A partir del 13 de mayo, la cinta protagonizada por Tom Cruise tendrá una exhibición limitada de una semana. Esta vez, con un elemento que cambia la experiencia: podrá verse en formatos premium e inmersivos como IMAX y 4DX, lo que amplifica la intensidad de sus secuencias aéreas y la acerca a los estándares visuales actuales.

Estrenada en 1986, Top Gun consolidó una imagen muy clara del héroe de acción de su tiempo. Pete “Maverick” Mitchell es un piloto talentoso, impulsivo, constantemente puesto a prueba dentro de una de las academias más exigentes de la Armada. La película se mueve entre la competencia, el riesgo y la necesidad de demostrar quién es el mejor, pero también deja ver las grietas emocionales detrás de esa exigencia.

Ese equilibrio entre espectáculo y tensión interna fue parte de su impacto. No solo por las escenas en el aire, sino por la forma en que construyó un imaginario que trascendió la pantalla.

El reestreno se acompaña de Top Gun: Maverick, una secuela que retoma la historia más de treinta años después. Aquí, Maverick sigue volando, pero desde otro lugar. Ya no es el joven que busca probarse, sino alguien que ha decidido mantenerse en movimiento para no quedar fuera.

La película, que se convirtió en uno de los mayores éxitos de 2022 con más de 1,500 millones de dólares en taquilla, introduce a una nueva generación de pilotos. Entre ellos está Rooster, interpretado por Miles Teller, cuyo vínculo con Maverick carga un peso emocional que atraviesa toda la historia.

Parte del sentido de este reestreno está en cómo se presenta hoy. Los formatos como IMAX, 4DX o ScreenX no solo hacen más espectaculares las escenas, también reconfiguran la forma en que se percibe la película.

Las secuencias aéreas, el diseño sonoro y el ritmo adquieren otra dimensión cuando se experimentan en gran formato. Es una manera de acercar la película a nuevas audiencias sin modificar su esencia.

Durante una semana, ambas entregas compartirán cartelera en cines de todo México. Más que un ejercicio de nostalgia, funciona como una oportunidad para ver cómo una misma historia puede sostenerse en el tiempo y adaptarse a distintas generaciones.

El ciclo inicia el 13 de mayo y estará disponible por tiempo limitado. Los boletos podrán consultarse en carteleras locales, tanto en línea como en taquillas de los cines participantes.

El anuncio llega después de que la fecha del 11 de diciembre entrara en su recta final de boletaje disponible. La nueva presentación no solo responde a la demanda, también refuerza la relación constante entre el artista británico y su público mexicano, que ha seguido su trayectoria con una lealtad poco intermitente.

Ambos conciertos se llevarán a cabo en el mismo recinto, marcando una escala importante dentro de su gira internacional.

El Loop Tour mantiene la esencia que ha definido a Sheeran desde el inicio. No hay una banda que lo respalde en el sentido tradicional. En su lugar, está la loop station, una herramienta con la que construye cada canción capa por capa frente al público.

La dinámica es simple en apariencia, pero exige precisión y ritmo. Graba, repite, superpone. Lo que comienza con una guitarra termina convertido en una pieza completa que ocurre en ese mismo instante. Esa forma de presentarse, sin demasiados filtros, es parte de lo que ha sostenido su conexión con la audiencia a lo largo de los años.

Actualmente, Sheeran presenta Play, un material que abre una etapa distinta dentro de su carrera. Aquí se permite explorar sonidos más amplios, con influencias que cruzan fronteras, pero sin alejarse de la estructura emocional que lo caracteriza.

Hay una intención clara de expansión, aunque su punto de partida sigue siendo el mismo: canciones que funcionan desde lo íntimo.

Hablar de Ed Sheeran también implica volver a 2017. Fue un año donde su música no solo estaba presente, estaba en todas partes. Shape of You se convirtió en una especie de fondo constante, sonando en radios, fiestas, playlists y espacios públicos casi sin pausa.

Ese momento consolidó algo más que popularidad. Lo posicionó como una figura transversal dentro del pop. Canciones como Perfect o Thinking Out Loud reforzaron esa presencia, mientras que Bad Habits mostró su capacidad de adaptarse a nuevas tendencias sin perder identidad.

Desde entonces, su lugar dentro de la industria ha sido constante. No depende de un solo hit ni de una sola etapa.

Los boletos para ambas fechas ya están disponibles a través de funticket.mx, con un límite de seis entradas por usuario como medida para evitar la reventa.

La apertura de esta segunda fecha no solo responde a una alta demanda. También deja ver algo más claro. Hay artistas que regresan. Y hay otros que, incluso cuando se van, nunca terminan de irse.

Querida Fátima, documental independiente realizado por Colectiva Varinia, no se limita a reconstruir los hechos. Se instala en un territorio más incómodo: el de la persistencia del dolor y el desgaste que implica enfrentarse a un sistema que falla de manera sistemática. La película se articula principalmente desde la voz de Lorena, quien convierte el relato en una conversación constante con su hija. No hay distancia emocional; cada palabra arrastra una ausencia que no encuentra reparación.

Desde el inicio, el caso estuvo marcado por irregularidades. La intervención de autoridades que alteraron la escena del crimen, las contradicciones en los testimonios y la falta de seguimiento efectivo en las investigaciones construyen un patrón reconocible en el país. La promesa de justicia se volvió una cadena de omisiones. Incluso cuando la comunidad buscó tomar justicia por su propia mano, los padres optaron por confiar en las instituciones. Esa decisión —que en otro contexto sería lo esperado— aquí se percibe como un acto trágico.

El documental no necesita subrayar su crítica: la evidencia se acumula sola. Lo que emerge es un retrato del abandono institucional, donde las víctimas y sus familias quedan atrapadas en procesos interminables. En México, esta realidad no es excepcional. De acuerdo con cifras recientes del Instituto Nacional de Estadística y Geografía, en 2024 se registraron más de 3,000 asesinatos de mujeres, de los cuales cerca de una cuarta parte fueron investigados como feminicidios. A esto se suma que, según datos del Secretariado Ejecutivo del Sistema Nacional de Seguridad Pública, el país mantiene un promedio cercano a 10 mujeres asesinadas al día en los últimos años.

Estas cifras no aparecen en pantalla, pero atraviesan cada imagen. Porque Querida Fátima no habla únicamente de un caso: expone una estructura. La impunidad en delitos de género en México sigue siendo alarmante; diversas organizaciones han señalado que más del 90% de los casos no llegan a una sentencia. En ese contexto, la historia de Fátima deja de ser una excepción para convertirse en un reflejo.

Hay algo particularmente devastador en la forma en que el documental construye su narrativa: evita cualquier tipo de especulación. No hay concesiones al morbo. En su lugar, apuesta por la repetición del recuerdo, por la reconstrucción emocional de una madre que se niega a permitir que su hija se convierta en una cifra más. Esa decisión formal le da al filme una potencia distinta, más cercana al testimonio que a la denuncia explícita, aunque ambas cosas convivan.

El cine documental, en este caso, funciona como archivo y resistencia. No repara el daño ni sustituye la justicia, pero impide el olvido. Y en un país donde la violencia contra las mujeres sigue creciendo, recordar se vuelve un acto político.

Querida Fátima deja una sensación incómoda porque no ofrece cierre. No hay resolución, no hay castigo, no hay redención. Lo único que permanece es la insistencia de una familia que sigue esperando. Y esa espera, más que cualquier imagen, es la crítica más contundente a un sistema que, hasta ahora, ha sido incapaz de responder

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La entrega del premio, celebrada durante la actual edición del FICG —que se extiende hasta el 25 de abril—, confirma a Guadalajara como un punto estratégico donde convergen miradas, sensibilidades y formas de narrar. En representación del equipo, el actor Sverrir Gudnason recibió el galardón y subrayó la relevancia de abrir nuevas rutas de exhibición para el cine europeo en la región, destacando además el papel de la distribución en México.

Lejos de grandes artificios narrativos, The Love That Remains se construye desde la observación minuciosa: un retrato familiar que sigue el transcurso de un año mientras una pareja atraviesa su separación. A través de estaciones que marcan el paso del tiempo, la película indaga en la persistencia de los vínculos, en aquello que no desaparece aunque la relación cambie de forma. Pálmason apuesta por una narrativa contenida, donde los silencios, los gestos y los espacios tienen el mismo peso que las palabras.

La cinta —coproducida entre Islandia, Francia, Dinamarca y Suecia por STILL VIVID y Snowglobe— tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes 2025, consolidando desde entonces su recorrido internacional. En pantalla también destaca la presencia de Ingvar Sigurdsson, figura reconocida dentro del circuito europeo.

Este premio, creado en 2024, busca visibilizar obras que dialogan con el espectador desde una perspectiva autoral y que encuentran resonancia más allá de su territorio de origen. En ediciones anteriores fueron reconocidas Sorda, de Eva Libertad, y The Teachers’ Lounge, de İlker Çatak, lo que traza una línea clara hacia un cine interesado en las tensiones humanas y sociales contemporáneas.

Con el respaldo de iniciativas como Creative Europe —el Programa MEDIA de la Unión Europea— y la colaboración de distintos institutos cinematográficos, el Latin American Critics’ Award continúa ampliando su alcance. En ese contexto, la llegada próxima de The Love That Remains a salas mexicanas se perfila como una oportunidad para conectar con una obra que privilegia la intimidad emocional y la observación del cambio, en un momento donde el cine busca, cada vez más, nuevas formas de cercanía con su audiencia.

Platiqué con Fer Sparda, gamer y especialista en videojuegos, de lo que rodea esta discrepancia, el monomito, la familia, la crianza y los arquetipos en una aventura que, a simple vista, parecen sólo dibujitos (o pixeles).

Todas las mitologías se construyen en relación con los vínculos familiares, por ejemplo, los hermanos Rómulo y Remo, Coatlicue y Huitzilopochtli, Los Æsir en la mitología escandinava. Esta característica permanece en las series, películas y videojuegos: Star Wars, Demond Slayer, El Señor de los anillos, The Last of Us, y por supuesto ¡Mario Bros!

La familia es la unidad básica de transmisión cultural, en el núcleo familiar se aprenden valores, roles, jerarquías, expectativas, gestión emocional, motivaciones, y es ahí donde nacen los traumas; es en la familia donde surgen todos los héroes y los villanos, porque como enuncia Lévi-Strauss, “los mitos se organizan en torno a oposiciones binarias que reflejan la manera en que la mente humana clasifica la realidad.”

Los vínculos familiares en el mundo de Mario se enfatizan en la adaptación cinematográfica, porque “ese tema no es tan relevante, más allá de que Mario y Luigi son hermanos. Donkey Kong tiene un poquito más de desarrollo en ese sentido, pero tampoco es esencial”, asegura Fer Sparda.

El universo de Mario, como todo relato mitológico, se basa en la familia como motor narrativo: Mario sufre el rechazo de su familia y el apoyo incondicional de su hermano Luigi, Donkey Kong carga las expectativas y limitaciones de su padre; en esta segunda entrega, Bowser Jr. quiere cumplir los anhelos que su padre depositó en él, y Rosalina sanando el vacío de identidad que sentía Pech al desconocer su origen.

Sin embargo, considero que los lazos familiares no son suficientes para llegar a conectar con los personajes de esta secuela, y no se trata de que sea una película para niños o un videojuego sencillo, sino en algo más profundo y al mismo tiempo muy básico: el monomito.

Joseph Campbell, argumenta que los relatos tienen una estructura universal: el monomito (mito único), donde el héroe, o heroína, salen del mundo común para enfrentar diversas pruebas y regresar a su lugar de origen con aprendizajes, madurez y conocimientos que pueden compartir con los suyos. El monomito es la interpretación mitológica de nuestra vida cíclica, construir un legado es la base de nuestra humanidad: la cultura. 

El camino del héroe o heroína es lo que comúnmente se le dice “desarrollo de personaje”, en la película, Super Mario Galaxy, los personajes no se transforman, no crecen o se deterioran, a excepción (un poco) de Bowser y su hijo. Sin embargo, esto quizá una petición (o capricho) de un público externo, ajeno a los videojuegos porque como asegura Fer Sparda:

Nintendo funciona diferente al resto de la industria (…) la película maneja la misma ideología que para hacer videojuegos. La narrativa es terrible, o al menos lo sería si se tratara de una película tradicional (…) está hecha para quienes hemos jugado los títulos de Super Mario, así no te detienes a explicar, pero lo hace cuando es necesario, por ejemplo, el vínculo de Peach y Rosalina que no se aborda en los juegos.

No es casualidad la revelación de que Rosalina es la hermana de la princesa Peach, hacerlas familia le da profundidad a la historia, un recurso dramático que estamos habituados a ver en cine o televisión. Sin embargo, considero que desaprovecharon los arquetipos, un concepto que el psicoanalista Carl Jung definió como:

Formas o imágenes de carácter colectivo que aparecen  prácticamente en todo el mundo como componentes de los mitos y al mismo tiempo como productos individuales de origen inconsciente.

La película escrita por Matthew Fogel (Minions: Nace un Villano y La Gran Aventura Lego 2) se vale de los arquetipos para presentar a los personajes: Rosalina personifica la diosa madre, protectora, creadora, pero también distante y misteriosa; Bowser como el padre tirano, que amenaza el orden e impone su voluntad, incluso en su descendencia; Bowser Jr. personifica al heredero, quien se apropia del conflicto de su padre y su final es trágico, como le pasa a Ramses en El Príncipe de Egipto.

Los arquetipos no son “moldes” estáticos, sino modelos que personifican enseñanzas y valores de nuestra cultura, por eso nos identificamos con cada uno de los personajes que vemos en las películas, series y libros, porque compartimos con ellas y ellos una historia similar de manera abstracta y simbólica.

Pero en Super Mario Galaxy no hay una conexión con los personajes porque el conflicto de cada arquetipo no se desarrolla, todo pasa tan rápido, no hay “desarrollo de personaje”, por lo tanto no hay aprendizajes que compartir, los héroes, heroínas y villanos se quedan incompletos porque el monomito no se cumple, por eso se siente, para los que no conocemos los videojuegos, como un catálogo de referencias carente de historia, conflicto y clímax.

Pero el planteamiento de la historia es muy bueno: Luigi arquetípicamente es la sombra, el opuesto a Mario, su contra parte, Luigi se permite vivir lo que su hermano no: el miedo, la compasión, la templanza, por eso es el “Mario verde”.

Al principio de la película, Luigi tiene una conversación consigo mismo (un soliloquio), y se dice: “¡vamos! Ya no eres el mismo miedoso de antes”, luego le ocurre algo que le causa miedo, y asustado grita, “¡no es cierto, las personas no cambian!”. Esa es la premisa de esta película, porque sí, las personas no cambian… A menos que estén dispuestas a hacerlo.

Bowser cambió mientras tenía disposición; encontró en el club de lectura y el arte un espacio de transformación, ¡hasta le ofreció su amistad a Mario! Pero se reencontró con su hijo y aparece la lógica del escorpión: el carácter, aprendizajes y comportamientos que, aunque nos conduzcan a nuestra propia ruina, están tan arraigados que volvemos a replicarlos, porque eso es lo familiar, lo que nos enseñaron e hicimos nuestro. Por eso las mitologías se basan en las dinámicas familiares, para cuestionar o legitimar el origen de nuestra cultura y comportamientos.

Esa es la diferencia arquetípica entre Luigi y Bowser: la disposición y lo familiar. Luigi tenía el amor, apoyo y confianza de su hermano, él no cambió, descubrió que ser valiente no es reprimir el miedo, sino confrontarlo. 

Contrario a Bowser que reprimió su ira, nunca fue sincero consigo mismo, sólo se disfrazó de “bueno”; su disposición se basaba en la promesa de obtener su libertad, porque como dice Michel Foucault, en su libro Vigilar y Castigar: “la prisión fabrica delincuentes, en el sentido de que impone a los individuos una forma de existencia, una identidad, una carrera.”

La “rehabilitación” es un ejercicio de poder, es donde se corrompe la libertad del autoconocimiento para llevar al individuo a un espacio de prohibición y condena. Mario es castigador con el rey koopa porque lo considera peligroso, mientras apoya a su hermano a ser valiente, aunque a ninguno de los dos los considere como un igual, simplemente ejerce el poder sobre ellos de manera distinta y eso lo aprendió de su familia: condenar lo diferente y aprobar lo que considera correcto. 

Para el director Federico Durán, el punto de partida no es únicamente narrativo. “Para mí, esta película reúne por un lado un sueño de mucho esfuerzo, mucho tiempo y una gran cantidad de personas que nos juntamos para lograr hacer este proyecto… y la memoria de un gran amigo y un gran director, que es el creador de la película, Jaime Osorio… esta es su obra póstuma”. La película, entonces, no solo se construye como relato, sino como una forma de continuar una visión que quedó abierta.

Esa misma dificultad para encasillarla aparece desde la actuación. Alejandro Buitrago, quien interpreta a Díaz, lo plantea desde la experiencia: “Para mí siempre ha sido difícil definir este proyecto… lo podemos resumir como terror, intriga, suspenso, humanidad, muchas cosas, pero hay muchas cosas adentro”. Más que intentar fijarla en un género, la lectura se desplaza hacia lo que representa: “Para mí significó también como el sueño de Jaime Osorio, como su forma de ver la vida… todo lo que tenía dentro de su cabeza de alguna manera está expuesto en este proyecto”.

La mezcla entre lo militar y lo sobrenatural no aparece como un recurso gratuito, sino como una evolución natural del universo que Jaime Osorio ya había explorado anteriormente. Federico Durán lo explica a partir de ese recorrido: “En El páramo había un origen de un miedo… pero nunca lo veíamos, no entendíamos de dónde venía”. En El despertar, en cambio, la intención fue distinta: “cruzar la línea y entender de dónde venía el miedo”.

Ese origen no se queda en lo evidente. Está conectado con algo más profundo: “ese miedo estaba arraigado a nuestra cultura, a nuestros ancestros… incluso a lo que está en el territorio antes de los humanos”. Desde ahí, la película plantea un giro que descoloca: los soldados, que en principio representan el orden, terminan ocupando otro lugar dentro del conflicto. “Se supone que son los buenos, pero terminan girando… y realmente lo que están es invadiendo un lugar sagrado, profanándolo”.

A partir de esa lógica, el miedo deja de ser solo una amenaza externa y empieza a leerse como una forma de memoria.

Lejos de usar el terror únicamente como un recurso estético, Durán lo piensa como una herramienta narrativa con una función más amplia. “El miedo tiene muchas funciones en la sociedad… creemos que sentir miedo es malo, pero tal vez darnos la oportunidad de gozar de eso es bueno, reconocerlo, entender esa función”.

Desde esa perspectiva, el cine de género se convierte en una puerta de entrada. Primero aparece la emoción, la tensión, el entretenimiento; después, lo que se queda resonando. “Es una mejor elección artística poder entrarle al espectador como una especie de caballo de Troya… y una vez estás adentro, generas la reflexión”.

No se trata de imponer un discurso, sino de provocar algo que se active después.

El entorno no funciona aquí como un simple escenario. La selva atraviesa toda la experiencia, tanto dentro de la historia como en el proceso de filmación. Buitrago lo resume de forma directa: “Creo que el protagonista precisamente es el entorno… por todo el misterio que hay detrás de sus bosques, de esa selva que no se puede ver”. Pero además, esa presencia se vuelve espejo: “es como un espejo del miedo… pero también de la humanidad”.

Esa relación no se quedó en lo simbólico. El rodaje implicó una exigencia constante que transformó la forma en que los actores se vinculaban con sus personajes. “Fue un campo de entrenamiento… después de este rodaje ya nada me queda grande”, cuenta. Y en ese proceso, la línea entre personaje y actor empezó a desdibujarse: “no solo era superar los miedos del personaje, sino superar los miedos del actor”.

Gran parte de la película se filmó en condiciones que potenciaron esa experiencia. La noche, la selva, las locaciones reales generaron un desgaste físico y mental continuo. “Trabajamos un 70% de rodaje nocturno… era una exigencia no solamente física sino mental”, explica Buitrago.

A eso se sumaba algo más difícil de nombrar: “nos quedábamos en silencio tratando de conectarnos con esa selva… o con esa caverna… donde se podía sentir como ciertas presencias”. Incluso el paso por Armero, un lugar marcado por la tragedia en Colombia, dejó una sensación que atravesó el rodaje: “se siente que hay ciertas presencias rondando… y creo que eso ayudó”.

En ese contexto, la actuación se llevó a un punto límite. Buitrago recuerda una escena particularmente intensa: “estaba tan involucrado con el personaje que yo mismo dije ‘corte’ y me fui… me perdí en la oscuridad de la selva”. La experiencia no terminó ahí: “ese día no pude dormir… no supe cómo manejarlo en el momento, pero con la distancia dije: qué maravilloso”.

Porque en ese tipo de procesos, explica, es donde ocurre algo poco común: “ahí es donde el personaje aparece de verdad”.

Más allá de su lectura como cine de género, El despertar se construye desde una idea que atraviesa todo: el miedo no solo como reacción, sino como una forma de entender lo que permanece. Entre lo ancestral, el territorio y la experiencia física del rodaje, la película apunta hacia algo que no termina de irse, que sigue ahí, incluso cuando no se nombra directamente.

Y quizá por eso resulta tan difícil de definir. Porque lo que propone no es solo una historia, sino una sensación que se queda un poco más tiempo del esperado.

Regido por Venus, este signo tiene una conexión directa con el placer, pero entendido desde lo real. No se trata de excesos, sino de calidad. Comer bien, descansar mejor, rodearse de espacios que se sientan propios. Tauro encuentra sentido en lo que puede tocar, oler, habitar.

A esto se suma su elemento, tierra, que lo vuelve práctico, y su modalidad fija, que explica su resistencia al cambio. Por eso, cuando Tauro decide algo, no lo suelta fácilmente. No es capricho, es constancia.

Hablar de Tauro es hablar de estabilidad. Es el signo que construye sin necesidad de hacer ruido. Prefiere avanzar poco a poco, pero con certeza.

Tiene una relación muy clara con el presente. No se pierde en ideas abstractas ni en escenarios hipotéticos. Necesita que las cosas sean concretas, visibles, tangibles. Por eso también tiene una fuerte conexión con los sentidos: lo que ve, lo que escucha, lo que prueba.

Esa forma de experimentar el mundo también define su personalidad. Tauro es paciente, leal y persistente. Puede tardar en arrancar, pero cuando lo hace, llega lejos.

En la literatura, Tauro se reconoce fácil. Está en los textos que no buscan impresionar rápido, sino quedarse. En las historias que tienen cuerpo, ritmo y una atención especial por los detalles.

No es una escritura que se acelera. Es una escritura que se construye.

William Shakespeare es uno de los ejemplos más claros. Su obra no solo ha resistido el paso del tiempo, también sigue siendo relevante.

En textos como Hamlet, Romeo and Juliet o Macbeth, hay una construcción sólida, personajes que se sienten reales y una conexión constante con lo humano desde lo más concreto.

Además, su visión como empresario refuerza ese rasgo taurino: entendía el valor de lo que hacía y cómo sostenerlo en el tiempo.

Harper Lee representa otra cara de Tauro: la lealtad a los principios.

Su novela To Kill a Mockingbird no necesita adornos para sostenerse. Es directa, clara y profundamente arraigada en una idea de justicia que no cambia con el tiempo.

Publicó poco, pero lo que escribió fue suficiente para dejar una marca. Esa capacidad de hacer algo sólido, sin dispersarse, también es muy Tauro.

En el caso de Vladimir Nabokov, la influencia de Tauro aparece en su obsesión por la forma.

Novelas como Lolita o Pale Fire muestran una escritura minuciosa, donde cada palabra tiene un lugar específico.

Su interés por las mariposas habla de lo mismo: observar, esperar, entender la belleza desde lo concreto. No es casualidad, es una forma de mirar el mundo.

La temporada de Tauro este 2026 no viene a empujar, viene a sostener. A recordar que no todo tiene que ser inmediato para ser valioso.

Es un buen momento para enfocarse en lo que sí importa, en lo que puede crecer con el tiempo. En construir algo que no dependa de la velocidad, sino de la consistencia.

Con Moscas​ (2026), Eimbcke regresa a ese territorio, aunque desde una mirada más desgastada. La película —estrenada en la Berlinale— se centra en Olga, una mujer de mediana edad en la Ciudad de México que decide rentar una habitación ante la presión económica. La llegada de un hombre y su hijo abre una convivencia atravesada por el duelo, la enfermedad y una distancia emocional que se percibe en cada interacción.

El título funciona como una metáfora persistente: las pérdidas, los pendientes y los pensamientos intrusivos orbitan a los personajes como esas moscas que no se pueden expulsar del todo. A partir de ahí, la película articula un retrato donde lo importante no está en la acción, sino en la tensión acumulada en lo cotidiano.

En términos formales, Moscas retoma elementos clave del cine de Eimbcke: encuadres fijos, una economía de recursos deliberada y el uso del blanco y negro como extensión del estado emocional. Sin embargo, hay un desplazamiento claro respecto a Temporada de patos: si aquella encontraba en la adolescencia una pausa casi lúdica, aquí la narrativa se instala en la precariedad, en el peso concreto de sostener la vida diaria.

La película introduce distintas capas de lectura sin necesidad de subrayarlas. La crisis del sistema de salud, el costo de los tratamientos, la fragilidad económica y las tensiones de la crianza aparecen integradas en la experiencia de los personajes, sin convertirse en discurso explícito. Eimbcke se mantiene fiel a una lógica de observación: evita dictar conclusiones y permite que las relaciones se construyan desde lo ambiguo.

En ese cruce, Moscas dialoga con Temporada de patos desde una perspectiva generacional distinta. Donde antes había incertidumbre, ahora hay desgaste; donde predominaba la espera, ahora pesa la urgencia. Lo que permanece es esa capacidad de encontrar en lo aparentemente insignificante una forma de incomodidad constante.

Tras su estreno en Berlín y su paso por el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, la película se coloca como una obra coherente dentro de la trayectoria de Eimbcke: una que no busca concesiones y que entiende el cine como un espacio para observar, más que para explicar.

Del 17 al 25 de abril, Guadalajara se convierte en el epicentro de la industria cinematográfica iberoamericana. La gala inaugural no fue solo un desfile de figuras reconocidas; funcionó como una declaración de intenciones: abrir espacios de diálogo, aprendizaje y colaboración.

Sobre la alfombra roja desfilaron nombres como Luisa Huertas, Maite Alberdi, Edgar Ramírez, Pablo Larraín, Kate del Castillo y Arcelia Ramírez, entre otros, marcando el tono internacional del festival.

Uno de los primeros momentos destacados llegó con la proyección de un FICG Minuto dirigido por Eduardo Ávila, donde Cristo Fernández leyó el guion de Cronos, evocando ese vínculo esencial entre cine, texto y memoria.

Durante la ceremonia, distintas voces institucionales subrayaron el papel del cine como herramienta formativa y cultural. Desde la Universidad de Guadalajara hasta autoridades locales, el mensaje fue consistente: el FICG no solo exhibe películas, también impulsa industria y comunidad.

En esa misma línea, la directora del festival, Estrella Araiza, reforzó la idea de un espacio en constante transformación, mientras que el patronato lo definió como un territorio donde dialogan generaciones distintas del cine.

El primer gran homenaje de la noche fue para Luisa Huertas, quien recibió el Mayahuel de Plata al Cine Mexicano por una trayectoria que supera cinco décadas.

Con más de 75 obras teatrales y medio centenar de trabajos en cine, su carrera ha transitado entre títulos como Principio y fin y El crimen del padre Amaro. Desde el escenario, Huertas habló del cine como una forma de fijar la memoria, una responsabilidad que trasciende cada toma.

La noche también celebró trayectorias internacionales clave. Pablo Larraín recibió el Mayahuel Iberoamericano, reconociendo una filmografía marcada por títulos como Spencer y Jackie. Su discurso evitó el protagonismo personal para enfocarse en quienes hacen posible el festival desde lo cotidiano.

Por su parte, Maite Alberdi fue homenajeada por su mirada íntima dentro del documental, destacando obras como La memoria infinita. En su intervención, habló del cine como un ejercicio de observación más que de control.

El actor Edgar Ramírez también fue reconocido, llevando la conversación hacia el tema del exilio y la identidad. Su mensaje conectó con la experiencia migrante y el papel del cine como puente emocional y cultural.

La presencia de Chile como país invitado reforzó un diálogo que lleva décadas construyéndose. La delegación incluyó cineastas, productores y creadores de distintas áreas, consolidando un intercambio que va más allá de la exhibición: apunta a fortalecer la colaboración industrial y creativa entre ambos países.

La jornada cerró con la proyección de Moscas, la nueva película de Fernando Eimbcke. Antes de la función, el equipo compartió escenario con una mezcla de entusiasmo y memoria, recordando el paso del director por el festival desde Temporada de patos.

La inauguración del FICG 41 no se sostuvo únicamente en nombres; dejó ver la estructura colectiva que mantiene vivo al cine. Entre homenajes, discursos y primeras proyecciones, el arranque del festival confirma que las historias siguen encontrando nuevas formas de ser contadas.

Dirigida por Yasuhiro Aoki, la cinta nos lleva a un mundo futurista donde humanos y criaturas marinas conviven como parte de una misma sociedad. En ese contexto conocemos a Stephan, un joven ingeniero naval cuya rutina cambia por completo cuando aparece ChaO, una princesa del mar que no solo irrumpe en su vida, sino que le propone matrimonio casi de inmediato. A partir de ahí, la historia se mueve entre lo absurdo, lo tierno y lo profundamente humano.

Lo que podría quedarse en una premisa curiosa, en realidad se convierte en una exploración bastante clara sobre cómo nos relacionamos con lo distinto. La película pone sobre la mesa temas como la aceptación, la convivencia entre mundos opuestos y la posibilidad de encontrar conexión incluso en lo que no entendemos del todo. Todo esto sin volverse pesada, manteniendo un tono ligero que permite que la historia fluya con humor y cierta calidez.

Parte de su fuerza está en lo visual. Con más de 100 mil ilustraciones, el trabajo de animación apuesta por una mezcla entre técnicas contemporáneas y un trazo más artesanal que le da personalidad propia. No es casualidad: detrás está Studio 4°C, conocido por proyectos como Mind Game, Berserk: The Golden Age Arc y The Animatrix, todos con estilos muy definidos y arriesgados dentro del anime.

La producción corre a cargo de Eiko Tanaka, una figura clave dentro de la industria que ha estado involucrada en proyectos de gran alcance, incluyendo colaboraciones con Studio Ghibli. Esa experiencia se nota en la manera en que la película equilibra lo experimental con una narrativa accesible.

Antes de su llegada a México, la película ya llamó la atención en uno de los espacios más importantes del cine animado: el Festival de Annecy, donde recibió el Premio Especial del Jurado. Ese reconocimiento no solo habla de su calidad técnica, sino también de su capacidad para conectar desde un lugar poco convencional.

CHAO: La Sirena no intenta encajar en la típica historia romántica. Prefiere jugar con lo improbable y encontrar ahí algo cercano. Una relación que no debería funcionar, pero que poco a poco encuentra su propio ritmo. Y en ese proceso, deja una pregunta flotando que sostiene toda la experiencia: qué tan lejos estamos dispuestos a ir para entender a alguien que es completamente distinto a nosotros.

Con su mezcla de humor, sensibilidad y una propuesta visual muy marcada, la película se perfila como una de las apuestas más interesantes del anime reciente. No busca ser grandilocuente, pero sí quedarse dando vueltas un rato después de que termina.

El 11 de diciembre, el Estadio Ciudad de los Deportes en la Ciudad de México será el punto de encuentro para su nueva gira, Loop Tour, un formato que pone en el centro algo que a veces se pierde en los shows masivos: el proceso mismo de crear una canción.

Lo que distingue a este tour es el uso de la loop station, una herramienta que le permite grabar, repetir y superponer sonidos en vivo. En lugar de una banda completa, Sheeran se apoya en su guitarra, su voz y esta tecnología para ir armando cada tema capa por capa frente al público.

El resultado es una experiencia distinta. Cada canción se siente como si estuviera naciendo en ese momento. No hay una reproducción exacta de lo que ya existe en estudio, sino una versión viva que cambia según la energía del lugar.

Este formato no es nuevo en su carrera, pero ahora se presenta como el eje principal del espectáculo. Es una manera de volver a lo esencial, incluso dentro de un estadio lleno.

A lo largo de los años, Sheeran ha construido una carrera que logra algo poco común: llenar recintos enormes sin perder cercanía. Parte de esa conexión viene justamente de su forma de presentarse. Solo en el escenario, sin artificios innecesarios, logra que un espacio de miles de personas se sienta más cercano.

Ese mismo enfoque lo llevó a hacer historia en el Estadio de Wembley, donde ofreció varios conciertos consecutivos completamente agotados bajo este formato en solitario. Un recordatorio de que, incluso en la escala más grande, la simpleza puede ser suficiente.

Con más de 200 millones de discos vendidos y una presencia constante en los primeros lugares de las listas, Sheeran se ha consolidado como una de las figuras más influyentes del pop contemporáneo. Canciones como Shape Of You no solo dominaron su momento, también marcaron el ritmo de toda una década en plataformas digitales.

Su impacto se refleja en números, pero también en algo más difícil de medir: la capacidad de mantenerse relevante sin dejar de ser accesible.

Su más reciente álbum, Play, abre una etapa distinta. Hay una exploración más amplia de sonidos e influencias, pero sin perder el tono emocional que lo caracteriza. En el escenario, esto se traduce en un equilibrio entre momentos más expansivos y otros completamente acústicos.

La propuesta visual también evoluciona. Se suman nuevos efectos y una narrativa escénica que acompaña el proceso musical, sin quitarle protagonismo a lo esencial.

No es casual que el país forme parte de esta gira. México se ha convertido en uno de los públicos más sólidos para el artista en la región. Cada visita ha reforzado esa relación, con audiencias que no solo llenan recintos, sino que responden con una conexión muy directa.

La venta general de boletos comenzará el 20 de abril a las 11:00 horas a través de FunTicket. Todo apunta a que será una de esas fechas que se agotan rápido.

Más allá de los números o los récords, este concierto tiene algo particular. Es la oportunidad de ver cómo una canción se arma frente a tus ojos, en tiempo real, en un espacio que normalmente está pensado para lo opuesto. Y en esa contradicción es donde el Loop Tour encuentra su fuerza.

La presidenta Claudia Sheinbaum puso sobre la mesa este tema durante su conferencia en Palacio Nacional, tras un encuentro reciente con la autora y con Jesusa Rodríguez. La reunión, más que protocolaria, abrió una conversación íntima sobre escritura, historia y los procesos que han marcado al país.

Sheinbaum compartió que hablaron de los proyectos actuales de Poniatowska, aunque prefirió no adelantar detalles. También recordó algo más significativo: la claridad y vitalidad de la escritora a sus 94 años. Llegó por su propio pie, recorriendo sin dificultad la distancia hasta el despacho presidencial, con una lucidez que, según la mandataria, sigue intacta.

El diálogo no se quedó en el presente. Hubo un regreso natural hacia el pasado, particularmente al movimiento estudiantil de 1968, un episodio que Poniatowska convirtió en testimonio esencial con La noche de Tlatelolco. La escritora, además, mantiene un vínculo cercano con esa historia desde lo personal: conoció a Annie Pardo, madre de la presidenta, en ese mismo contexto.

En medio de esa conversación, apareció una idea que resuena más allá de la anécdota: la necesidad de preservar su archivo. No como un gesto simbólico, sino como una acción concreta frente al paso del tiempo. El acervo de Poniatowska reúne décadas de trabajo, entrevistas, crónicas y materiales que ayudan a entender cómo se ha contado México desde sus márgenes.

Hablar de resguardo implica preguntarse qué historias queremos conservar y cómo queremos que se lean en el futuro. En el caso de Poniatowska, su obra ha insistido en mirar hacia donde otros no miran, en escuchar lo que suele ignorarse. Su archivo, entonces, no es solo un conjunto de documentos, es una forma de narrar el país.

La propia Sheinbaum ha reconocido en distintas ocasiones la cercanía que siente con la autora, a quien considera una de sus escritoras fundamentales. Ese vínculo, sumado a la relevancia cultural de su trabajo, explica por qué la conversación no se quedó en lo personal, sino que se abrió hacia una preocupación más amplia: asegurar que ese legado permanezca accesible, íntegro y vivo.

Mientras tanto, Poniatowska sigue escribiendo. Y eso, en sí mismo, ya es una noticia. Porque más allá del archivo que algún día habrá que resguardar, su obra continúa en movimiento, dialogando con el presente y dejando nuevas pistas para entenderlo.

La puesta en escena, producida por Woo Teatro en colaboración con el productor Óscar Uriel y la Secretaría de Cultura, plantea un cambio central en el personaje: Lear deja de ser un rey para convertirse en un director de teatro que decide heredar su compañía a sus hijas. A partir de esta decisión, se desarrolla un conflicto que cuestiona la relación entre poder, afecto y verdad. Un padre divide su legado entre sus hijas —Goneril, Regan y Cordelia— con base en declaraciones de amor que resultan engañosas. A partir de ello, se despliegan temas como la traición, el despojo y el deterioro emocional del personaje principal, elementos que han sostenido la vigencia de la obra a lo largo del tiempo.

En esta versión, el montaje se enfoca en la tensión entre la autenticidad artística y un entorno donde predominan las dinámicas de validación y reconocimiento. La propuesta escénica opta por un enfoque minimalista que pone el acento en las relaciones entre los personajes y en la pérdida de control del protagonista.

El elenco está encabezado por el primer actor Luis de Tavira en el papel de Lear. Lo acompañan Diana Sedano como Cordelia y el Bufón; Mariana Gajá y Mayra Batalla como Goneril y Regan; Mauricio García Lozano como Gloucester; Mariana Giménez como Kent; Alejandro Morales como Edmundo; Raúl Villegas como Edgar; Roberto Pichardo en múltiples roles; y David Calderón como el Duque de Albany.

Para Tavira, la obra mantiene una vigencia directa al confrontar al espectador con los límites del poder y la fragilidad humana. En la misma línea, Rogel subraya que el personaje de Lear enfrenta una verdad que lo obliga a cuestionar su lugar en el mundo.

El equipo creativo incluye a Javier Ángeles en escenografía, Patricia Gutiérrez en iluminación, José Manuel Majul en vestuario, Ana Isabel Vallejo en diseño de imagen y Hans Warner en la música original.

La temporada tendrá funciones jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00. Los boletos van de $375 a $750 pesos, con fases de preventa disponibles hasta el 7 de mayo a través del sitio oficial del Centro Cultural Helénico y en taquilla.

Detrás está Warner Bros., que busca recuperar el pulso de una saga que, incluso con tropiezos recientes, sigue siendo una de las más queridas del cine fantástico.

La película se ubicará en un momento muy específico: justo antes de que comience el viaje de Frodo en La comunidad del anillo. Es un fragmento de la historia que en pantalla casi no se ha explorado, pero que en los libros funciona como una pieza clave.

Aquí, la tensión no viene de una guerra abierta, sino de algo más estratégico. Gandalf sabe que Gollum puede revelar información crucial sobre el Anillo Único. Por eso, pone en marcha una búsqueda: Aragorn deberá encontrarlo antes de que caiga en manos de Sauron.

Es una historia de rastreo, de decisiones tomadas en silencio y de personajes moviéndose en los márgenes. Más contenida, pero no menos importante.

We’ve been waiting for you, precious. The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum only in theaters 17 December 2027. pic.twitter.com/FuD8Bh8cpl

El regreso más significativo es el de Andy Serkis, quien no solo volverá a interpretar a Gollum, sino que también dirigirá la película. Su relación con el personaje es casi inseparable, y ahora tendrá la oportunidad de explorarlo desde otro ángulo.

Además, el proyecto reúne nuevamente a nombres clave de la saga original. Peter Jackson regresa como productor, junto a Fran Walsh y Philippa Boyens, quienes trabajan en el guion con un equipo más joven.

La intención es clara: mantener la esencia, pero abrir espacio a nuevas lecturas dentro del mismo universo.

En pantalla también habrá regresos importantes. Ian McKellen volverá como Gandalf y Elijah Wood retomará su papel como Frodo. A ellos se suma Lee Pace como Thranduil.

Pero no todo es familiar. Aragorn ya no será interpretado por Viggo Mortensen, sino por Jamie Dornan, marcando uno de los cambios más visibles. También se integran Kate Winslet, quien dará vida a un nuevo personaje llamado Marigol, y Leo Woodall como Halvard.

El equilibrio entre caras conocidas y nuevas incorporaciones parece ser parte de la apuesta: conectar con quienes crecieron con la saga, sin quedarse atrapados en ella.

Aunque no está completamente confirmado, hay indicios de que esta historia podría dividirse en dos entregas. Tiene sentido si se considera el tipo de narrativa que plantea: más detallada, más centrada en personajes y en procesos que en grandes eventos.

Por ahora, el rodaje ni siquiera ha comenzado, así que habrá que esperar para ver las primeras imágenes. Pero la intención ya está clara: volver a ese momento en el que todo pudo haber tomado otro rumbo.

La cita es a las 19:00 horas en la Plaza de la Constitución. La entrada es libre, pero todo apunta a que habrá lleno total, así que la logística será clave si quieres disfrutarlo sin estrés.

El evento se realizará el jueves 30 de abril en el Zócalo capitalino. La fecha no es casual. Se eligió como cierre del festival infantil organizado por el gobierno de la ciudad, que durante varios días activará el espacio con actividades para niñas, niños y familias.

El anuncio fue hecho por Clara Brugada, como parte de una estrategia para recuperar el espacio público con eventos culturales masivos y accesibles.

El espectáculo retoma el formato que ha hecho de 31 Minutos algo más que un programa infantil. En el escenario aparecerán personajes como Tulio Triviño, Juan Carlos Bodoque y Juanín Juan Harry, con un show que mezcla música en vivo, humor y ese tono absurdo que conecta igual con niños que con adultos.

El repertorio incluye canciones que se han vuelto parte de la cultura pop, esas que muchos crecieron viendo en televisión y que hoy siguen circulando en playlists y redes.

Para un evento de este tamaño, el mayor reto no es conseguir lugar, sino llegar bien. Se prevén cierres viales en el Centro Histórico desde horas antes, especialmente en calles como 5 de Mayo, Madero, 20 de Noviembre y accesos cercanos al Zócalo.

Si no planeas asistir, lo mejor es evitar la zona. Si sí vas, el transporte público es la opción más práctica. La estación Zócalo/Tenochtitlan podría cerrar, así que conviene bajarse en puntos cercanos como Pino Suárez, Allende o Isabel la Católica, Bellas Artes y caminar.

Como rutas alternas, puedes considerar Eje Central, Fray Servando, Izazaga o Circunvalación para rodear el área.

Desde su estreno en 2003, 31 Minutos encontró una forma distinta de hablarle a la infancia. No subestima, no simplifica de más. Juega con la sátira, la música y un humor que muchas veces apunta directo a los adultos.

En México, su impacto creció con las retransmisiones en televisión pública. Con el tiempo, los shows en vivo consolidaron una comunidad que ya no depende de la edad. Hay quienes crecieron con el programa y ahora regresan con nuevas generaciones.

Este concierto en el Zócalo no es solo un evento gratuito. Es también una forma de ver cómo ciertos proyectos culturales logran mantenerse vigentes y seguir generando conversación, memoria y, sobre todo, ganas de cantar en colectivo.

La cita en la Ciudad de México marcará el retorno de Dimitri Thivaios y Michael Thivaios, quienes se erigen como una de las propuestas más influyentes dentro de la escena electrónica global.

Desde su irrupción en 2007, los hermanos de origen belga han destacado por su estilo orientado al big room house y por encabezar algunos de los festivales más importantes del circuito internacional.

Reconocidos como figuras centrales de Tomorrowland, los DJs han alcanzado el primer lugar del ranking global de DJ Mag en dos ocasiones, además de mantenerse durante años entre los nombres más influyentes del género. 

Su catálogo incluye colaboraciones con artistas como Martin Garrix, Tiësto y Ne-Yo, con temas que han acumulado millones de reproducciones en plataformas digitales.

El show está previsto para el 31 de octubre en pleno Halloween y seguramente lograrán replicar la fórmula que los ha llevado a llenar estadios: una combinación de beats contundentes, visuales de gran formato y una producción diseñada para convertir cualquier recinto en una experiencia inmersiva. 

En esta ocasión, la Plaza de Toros México —con capacidad para más de 37 mil asistentes— será el escenario de uno de los eventos electrónicos más esperados del cierre de año en la capital.

El concierto está programado para el 31 de octubre a las 20:00 horas y los boletos ya se encuentran disponibles a través de sistemas de Super Boletos. 

José Revueltas. 

José traía Revueltas desde la cuna y sin proponérselo, ese mismo sería su legado. Escritor, pensador y activista pero sobre todo humano, demasiado humano el niño que nació en Santiago Papasquiaro, Durango y que creció con una de las partes más turbulentas del siglo XX supo desde muy corta edad lo que era luchar por la libertad.

Miembro de una familia de prolíficos artistas –su hermano Silvestre fue un importante compositor, perteneciente a la etapa del «nacionalismo»; Fermín fue uno de los primeros muralistas y  Rosaura Revueltas fue actriz, bailarina y escritora– era casi imposible que José no dejara su huella izquierda en el pavimento fresco de la historia que se construía en el México posrevolucionario. 

"Si luchas por la libertad tienes que estar preso, si luchas por alimentos tienes que sentir hambre".

Cuando tenía 15 años, en 1929, se unió al Partido Comunista Mexicano (PCM) y tras su participación en un mitin en el Zócalo el joven José fue detenido, arrestado y acusado de sedición y motín, por lo que fue enviado seis meses a una correccional.

No sería la única vez que pisaría la cárcel. En 1932, sería enviado de julio a las Islas Marías y en 1934, después de organizar una huelga de peones agrícolas en Camarón, Nuevo León, volvería a lo que en un futuro sería el título de la obra Los muros de agua. 

Para noviembre de 1968 –año de la fatídica Masacre de Tlatelolco– Revueltas fue encarcelado en el Palacio Negro de Lecumberri donde estuvo preso hasta 1971, acusado de ser el "ideólogo” o autor intelectual del movimiento estudiantil. De esto, el escritor Carlos Monsiváis en su libro “Escribir, por ejemplo: de los inventores de la tradición” cita a José Revueltas en una carta donde le solicita al entonces jefe de la policía del otrora Distrito Federal, Luis Cueto Ramírez, le cumple su último deseo:

"Dicen los periódicos que se me acusa de ser el responsable intelectual del movimiento estudiantil. Al margen de la realidad de estas afirmaciones, lo cierto es que soy un perseguido y que seguramente mi vida corre peligro (...) puntualmente le pido mi último deseo, con toda la cortesía de la que soy capaz. Estimado señor: le solicito a usted que vaya y chingue definitivamente a su madre. Le agradezco de antemano la respuesta afirmativa a mi petición".

La obra de José Revueltas comenzó en 1941 con Los muros de agua. En 1943 publicó El luto humano, con la que obtuvo el Premio Nacional de Literatura. Posteriormente aparecieron Dios en la tierra y Los días terrenales. Esta última generó tantas críticas que llevaron al propio autor a retirarla de circulación durante varios años.

Sin embargo, y de vuelta en la carrera, en la década de 1950 publicó En algún valle de lágrimas, Los motivos de Caín y Dormir en tierra y para 1964 apareció Los errores.

Por supuesto que su experiencia como activista se reflejó de manera directa en su obra. En El apando, describe la vida de tres presos que intentan introducir drogas al penal. Cuando los descubren son llevados a la celda de castigo conocida como el apando, una cárcel dentro de otra cárcel, donde quien entra ahí es conducido a los límites de los que es capaz su humanidad. Los protagonistas, Polonio, Albino y El Carajo, son seres a los que Revueltas conoció durante su confinamiento. 

Novelas, cuentos, teatro y ensayos políticos como México: democracia bárbara, 1958 o Ensayo sobre un proletariado sin cabeza, 1962 son muestra de una relación constante entre escritura y análisis social.

Aunque no es considerado como un filósofo en varios círculos académicos de la Filosofía en México, lo cierto es que Revueltas, dejó una marca en a su modo, en la madre de todas las ciencias.

En su libro “Los días terrenales”, José Revueltas hace una declaración al estilo más puro del existencialismo de Albert Camus. Dios, Justicia, Libertad y Amor, son absolutos que contribuyen a que el ser humano no termine de darse cuenta de su inutilidad en el mundo. 

“Ninguna creencia en absolutos. ¡A la chingada cualquier creencia en absolutos! Los hombres se inventan absolutos, Dios, Justicia, Libertad, Amor, etcétera, etcétera, porque necesitan un asidero para defenderse del Infinito, porque tienen miedo de descubrir la inutilidad intrínseca del hombre. Sí, lo asombroso no es la inexistencia de verdades absolutas, sino que el hombre las busque y las invente con ese afán febril, desmesurado, de jugador tramposo, de ratero a la alta escuela. En cuanto cree haber descubierto esas verdades, respira tranquilamente. Ha hecho el gran negocio. Ha encontrado una razón de vivir. ¡Bah! Hay que decirlo a voz en cuello: el hombre no tiene ninguna finalidad, ninguna «razón» de vivir. Debe vivir en la conciencia de esto para que merezca llamarse hombre”.

El poeta infrarrealista, Mario Santiago Papasquiaro –que tomó su nombre del lugar de origen de Revueltas– confesó su cercanía intelectual con el escritor duranguense  y la izquierda mexicana. 

Los “infras” compartían con Revueltas una visión de la literatura vinculada con la realidad social. Consideraban que el trabajo literario no debía separarse de una postura crítica y coincidían en la necesidad de cuestionar las estructuras establecidas dentro del ámbito cultural.

Han pasado 50 años de Revueltas, desde que falleció en la Ciudad de México en 1976 y desde entonces sigue siendo una referencia en la literatura y el pensamiento en México. Su trayectoria muestra una relación constante entre escritura, militancia y reflexión crítica, una que hace falta en cada día de nuestras vidas. 

A lo largo de los años, Pulso ha entendido algo clave: la música se vive distinto cuando se comparte. Esa energía colectiva ha convertido al festival en un ritual anual dentro del Bajío, donde el rock convive con sonidos alternativos, electrónicos y propuestas emergentes que mantienen fresca la experiencia.

Dentro del cartel, hay una figura que acapara la conversación desde el primer anuncio: Robbie Williams.

Hablar de Williams es hablar de uno de los performers más magnéticos que ha dado el pop en las últimas décadas. Su historia arranca con Take That, pero fue en solitario donde construyó una carrera que combina irreverencia, vulnerabilidad y un dominio absoluto del escenario. Temas como Angels, Feel o Rock DJ forman parte de un repertorio que conecta con distintas generaciones.

En 2026 volvió a sacudir la industria con BRITPOP, álbum que lo llevó a alcanzar su disco número 16 en el primer lugar del Reino Unido, una marca que lo coloca en un terreno reservado para muy pocos. Ese dato no es decorativo: habla de permanencia, de evolución y de una relación con el público que se mantiene viva.

Su presencia en Pulso GNP tiene un peso especial. Será una de las pocas oportunidades de verlo fuera de la capital, en un formato de festival donde su show puede adquirir otra dimensión: menos distancia, más cercanía, miles de voces acompañando cada canción.

El festival sostiene su esencia con nombres que han marcado la música en México y fuera de él. Caifanes regresa con ese sonido que sigue atravesando generaciones, mientras La Gusana Ciega mantiene su lugar como referente del rock alternativo nacional.

Desde Escocia llega Travis con su carga melancólica, y en el terreno nacional aparecen actos como José Madero, Fobia y DLD, cada uno con una base de seguidores sólida y una narrativa propia sobre el escenario.

El festival también abre espacio a nuevas corrientes: el folk íntimo de Kevin Kaarl, el R&B contemporáneo de NSQK y la energía electrónica de Deorro. A esto se suman propuestas que empujan desde lo emergente como Bruses, Malcriada y Kevis y Maykky.

El resultado es un cartel que no se encasilla: se mueve entre nostalgia, actualidad y descubrimiento.

Pulso GNP ha crecido entendiendo que la experiencia no termina en la música. El festival integra zonas gastronómicas, espacios culturales, áreas de descanso y activaciones que invitan a recorrer el recinto sin prisa. Querétaro, con su ubicación estratégica a pocas horas de la Ciudad de México, se convierte en un destino completo para quienes buscan extender el viaje.

La ciudad ha ganado terreno como punto clave para conciertos en el país, y eventos como este terminan por consolidar esa posición.

El 10 de octubre no será una fecha más. Será el día en que miles de personas coincidan en un mismo lugar para cantar, descubrir y dejarse llevar por un cartel que encuentra su punto más alto con Robbie Williams al frente.

El Pulso GNP vuelve a latir. Y este año, lo hace más fuerte.

La historia encuentra uno de sus puntos más interesantes en la forma en que construye ese conflicto. Cuando el espectador descubre el secreto, la primera reacción puede inclinarse hacia el escepticismo o incluso a percibirlo como algo exagerado. Sin embargo, la película lo sitúa dentro de un contexto social muy específico: Estados Unidos y su relación con las armas. Este elemento añade una carga cultural que transforma el conflicto en algo más complejo. Para ciertos públicos, esa dimensión puede resultar lejana, lo que impacta directamente en el nivel de conexión con la historia.

A partir de ahí, la película abre una pregunta que sí atraviesa cualquier contexto: ¿hasta qué punto es válido juzgar a una pareja por lo que fue antes de la relación? Ese cuestionamiento se convierte en el verdadero motor del relato. Las relaciones comienzan a tensarse, y lo que parecía firme empieza a resquebrajarse cuando la percepción que se tiene del otro cambia.

El guion también expone una dinámica incómoda: personajes que adoptan posturas morales rígidas frente a situaciones que, en otro momento de sus vidas, también pudieron haber protagonizado. Esa mirada evidencia cierta hipocresía colectiva que la película utiliza para incomodar al espectador y obligarlo a reflexionar sobre sus propios juicios.

En cuanto a las actuaciones, Pattinson y Zendaya sostienen la película con una química creíble. La cercanía entre sus personajes se siente natural en los momentos de calma, mientras que la tensión se vuelve palpable cuando aparecen las dudas. Esa dualidad emocional mantiene el interés incluso cuando la narrativa pierde fuerza.

El principal tropiezo se encuentra en el ritmo. La historia insiste demasiado en su conflicto central y tarda en expandir sus posibilidades. Las subtramas se asoman con lentitud, lo que provoca una sensación de estancamiento durante buena parte del metraje. Es hasta el tercer acto cuando la narrativa parece tomar dirección, aunque para ese punto el cierre llega con rapidez.

El drama encuentra momentos efectivos en su mezcla de comedia y tensión emocional, dejando preguntas incómodas sobre los límites de la honestidad y lo que cada persona está dispuesta a revelar de sí misma. Una película que funciona mejor cuando se enfoca en sus personajes que cuando intenta sostener su conflicto principal durante demasiado tiempo.

El nombre de Aaron Paul está inevitablemente ligado a Breaking Bad, donde interpretó a Jesse Pinkman, un personaje que evolucionó de ser un socio secundario dentro del negocio de Walter White a convertirse en el eje emocional de la historia.

A lo largo de la serie, Jesse representó el conflicto humano dentro de un entorno dominado por la ambición, la violencia y el poder. Su transformación —marcada por la culpa, la pérdida y la búsqueda de redención— aportó una dimensión emocional que contrastaba con la frialdad estratégica de Walter White. Esta dualidad fue clave para que la narrativa de la serie trascendiera el género criminal y se posicionara como un referente en la televisión moderna.

La interpretación de Paul fue ampliamente reconocida, obteniendo cinco nominaciones al Emmy y ganando tres veces como Mejor Actor de Reparto. Su impacto fue tal que el personaje regresó en Better Call Saul y encontró un cierre definitivo en El Camino: A Breaking Bad Movie, donde se profundiza en las consecuencias psicológicas de su historia.

Lejos de quedarse encasillado, Aaron Paul ha construido una trayectoria marcada por la versatilidad. En Westworld se integró a un universo complejo de ciencia ficción, mientras que en Black Mirror, particularmente en el episodio “Beyond the Sea”, entregó una de sus actuaciones más comentadas en años recientes.

También exploró el drama en Truth Be Told y encabezó una narrativa introspectiva en The Path. En cine, protagonizó Need for Speed, llevando su presencia a una audiencia global.

En el terreno de la animación, dio voz a Todd Chavez en BoJack Horseman, personaje que se convirtió en uno de los favoritos del público por su energía caótica y su profundidad inesperada. Además, participó como productor ejecutivo, ampliando su rol dentro de la industria.

Durante su visita a la CCXPMX 2026, Aaron Paul participará en paneles programados para el viernes 24 y sábado 25 de abril. Los asistentes también tendrán la oportunidad de acceder a sesiones de fotos y firma de autógrafos, experiencias que suelen convertirse en uno de los momentos más buscados del evento.

Los boletos para la convención ya se encuentran disponibles a través del sitio oficial, mientras que las dinámicas para fotos y autógrafos serán gestionadas próximamente mediante Ticketmaster.

Con esta confirmación, la CCXPMX 2026 refuerza su posicionamiento como un punto de encuentro clave para los seguidores del entretenimiento, reuniendo talento que ha definido el rumbo de la televisión y el cine en los últimos años.