

Se trata de Shifting Baselines (Horizontes Perdidos), el documental canadiense que ha recorrido importantes festivales de cine durante 2025 y 2026 con una pregunta urgente: ¿Cuánto le cuesta al planeta la conquista del espacio?

Boca Chica es una franja costera entre el Golfo de México y el Río Bravo. Ahí, los pantanos se drenaron, las playas quedaron cercadas y las casas de los vecinos fueron compradas una a una. A metros de la frontera con México, la transformación avanza en silencio: donde antes el ritmo de vida lo marcaba el oleaje, hoy se levanta un cohete de 50 pisos, la imagen más visible del proyecto espacial privado de Elon Musk. SpaceX —cuyo nombre legal es Space Exploration Technologies Corp.— es la empresa aeroespacial que Musk fundó en 2002 con el objetivo de abaratar los viajes espaciales y, a largo plazo, establecer vida humana en Marte.

El título retoma la idea de shifting baselines, formulada por el biólogo marino Daniel Pauly: cada generación normaliza la degradación que hereda y pierde la memoria de cómo era el entorno antes de esa pérdida. Frente al deslumbramiento tecnológico que suele acompañar los lanzamientos, el documental elige otra mirada, la de quienes resisten y la de una tierra ya herida.

La fotografía en blanco y negro corre a cargo de Glauco Bermúdez y François Messier-Rheault, mientras que Mimi Allard construye una atmósfera sonora con tintes de ciencia ficción. El enfoque es observacional: la cámara cruza los testimonios de científicos y astrofísicos preocupados por el Síndrome de Kessler —la acumulación de basura espacial en órbita— con las vivencias de los residentes de Boca Chica, los turistas atraídos por la tecnología y las familias mexicanas que pescan del otro lado del río, bajo la vigilancia constante de la Patrulla Fronteriza.

Producida por GreenGround Productions y Cinema Belmopán, Shifting Baselines se ha consolidado como uno de los documentales más urgentes del año. Entre sus reconocimientos destacan el Grand Jury Prize Kaleidoscope de DOC NYC 2025 y el premio a mejor competencia Green Dox en DokuFest 2025, además de su paso por Hot Docs, Visions du Réel, DocsMX y el Festival Internacional de Cine de Vancouver, entre otros festivales.

De la mano de Artegios Distribución, la cinta llega a salas culturales y comerciales de México a partir del 23 de julio.

​