A través del "Concurso de Arte Rarámuri Cu4tro Soles", desarrollado junto con la Secretaría de Pueblos y Comunidades Indígenas del Gobierno del Estado de Chihuahua y el FODARCH (Fomento y Desarrollo Artesanal de Chihuahua), la marca invita a artistas visuales, diseñadores, ilustradores y creadores mexicanos a presentar propuestas inspiradas en la cultura Rarámuri.

El diseño ganador se convertirá en la etiqueta frontal de una edición especial de Cu4tro Soles Blend Tinto de 750 ml. La pieza llegará a restaurantes, mesas y espacios gastronómicos como representación del talento nacional y de la riqueza simbólica de las comunidades indígenas del país.

La cultura Rarámuri, con su fuerza simbólica, espiritual y estética, es el punto de partida para las propuestas, que deben integrar autenticidad, expresión cultural y conexión con la vida cotidiana.

El concurso está abierto a personas mexicanas mayores de 18 años dedicadas al arte, el diseño, la ilustración o las actividades artesanales. Cada participante puede registrar una obra original e inédita, adaptada al formato de etiqueta vertical de la botella.

La convocatoria inició el 9 de junio de 2026 y cierra el 9 de agosto de 2026. Después, un jurado integrado por representantes de Cu4tro Soles y de la Secretaría de Pueblos y Comunidades Indígenas evaluará las propuestas según su creatividad, originalidad, representación cultural y relación con la marca.

Los tres primeros lugares recibirán premios económicos: 35 mil pesos para el primer lugar, 10 mil para el segundo y 5 mil para el tercero. Además, el diseño ganador tendrá presencia en campañas de comunicación, plataformas digitales y materiales promocionales de la marca, como parte de una edición limitada.

Las bases completas del concurso están disponibles en la página oficial de Valle Redondo: https://valleredondo.com.mx/concurso/

Y en su más reciente película, Minions & Monstruos, llevan el pastiche a un nivel digno de la época dorada de Hollywood, donde se mezclan los grandes relatos de la humanidad, el terror cósmico, el movimiento sufragista, invasiones extraterrestres y muchísimas referencias al cine occidental.

Agradezco a Nutri y a Universal Pictures México por invitarme al gran estreno de Minions & Monstruos, una divertida experiencia que, a simple vista, parece sólo dibujitos.

La posmodernidad es un movimiento cultural, filosófico y artístico de la segunda mitad del siglo pasado que se caracterizó por cuestionar todo: el progreso, la religión, las mitologías y el orden social lineal e institucionalizado. En su lugar acepta el caos, la diversidad, las múltiples verdades, perspectivas y una fragmentación de las condiciones de vida. Algo muy Minion, ¿no?

Dentro de la posmodernidad surgió el pastiche, una expresión artística que imitaba y recreaba estilos del pasado por el puro placer de mezclarlos. El pastiche es un recurso estético que funciona como homenaje; recrea, reutiliza y dialoga con otras obras. Por ejemplo, los memes, la moda vintage, los samples en la música, y por supuesto: Minions & Monstruos, desde sus protagonistas hasta la narrativa de toda la película.

Los Minions son criaturas cuya función vital es servir al villano más despreciable de cada época; esa búsqueda milenaria para encontrar a su “jefazo” los lleva a recorrer el mundo, conociendo y aprendiendo de diferentes culturas y estilos de vida, algo que se refleja en su idioma, una mezcla de español, francés, italiano, japonés, coreano e inglés. El “minionés” es un pastiche lingüístico y cultural.

La psicóloga estadounidense Lera Boroditsky afirma que, «los hablantes de diferentes idiomas perciben el mundo de manera diferente... El lenguaje influye en cómo navegamos, cómo contamos, cómo percibimos el color, cómo conceptualizamos el tiempo e incluso cómo culpamos a otros por los accidentes".» 

Y eso es algo bien claro en los tres Minions protagonistas: James, Henry y Ed; que, bajo los valores de la posmodernidad, cuestionan y replantean sus tradiciones y su misión en la vida; encuentran en las historias y el cine una forma de expresar sus inquietudes y experiencias que vivieron con los villanos a los que sirvieron.

Fuente: IMDb

En Minions & Monstruos aparece una referencia tras otra: George Lucas, los hermanos Warner, Chaplin, las criaturas de Lovecraft, la primera ola feminista, el cine western, el cíclope Polifemo, María Antonieta y su cabeza rodante, robots alienígenas y muchas más, ¡eso es el pastiche!

La película escrita por Brian Lynch y Pierre Coffin integra este recurso posmoderno para homenajear la época dorada de Hollywood: el nacimiento del cine sonoro, las producciones centralizadas en los grandes estudios como MGM, Warner Bros y Paramount, la innovación tecnológica y la especialización de los géneros que hoy en día seguimos consumiendo.

Y aquí está la trampa y el gran acierto de esta película; a pesar de estar ambientada en la Alta Modernidad (lo años 20), los Minions son profundamente posmodernos, por eso, cómo lo menciona la guía del museo, son los grandes pioneros y revolucionarios del cine.

El filósofo francés Jean-François Lyotard, afirma que la posmodernidad se caracteriza por la incredulidad hacia los grandes relatos, ese sistema de creencias absolutas que proliferaron en el siglo XIX y parte del XX, una narrativa amplia que pretende explicar el funcionamiento del mundo y orientar la acción humana. 

Los, también llamados, metarrelatos aspiraban a ser válidos para todos, justificaron instituciones, leyes y formas de conocimiento, prometían el progreso, la emancipación o la salvación; entonces, llega la posmodernidad y derriba esas ilusiones para darle paso al caos y a la diversidad, ¡algo muy Minion!

Minions & Monstruos aprovecha la crisis de los grandes relatos para hacer un pastiche que homenajea con humor lo sacro del cine y literatura moderna: derriban a Polifemo con una pieza de lego, decapitan a una reina por accidente, invocan una versión tierna de Cthulhu, una feminista se enamora de un robot extraterrestre, todo en medio de múltiples referencias a personajes, películas y momentos históricos.

James, Henry y Ed son los protagonistas de esta película, tres Minions muy posmodernos que se atreven a cuestionar la institucionalidad de su misión en la vida; ellos encuentran en la creatividad y la imaginación un escape al rutinario servicio hacia el villano en turno. Eso les trae rechazo, son desplazados e ignorados, haciendo del arte un refugio donde pueden ser auténticos y hacer crecer su amistad.

Cuestionar los grandes relatos, mayormente tiene como consecuencia la resistencia por parte de las personas más tradicionales o conservadoras; eso es lo más conmovedor de la película producida por Universal Pictures: la autenticidad como motor creativo y la amistad como parte esencial para lograr cualquier objetivo.

¡Ya sé! Se escucha muy cursi, y en cierta forma también legitima el metarrelato de “el poder de la amistad”, pero eso también es parte del pastiche: introducir una moraleja clásica dentro de una película llena de referencias, humor y cuestionamientos para resaltar la importancia de la lealtad y vida en comunidad, ¡“bienvenides” a la posmodernidad!

Otros personajes que también son muy posmodernos son Dort y Debbie que tienen un amorío encantador, sumamente simbólico… Y aquí sí me voy a poner interpretativo: 

Fuente: RR. SS. Universal Pictures México

Una mujer sufragista, con consciencia de clase, activista, revolucionaria, se siente atraída por un robot extraterrestre porque ningún hombre de este planeta aceptaría las ideas y prácticas feministas por las que Debbie luchaba y se manifiesta.

Esta relación también es un pastiche, la primera ola feminista se une con el futurismo para cuestionar las ideas rancias del machismo conservador de una manera muy romántica. Dime si esto no es muy “posmo”. 

Fuente: IMDb

Y por último, el homenaje a los grandes relatos de Lovecraft: Goomi es la versión tierna del mítico Cthulhu, y los otros dos monstruos llevan los nombres de su creador: Philips y Howard, sin olvidar a Miranda que su nombre en inglés es Eyerene, un juego de palabras entre “eye” (ojo) e “Irene” diosa griega de la paz y la armonía, una irónica relación entre el caos y la divinidad.

Minions & Monstruos es un excelso pastiche, que si aún no la vez, te invito a que te escapes al cine para disfrutar de este gran homenaje al cine norteamericano que tuve el privilegio de disfrutar por la invitación de Nutri y Universal Pictures México, ¡muchas gracias!

IG del autor: @pepe.moss

La señal viajó en vivo a 72 países y alcanzó una audiencia calculada en mil 900 millones de personas en unos 150 países, una cifra que convirtió a esa jornada en una de las transmisiones más vistas en la historia de la televisión. Nadie imaginaba entonces, cuando arrancó el primer acorde, que esas 16 horas terminarían por definir el papel del rock como fuerza capaz de movilizar al mundo entero.

Por los escenarios pasaron Queen, U2, The Beach Boys, Dire Straits, Black Sabbath, Led Zeppelin, Judas Priest y The Who, además de figuras como Mick Jagger, Tina Turner, George Michael, Bryan Adams, Eric Clapton, Sting, Phil Collins, David Bowie, Elton John, Bob Dylan y Paul McCartney. Sin embargo, la actuación más icónica fue la de Freddie Mercury dominando a las 72 mil personas de Wembley mientras coreaban un “EEEEEEEOOOOO” que ha trascendido generaciones. 

No obstante, el espectáculo solo era el pretexto para visibilizar una emergencia real. A mediados de los años ochenta, la región conocida como el Cuerno de África atravesaba una severa hambruna que golpeó particularmente a Somalia y Etiopía; solo en Etiopía, casi un millón de personas murieron entre 1984 y 1985. Ante ese escenario, el músico irlandés Bob Geldof impulsó, junto con Midge Ure, la organización del concierto con un fin exclusivamente solidario. El resultado superó cualquier cálculo: Live Aid consiguió recaudar más de 100 millones de dólares, destinados al fondo de ayuda para las víctimas de la hambruna en África.

El impacto del concierto trascendió los lugares donde se realizó, lo que llevó a que, a partir del año siguiente, el 13 de julio quedara declarado como el Día Mundial del Rock, en reconocimiento tanto al evento como a la capacidad de convocatoria que logró por razones humanitarias. 

Así, la efeméride funciona como recordatorio de que la música puede ser entretenimiento y, al mismo tiempo, una herramienta capaz de movilizar recursos y conciencia a escala mundial.

Iñárritu, por su parte, ha explicado que la idea de "Digger" surgió justo después de terminar "El renacido", como una obsesión recurrente sin guion ni estructura definida. El cineasta asegura que necesitó una década completa para encontrar la manera correcta de contar esta historia, que describe como "absurda, peligrosa, pero ciertamente cómica", partiendo de la premisa de que la gran comedia nace de la tragedia.

En la cinta, Cruise da vida a Digger Rockwell, un magnate petrolero al que Iñárritu describe como "el hombre más poderoso del mundo". El personaje provoca un desastre ecológico que podría derivar en un conflicto nuclear, y luego se erige como el único capaz de resolver la crisis que él mismo desató. Para el papel, el actor adoptó un marcado acento sureño, panza pronunciada y una notable transformación física que lo aleja por completo de sus roles habituales de acción.

La película fue rodada en VistaVision, formato que Iñárritu eligió junto al director de fotografía Emmanuel Lubezki —colaborador habitual del cineasta en "Gravedad", "Birdman" y "El renacido"— con el objetivo de aprovechar al máximo la experiencia en pantalla grande. 

El reparto incluye a Sandra Hüller, John Goodman como presidente de Estados Unidos, Riz Ahmed, Michael Stuhlbarg, Jesse Plemons, Sophie Wilde, Emma D'Arcy, Robert John Burke y Burn Gorman. 

El guion fue escrito por Iñárritu junto a Nicolás Giacobone y Alexander Dinelaris, ambos ganadores del Oscar junto al director por "Birdman", además de Sabina Berman, quien regresa al cine tras casi una década de ausencia.

"Digger" llega en un momento importante. Y es que, la película retrata a un hombre que concentra riqueza y poder, provoca una catástrofe con sus decisiones, y luego se corona como el único capaz de salvarnos de ella. El patrón es el que ya conocemos de quienes controlan los grandes capitales, rara vez asumen el papel de villanos en el relato que ellos mismos construyen; se presentan, una y otra vez, como los héroes indispensables frente al desastre que originaron. Mientras tanto, el resto de la sociedad observa desde fuera, sin voz en las decisiones que determinan su porvenir. 

Zamora describe a su personaje como una figura casi militar: estricta, regañona, poco tolerante con sus estudiantes. Pero frente a Carrie, esa dureza de Gardner se transforma. Carrie despierta en un instinto maternal que no muestra con nadie más, y es justamente esa grieta en su carácter la que le permite darse el espacio de escuchar a la protagonista, algo que casi ningún otro personaje hace a lo largo de la historia.

La actriz describe esta puesta en escena como una adaptación fiel al material original, aunque con personajes ligeramente menos intensos que en el libro. El eje que domina esta versión es el bullying, acompañado de efectos especiales que refuerzan la experiencia. Aunque la ficha técnica de la obra la clasifica como musical de terror, Zamora matiza esa etiqueta: para ella, lo que domina el escenario no es el terror en sentido estricto, sino el suspenso, el drama y una carga emocional intensa. Lo que sorprende, dice, es que todo esto lo cantan actores jóvenes, algo que añade una capa de vulnerabilidad al montaje.

Para Majo, montar este musical ahora tiene sentido precisamente porque la novela, a pesar de sus años, no ha perdido actualidad. El bullying que atraviesa la trama es, en esta versión, particularmente fuerte, y funciona como espejo de algo que la actriz considera preocupante: la normalización de la crueldad cotidiana, que puede tener consecuencias tremendas, a veces incluso mortales.

Zamora ve con optimismo la tendencia reciente de puestas en escena que abordan la salud mental de manera directa. Le parece notable que el teatro pueda convertirse en un lugar donde hablar abiertamente de lo que un comentario dañino puede provocar en otra persona, sobre todo porque, como ella misma señala, nunca se sabe a quién se está lastimando: todos libramos batallas internas que no siempre son visibles. En ese sentido, insiste en la importancia de escuchar de verdad, algo que su personaje termina haciendo con Carrie. También menciona un fenómeno más contemporáneo: el efecto nocivo de las redes sociales y la comparación constante que fomentan, un daño que golpea con particular fuerza a las nuevas generaciones.

Entre risas, la actriz reconoce cierto parecido con su personaje: a ella también suelen percibirla como seria y regañona, pero cuando alguien le importa de verdad, intenta escuchar y ayudar. Interpretar a Gardner, dice, terminó siendo un ejercicio casi especular.

Al frente del proyecto está Iván Mendoza Ríos, quien además de dirigir la obra la adaptó y participó como letrista de las canciones del musical. Según Zamora, Mendoza dedica un trabajo minucioso de preparación con el elenco joven, con ejercicios pensados para ayudarles a transmitir el peso emocional y el suspenso que la historia necesita comunicar. La intimidad del Foro Shakespeare, un espacio pequeño y cercano, resulta particularmente adecuada para este tipo de propuesta.

Majo quiere que la audiencia salga de la sala con algo de tensión genuina, no como efecto gratuito, sino como punto de partida para una reflexión real. Su deseo es que las personas mejoren sus relaciones cotidianas, en casa, en la escuela, en el trabajo, partiendo de una idea simple: no cuesta nada ser buena persona. Como dice uno de los personajes de la obra, toda persona tiene una historia que vale la pena escuchar.

La colaboración no es menor. Rodrigo se convierte en la primera artista musical en recibir múltiples sets de LEGO dedicados, incluyendo cinco minifiguras que recrean sus looks más icónicos en el escenario —cada una con dos expresiones faciales distintas. Participó activamente en el proceso de diseño, lo que se nota: los sets están cargados de easter eggs que solo tienen sentido si conoces su obra. El megáfono rojo de la gira GUTS, los cuadernos manuscritos, las flores con significados ocultos, guiños a su herencia filipina. No es merchandising genérico; es el lenguaje visual de tres álbumes traducido a piezas de construcción.

Dos sets concentran mejor esa lógica.

El LEGO Editions Luna de Concierto de Olivia Rodrigo (43029) parte de uno de los momentos más virales de la gira GUTS World Tour: la escena en que Rodrigo se eleva sobre la multitud montada en una luna gigante. Son 670 piezas que materializan ese instante en una pieza de exhibición. Precio: 1,199 pesos. La Guitarra Doble (43031) es el set más ambicioso: 1,228 piezas, 50 cm de altura, diseño dividido entre guitarra acústica y eléctrica —una síntesis visual de las dos caras de su música, del pop adolescente de SOUR al rock más áspero de GUTS. Precio: 2,799 pesos.

Los otros tres sets completan el mapa de su carrera: el Vinilo (43028), 360 piezas con referencias a sus tres álbumes ($699 pesos); el Almacén Secreto (43030), 1,085 piezas con símbolos recurrentes de su iconografía ($1,199 pesos); y el Ramo de Flores LEGO Botanicals (11507), 400 piezas en las que Rodrigo se convierte en la primera colaboradora externa de esa línea de LEGO ($1,099 pesos).

La colección completa llega el 1 de agosto de 2026 en LEGO.com, tiendas LEGO y distribuidores seleccionados. Tres sets —la Guitarra Doble, la Luna de Concierto y el Ramo de Flores— ya están disponibles en preventa en LEGO.com/themes/editions/about.

Lo que hace interesante esta colaboración es lo que revela sobre cómo LEGO lee la cultura pop del momento. La apuesta por Rodrigo no es solo comercial: es un reconocimiento de que ella representa algo específico para una generación —la capacidad de hacer de la vulnerabilidad emocional un lenguaje compartido. Construir eso en bricks es, en cierta forma, darle permanencia.

"Siempre me ha encantado esconder pequeños detalles y significados en mi música", dijo Rodrigo sobre la colaboración. "Hay muchas piezas de mi mundo dentro de estos sets: pequeños guiños a canciones, recuerdos, atuendos y momentos que significan mucho para mí." Para las Livies, encontrarlos todos será parte del juego.

A los cinco años se mudó a Estados Unidos, un cambio que la puso en contacto con dos culturas distintas y que, con el tiempo, definió su sensibilidad artística y su forma de abordar las emociones frente a la cámara.

En la fiebre de la adolescencia –cuando todo adolece y nada trae quietud– los 16 años son oportunidad y Ortiz Haro la aprovechó para ingresar al Young Actors Program del reconocido Lee Strasberg Theatre & Film Institute. Tiempo después volvió a la institución para cursar el Conservatorio profesional, repartido entre Nueva York y Los Ángeles, donde se especializó en Method Acting, la técnica que transformó su manera de construir personajes. 

Durante ese periodo tomó clases con figuras de la talla de Al Pacino, Sally Field y Vincent D'Onofrio. Sobre esa etapa formativa, la actriz asegura que actuar dejó de significar para ella la simple representación de emociones, para convertirse en la experiencia de habitarlas desde un lugar genuino.

Su debut en cine ocurrió en Fuego Negro, cinta en la que compartió pantalla con Tenoch Huerta y que marcó el arranque de su trayectoria en la industria. Después llegó Casi el Paraíso, adaptación de la novela de Luis Spota filmada entre México e Italia, proyecto que alcanzó relevancia internacional al ser la película inaugural del Hola Mexico Film Festival en California.

En Nuestros Tiempos, la actriz asumió uno de los papeles más exigentes de su carrera: Rebequita, una mujer marcada por la maternidad, el miedo, el amor y el sacrificio. En televisión también ha construido personajes de fuerte carga psicológica, como Claudia, protagonista de Un Día Para Vivir, atormentada por una presencia sobrenatural, y Nash, en Dra. Lucía, quien enfrenta una crisis de salud inesperada.

Entre la formación rigurosa y los papeles de peso dramático, Ana Ortiz Haro consolida un perfil que la sitúa entre las actrices mexicanas con mayor proyección hacia el cine y la televisión internacionales.

El 28 de agosto de 2026, exactamente diez años después de su fallecimiento, esa presencia llegará a más de 250 salas de cine en México, y a cines selectos en Estados Unidos y Latinoamérica. Juan Gabriel: Mi Primer Bellas Artes —la reedición remasterizada de su histórico concierto en el Palacio de Bellas Artes— se estrena ese día bajo la distribución de Cinemex Alternativo, producida por Sony Music Vision México. La preventa en México abre el 28 de julio.

El concierto que se verá en pantalla no es un documento menor. Juan Gabriel fue el primer artista pop en pisar el escenario del Palacio de Bellas Artes —un recinto históricamente reservado para la ópera, la danza clásica y las bellas artes en su sentido más institucional. Que el Divo de Juárez, nacido en la pobreza en Parácuaro, Michoacán, llegara ahí con sus lentejuelas, su gestualidad desbordante y sus canciones de amor popular fue una ruptura cultural que todavía resuena. Lo haría tres veces a lo largo de su carrera.

La remasterización estuvo a cargo de María José Cuevas —directora de la serie documental Debo, puedo y quiero para Netflix— y la casa productora Mezcla, los mismos con quienes colaboró en ese proyecto. El resultado incluye imagen restaurada, audio Dolby Atmos y una introducción inédita con material de los ensayos previos al concierto. No es solo una copia limpia del original: es una reinterpretación cuidadosa de un archivo.

Detrás de este estreno hay una pregunta cultural que vale la pena hacerse: ¿qué significa que un concierto de los años ochenta necesite —y justifique— una edición especial para cines cuatro décadas después? La respuesta tiene que ver con la naturaleza particular del legado de Juan Gabriel. Con más de 1,800 canciones compuestas, 100 millones de discos vendidos, 32 álbumes de estudio y colaboraciones con 800 artistas en siete idiomas, su obra dejó de ser el catálogo de un artista para convertirse en parte del tejido sonoro de México. Amor Eterno, Querida, Hasta que te Conocí, Abrázame Muy Fuerte no son canciones que la gente recuerde: son canciones que la gente lleva encima, asociadas a momentos precisos e irrepetibles. Ese tipo de vínculo no caduca con la muerte del artista —a veces se intensifica.

Verlo en Bellas Artes —en la pantalla grande, con Dolby Atmos, a diez años de su muerte— es una forma de confirmar que ese tejido sigue intacto.

El gancho cultural es preciso. Los adultos que hoy tienen entre 25 y 40 años crecieron con Pokémon en una época en que la franquicia era sinónimo de infancia: las versiones Rojo y Azul, el anime, las cartas intercambiadas en el recreo. LEGO apuesta a que esa generación —con poder adquisitivo propio— está dispuesta a pagar por objetos que materializan esa memoria. No para jugar, sino para construir, exhibir y, en cierta medida, recuperar algo.

Dos sets concentran esa lógica con particular claridad.

El LEGO Pokémon Rayquaza (72168) es un modelo de 1,083 piezas que recrea al Pokémon Legendario en más de 38 cm de altura. No es solo una figura: es una referencia directa a una escena específica del Pilar Celeste en Pokémon Omega Ruby y Pokémon Alpha Sapphire, los remakes de 2014 que muchos millennials jugaron ya como adultos jóvenes. Incluye una minifigura exclusiva de Tristana, la Guardiana del Saber. Precio: 2,999 pesos. Disponible el 1 de agosto.

El LEGO Pokémon Momentos Icónicos de PokéBola (72154) va más lejos. Son 2,339 piezas que dan forma a una PokéBola gigante que se abre y cierra, con escenas en su interior: el laboratorio del Profesor Oak, una batalla, minifiguras de Rojo —el Entrenador protagonista de la primera generación— y figuras de Pikachu y Eevee. Es el set más ambicioso de la línea, el más caro (6,999 pesos) y también el más cargado de referencias para quien creció con esos juegos. Estará disponible a partir del 1 de octubre.

Los otros tres sets completan la colección: Arcanine (72160), 1,190 piezas del Pokémon de tipo Fuego de Kanto ($2,399); Munchlax (72150), 757 piezas con articulaciones ($1,699); y la Minifigura Gigante de Rojo (40868), 930 piezas con el icónico gorro rojo y Poké Bola en mano ($1,999). Los dos primeros disponibles desde el 1 de agosto; la Minifigura de Rojo en octubre.

La preventa de todos los sets arrancó el 7 de julio en LEGO.com/Pokemon. Julia Goldin, Directora de Marketing del Grupo LEGO, lo resume así: "Pokémon es una franquicia muy querida con una comunidad global increíblemente apasionada, y la respuesta a nuestros sets de LEGO Pokémon hasta ahora ha sido extraordinaria."

Bajo el lema “Un viaje al corazón de nuestra especie”, el festival regresará del 24 de julio al 2 de agosto a sus sedes tradicionales en Guanajuato Capital y San Miguel de Allende, donde reunirá 203 películas provenientes de 55 países, de las cuales 155 competirán dentro de la Selección Oficial. Como ya es tradición, todas las funciones serán gratuitas, una apuesta que continúa acercando el cine de autor, el documental y las propuestas más arriesgadas a públicos cada vez más amplios.

Más que celebrar una nueva edición, GIFF apuesta este año por expandir la conversación alrededor del cine. La programación incorpora tres nuevas secciones competitivas que reflejan los cambios que atraviesa la cinematografía contemporánea. Mavericks y Luminarias reconocerá a cineastas cuya obra ha redefinido el lenguaje cinematográfico; GIFF Premiere abrirá un espacio para algunos de los estrenos internacionales más esperados del circuito de festivales, mientras que Iridiscencia pondrá el foco sobre directoras y directores emergentes que comienzan a transformar el panorama mundial desde sus primeras películas.

Esta renovación convivirá con una de las tradiciones más importantes del festival: reconocer a quienes han construido la historia del cine. La actriz Cecilia Suárez recibirá el galardón de Plata “Más Cine” y la Medalla Filmoteca UNAM, en reconocimiento a una trayectoria que ha transitado con naturalidad entre el cine, el teatro y la televisión, convirtiéndose en una de las figuras más representativas de la actuación mexicana contemporánea.

A este homenaje se suma un tributo póstumo a la actriz española Marisa Paredes, cuya presencia marcó algunas de las películas más memorables de Pedro Almodóvar y que dejó una huella imborrable en el cine europeo. Como parte del reconocimiento se proyectará Emergency Exit, la última cinta en la que participó.

El festival también volverá la mirada hacia las mujeres que continúan transformando la industria audiovisual. En colaboración con Mujeres en el Cine y la Televisión, serán reconocidas la actriz Marina de Tavira y la productora Inna Payán, dos creadoras cuyas trayectorias reflejan distintas formas de entender y construir el cine mexicano contemporáneo.

La programación reunirá estrenos mundiales, latinoamericanos y nacionales, además de competencias de largometraje, documental, cortometraje y animación. A ello se suman muestras especiales que han dado identidad al festival, como Locura de Medianoche, enfocada en el cine LGBTIQ+; Cine entre Muertos, que volverá a convertir los panteones de Guanajuato y San Miguel de Allende en salas de proyección al aire libre, y Niños en Acción, dedicada a formar nuevas generaciones de espectadores.

La edición 29 también reforzará su apuesta por el futuro del audiovisual. A través de Epicentro, el público podrá asistir a conferencias y talleres sobre inteligencia artificial, realidad virtual, realidad extendida y preservación del patrimonio cinematográfico, mientras que programas como el Rally Universitario y el Concurso de Documental Universitario Identidad y Pertenencia continuarán impulsando a jóvenes realizadores que encuentran en GIFF una de sus primeras plataformas de exhibición.

Lejos de limitarse a proyectar películas, el Festival Internacional de Cine Guanajuato vuelve a plantear una pregunta que atraviesa toda su programación: ¿qué puede decirnos el cine sobre el mundo que habitamos? La respuesta llegará durante diez días de funciones, encuentros y conversaciones que recuerdan que cada película también es una forma de mirar nuestra propia historia.

Una fotografía tiene la capacidad de detener el tiempo y transformar un instante en un documento histórico. Algunas inmortalizan la gloria, otras registran derrotas, polémicas o emociones que terminan por definir una época. 

Estas son las diez fotografías que definieron la historia de los Mundiales.

Argentina vs Francia | Final | Catar 2022

Fotografía: Dan Mullan y fotógrafos acreditados de Getty Images

La imagen que puso fin a una de las búsquedas más largas del futbol moderno. Después de una final que muchos consideran la mejor de la historia, Lionel Messi levantó el único trofeo que faltaba en su carrera.

La fotografía también quedó ligada a un Mundial histórico. Catar se convirtió en el primer país de Medio Oriente en organizar una Copa del Mundo, una edición marcada por discusiones sobre derechos laborales, migración y el uso del deporte como herramienta de influencia política y económica.

Francia vs Italia | Final | Alemania 2006

Fotografía: Shaun Botterill

La imagen congeló el instante exacto en que Zinedine Zidane pasó de una despedida soñada a una de las expulsiones más famosas de la historia.

Más allá del futbol, la fotografía quedó asociada a una Francia que atravesaba intensos debates sobre identidad nacional, inmigración e integración cultural. Zidane, hijo de inmigrantes argelinos, se había convertido en uno de los símbolos más visibles de aquella conversación.

Inglaterra vs Brasil | Fase de grupos | México 1970

Fotografía: John Varley

Muchos consideran esta intervención la mejor atajada de todos los tiempos. La imagen resume el enfrentamiento entre dos leyendas: Pelé y Gordon Banks.

También forma parte de un Mundial histórico para México. El torneo llegó apenas dos años después de la Masacre de Tlatelolco y sirvió para que el gobierno mexicano proyectara una imagen internacional de “estabilidad” y “modernidad.”

Además, fue la primera Copa del Mundo transmitida globalmente en color.

Inglaterra vs Alemania Occidental | Final | Inglaterra 1966

Fotografía: PA Images

La fotografía más importante en la historia del futbol inglés.

Bobby Moore levantó la Copa Jules Rimet después del único Mundial conquistado por Inglaterra. La imagen también representa una época de enorme optimismo para el Reino Unido, que atravesaba el auge cultural del llamado Swinging London, con la música, el cine y la moda británica expandiendo su influencia por todo el mundo.

Brasil vs Suecia | Final | Suecia 1958

Fotografía: Associated Press

Con apenas 17 años, el brasileño se convirtió en campeón del mundo y ayudó a darle a Brasil el primer título de su historia.

La fotografía nació en un contexto marcado por los primeros años de la Guerra Fría. Brasil todavía no era visto como la potencia futbolística que dominaría las décadas posteriores, y la imagen terminó documentando el nacimiento del jugador que transformaría para siempre la dimensión global del futbol.

Italia vs Alemania Occidental | Final | España 1982

Fotografía: atribuida a agencias italianas presentes en la final

Después de marcar frente a Alemania Occidental, Marco Tardelli protagonizó una celebración que terminó convirtiéndose en la representación definitiva de la euforia deportiva.

La imagen adquirió una dimensión especial dentro de una Italia que aún intentaba dejar atrás los llamados Años de Plomo, una etapa marcada por terrorismo, violencia política y crisis institucional que definió buena parte de la década de los setenta.

Argentina vs Alemania Occidental | Final | México 1986

Fotografía: David Yarrow

La imagen más poderosa de la carrera de Diego Armando Maradona.

Argentina acababa de conquistar su segundo Mundial y Maradona cerraba una de las actuaciones individuales más influyentes en la historia del torneo.

La fotografía también dialoga con el momento político argentino. Apenas tres años antes había terminado la dictadura militar y el país comenzaba a reconstruir su vida democrática. Para muchos argentinos, aquel campeonato representó un motivo de orgullo nacional en medio de un periodo de transformación.

Cámara utilizada: Nikon F3.

Brasil vs Inglaterra | Fase de grupos | México 1970

Fotografía: John Varley

Después del partido, Pelé y Bobby Moore intercambiaron camisetas y compartieron un abrazo que quedó inmortalizado por John Varley. La imagen apareció en plena Guerra Fría, una época donde las competencias internacionales eran vistas con frecuencia como expresiones de rivalidad nacional. Por eso el momento adquirió tanta fuerza simbólica: mostró respeto y admiración en un contexto dominado por la confrontación.

Brasil vs Italia | Final | México 1970

Fotografía: Neil Leifer

Brasil derrotó 4-1 a Italia y conquistó su tercer Mundial. Aquella selección sigue apareciendo en cualquier conversación sobre los mejores equipos de todos los tiempos.

La fotografía muestra a Pelé elevado sobre una multitud en el Estadio Azteca y marca el instante en que dejó de ser únicamente una estrella deportiva para convertirse en una figura universal.

Neil Leifer, considerado uno de los fotógrafos deportivos más importantes del siglo XX, realizó la imagen utilizando una cámara Hasselblad, un equipo poco común para la fotografía de acción debido a su complejidad técnica.

Cámara utilizada: Hasselblad 500C/M.

Argentina vs Inglaterra | Cuartos de final | México 1986

Fotografía: Eduardo Longoni

La fotografía más importante en la historia de los Mundiales no muestra una final ni un campeonato. Muestra una polémica.

Argentina e Inglaterra se enfrentaron apenas cuatro años después de la Guerra de las Malvinas. Aunque se trataba de un partido de futbol, la carga emocional y simbólica del encuentro era imposible de ignorar para millones de personas en ambos países.

Cuando Diego Maradona saltó junto a Peter Shilton, el árbitro no observó ninguna infracción. La cámara sí.

Eduardo Longoni inmortalizó el instante exacto en que la mano del argentino impactó el balón. La fotografía terminó convirtiéndose en una prueba histórica y en uno de los documentos visuales más reconocibles del deporte mundial.

Cuando pensamos en los grandes momentos de los Mundiales solemos recordar a Pelé, Maradona, Messi o Zidane. Sin embargo, detrás de cada una de estas imágenes existió alguien con una cámara capaz de reconocer que estaba frente a un instante irrepetible.

Los futbolistas crearon el momento. Los fotógrafos evitaron que desapareciera con el paso del tiempo

Antes de ser un montaje teatral, Suficiente fue una intuición clínica. La obra nació como idea original de Claudia "Chuff" González, psicoterapeuta Gestalt y productora teatral que desde hace años utiliza las artes escénicas como herramienta para explorar la salud mental, particularmente entre adolescentes y sus entornos. En su consultorio, "Chuff" comenzó a notar un patrón: los jóvenes necesitaban expresar su malestar psicológico, pero muchas veces lo hacían de manera indirecta, casi disfrazado bajo la forma de una "lista de deseos". A partir de esa observación, la obra decidió nombrar estos conflictos como "problemas heredados": heridas que se transmiten de generación en generación y que, para sanar, necesitan actualizarse a las circunstancias del presente.

Esa premisa clínica se traduce, en escena, en una ficción especulativa no muy lejana. La obra imagina un México en el año 2038, donde el gobierno lanza el programa "Jóvenes para el Futuro": una iniciativa que obliga a seis jóvenes a convivir durante un mes en un departamento asignado por el Estado, con la promesa de obtener, al final, un título que acredite su valor como ciudadanos. Entre el encierro, la presión familiar y las expectativas sociales, cada personaje intenta responder a la misma pregunta de fondo: ¿quién soy yo más allá de lo que el sistema exige que sea? Fernanda da vida a Luisa, una joven de contexto socioeconómico privilegiado que, sin embargo, creció con carencias profundas de amor, sin sentirse realmente vista ni escuchada. Junto al personaje de Andrés, Luisa pone en cuestión la fantasía de "tenerlo todo", esa idea que suele reducirse a lo material y que, en el fondo, deja fuera las necesidades humanas de afecto y emocionales. El reto actoral para ambos personajes consiste en salir de su burbuja para descubrir que merecen ser amados y que, al mismo tiempo, son capaces de dar amor.

Detrás de esta historia hay un trabajo de escritura profundamente colectivo. Aída del Río fue quien le dio su forma final al texto, pero llegó a ella a través de talleres, borradores y revisiones constantes con todo el equipo. Ese proceso de preparación duró año y medio antes de que la obra llegara al público, y Fernanda lo recuerda como una suerte de "tallereo emocional": sesiones en las que el elenco compartió experiencias personales, aprendió de sí mismo y de los demás, y encontró en ese intercambio una experiencia tan creativa como sanadora. Con el tiempo, los personajes que surgieron de esas sesiones se fueron reduciendo a arquetipos, punto de partida desde el cual comenzaron las improvisaciones. El equipo complementó este trabajo con investigación de campo en centros de rehabilitación y con testimonios de adolescentes reales, un acercamiento que se facilitó gracias a que Aída del Río también es profesora de teatro para jóvenes.

Si hay un concepto que atraviesa toda la obra, ese es el de la exigencia. "No hay una sola persona creciendo que sienta que es suficiente lo que hace", afirma Fernanda, y a partir de esa certeza describe una especie de exigencia intergeneracional que involucra a amigos, maestros, padres y colegas de trabajo: una demanda instalada en la cultura y en la sociedad que termina por generar una insatisfacción difícil de nombrar. Frente a ese diagnóstico, el mensaje que propone la obra es, en el fondo, muy simple: permitirse ser escuchados, y preguntarse honestamente cómo nos permitimos ser vistos por los demás.

Para Fernanda, "Suficiente" tiene sentido en la medida en que abre una conversación que muchas veces se evita: la de la salud mental, dicha en voz alta y sin miedo. Espera que quien la vea salga con la certeza de que no está solo, y con una inquietud genuina por aprender a mirar, tanto a sí mismo como a los otros, porque —dice— escucharnos de verdad podría generar mejoras sistémicas mucho más amplias de lo que imaginamos. Lo resume así: "Ser humano primero y luego todo lo demás."

Fernanda agradece especialmente al Teatro El Milagro por el espacio y la confianza que hicieron posible este proyecto.

Rodríguez explica que su acercamiento fue antropológico, enfocado en la condición humana más que en el deporte como espectáculo. El concepto del ensayo se organizó en tres ejes: sujeto, acción y reflexión, una estructura que le permitió documentar no solo el juego, sino a quienes lo sostienen y le dan sentido en su vida cotidiana.

El trabajo se desarrolló principalmente en la Unidad Habitacional Loma Hermosa, donde los partidos ocurren sin una liga estricta, bajo una organización autogestiva. Ahí, dice Rodríguez, la cancha funciona como punto de encuentro alrededor del cual se ha construido comunidad. El proceso tomó tres meses, a inicios de 2026, y le permitió constatar la transversalidad del deporte: su capacidad de reunir a distintos segmentos de la población en un mismo espacio.

Para el fotógrafo, el futbol conserva una carga ritual que conecta con prácticas mucho más antiguas, como el ulama y el juego de pelota purépecha, ambos presentes también en la exposición. Rodríguez señala además la estética del movimiento futbolístico: incluso entre jugadores amateurs, encuentra una gracia corporal que compara con la de los bailarines.

Durante su investigación, Rodríguez descubrió el futbol chinampero, que se juega en un embarcadero especial de Xochimilco, una de las modalidades que también integra la muestra del Museo Nacional de Culturas Populares.

Frente a la forma actual del futbol, dominada por la FIFA y sus intereses comerciales, Rodríguez sostiene que el juego auténtico se vive en la cancha de barrio: en la presencia, la camaradería y la comunidad que se construye ahí, lejos de los sesgos que atraviesan al futbol profesional. Ese es, en el fondo, el propósito de su ensayo fotográfico.

Rodríguez agradece de forma especial a quienes hicieron posible este trabajo de campo: Carlos Alberto Rosas Álvarez, Sergio Castañeda Ayala y Alicia Hernández.

Uscanga trabaja junto a Adrián Madrigal, escritor y dramaturgo autor del texto, y Juan Vergara, único actor en escena. La relación entre Diana y Adrián, marcada por años de amistad y respeto intelectual, fue la base que permitió una colaboración fluida. Para la directora, esa cercanía también le abrió una ventana poco común: observar de cerca cómo viven los hombres su salud mental, una mirada que se profundizó con la perspectiva que aportó Vergara desde la actuación.

Para Uscanga, la principal aportación de la obra a la conversación pública sobre salud mental es simple pero urgente: la importancia de hablar, de nombrar lo que se siente, especialmente entre los hombres. Es un patrón documentado por organismos de salud tanto en México como a nivel global: los hombres acuden con menor frecuencia a terapia y enfrentan tasas de suicidio notablemente más altas que las mujeres, muchas veces por la dificultad cultural de verbalizar el malestar emocional. La obra, dice la directora, aborda estos temas con delicadeza y deja un mensaje claro: ante un problema de salud mental nadie está solo, y sí es posible salir de él. El montaje contó además con asesoría de especialistas en salud mental durante su desarrollo.

Del lado productivo, Uscanga dirige Producciones Luna Escarlata, casa que opera bajo una regla muy particular: "todo tiene que caber en una cajuela". El objetivo es hacer teatro ambulante, capaz de llegar a espacios donde las salas convencionales no llegan. Para esta obra, la escenografía se diseñó plegable: una cama, una mesa y un perchero como piezas principales, acompañadas de objetos pequeños que recrean una habitación desordenada, reflejo visual del caos interno de Domingo.

La obra abre con ligereza, incluso con comedia, y va ganando profundidad y peso conforme avanza, tocando temas como la depresión, el suicidio y las adicciones siempre con sutileza. El cierre, sin embargo, apunta hacia la esperanza. El deseo de Uscanga es que el público salga de la sala con una pregunta propia: cómo se siente hoy, qué ha estado evitando, qué necesita nombrar. Está dirigida, en suma, a quienes alguna vez se han detenido a cuestionar el rumbo de su vida, o han sentido nostalgia por lo que fue y curiosidad por lo que aún puede ser.

– Por un par de coronas uno puede hacerse fotografiar desde todos los ángulos. Este aparato es un "Conócete a ti mismo" mecánico.

– Un "Desconócete a ti mismo", querrás decir –dijo Kafka.

– ¿A qué te refieres? –protesté–. ¡La cámara no miente!

– ¿Quién te dijo eso? –preguntó Kafka inclinando la cabeza–. La fotografía concentra nuestra mirada en la superficie. Por esa razón enturbia la vida oculta que trasluce a través de los contornos de las cosas como un juego de luces y sombras. Eso no se puede captar siquiera con las lentes más penetrantes. Hay que buscarlo a tientas con el sentimiento. Esa cámara automática no multiplica los ojos de los hombres sino que se limita a brindar una versión fantásticamente simplificada del ojo de una mosca.

Este fragmento fue tomado de Conversaciones con Kafka de su amigo y poeta, Gustav Janouch cuando en la primavera de 1921, se instalaron en Praga dos máquinas fotográficas automáticas inventadas poco antes en el extranjero que reproducían seis o 10 más exposiciones de la misma persona en la misma placa. 

Quién diría que más de un siglo después, el ojo mecánico que criticó el escritor checo, lo llevaría a la pantalla grande a través de la visión de la directora Agnieszka Holland, con su más recientes filme Franz, que está en exhibición en la Cineteca Nacional Chapultepec y en la Cineteca Nacional México, con funciones el miércoles 1 y jueves 2 de julio. 

La cinta, coproducción entre República Checa, Alemania y Polonia, recorre la vida de Kafka desde la infancia hasta su etapa como empleado de una compañía de seguros, con saltos temporales que buscan traducir a imágenes la naturaleza fragmentaria de su obra. Idan Weiss interpreta al escritor praguense, acompañado por Peter Kurth, Aaron Friesz, Sandra Korzeniak y Marika Malá. El guion es de Marek Epstein y la propia Holland, directora polaca conocida por abordar figuras históricas y momentos de quiebre político en películas como Europa Europa y In Darkness.

Habrá que ver si su retrato de Kafka logra esquivar la trampa que el propio escritor le vio a la cámara: la de mostrar solo la superficie. El reto de Holland es proyectar la imagen de un hombre que desconfiaba profundamente de las imágenes.

Funciones disponibles:

Cineteca Nacional Chapultepec Miércoles 1 de julio: 15:30 h y 18:00 h Jueves 2 de julio: 13:00 h, 15:30 h y 18:00 h

Cineteca Nacional México Miércoles 1 de julio: 20:30 h Jueves 2 de julio: 20:30 h

Eso es precisamente lo que plantea la cineasta Hanna Bergholm en Engendro, su primer largometraje en inglés.

La historia sigue a Saga y Jon, interpretados por Seidi Haarla y Rupert Grint. La pareja decide mudarse a la casa donde Saga pasó su infancia, ubicada en un bosque finlandés. Ambos se muestran emocionados ante la idea de formar una familia, aunque en el rostro de Saga se percibe un anhelo mucho más intenso.

Tras el nacimiento de su hijo, algo parece no estar bien con el bebé, aunque únicamente Saga parece percibirlo. Un pelaje que recuerda más al de un animal, un llanto ensordecedor que parece buscar llevarla al límite y una inquietante sed de sangre convierten al pequeño en una presencia cada vez más perturbadora.

La película admite dos lecturas. La más evidente presenta al hijo como una criatura poseída que busca acabar con la vida de su madre, quien simplemente tuvo la desgracia de cruzarse con ella.

La otra lectura resulta mucho más interesante. Puede entenderse como una analogía sobre el miedo a la maternidad y sobre el momento en que la idealización de formar una familia se enfrenta a la realidad. La realidad de hacerse cargo de un ser que transforma por completo tu vida y también tu cuerpo; un cuerpo en el que muchas veces dejas de reconocerte. Una etapa en la que la madre parece quedar relegada a un segundo plano, mientras toda la atención gira alrededor del bebé. Una experiencia que algunas mujeres atraviesan y de la que pocas veces se habla: aquella donde, lejos de sentir un vínculo inmediato, aparece el desconcierto e incluso cierto rechazo al no comprender del todo a ese nuevo ser.

Y aquí aparece una de las mayores debilidades de la película. Aquello que puede interpretarse como una metáfora del terror que algunas mujeres experimentan durante la maternidad termina por volverse completamente literal. En consecuencia, la cinta reduce el espacio para que el espectador construya sus propias interpretaciones. En varios momentos parece insinuar que todo ocurre únicamente en la mente de Saga, ya que nadie más percibe lo que ella ve. Sin embargo, poco después suceden acontecimientos demasiado evidentes como para que el resto de los personajes los ignore. Esa ambigüedad termina jugando en su contra.

El mejor ejemplo es Jon. Su personaje representa una paternidad ausente y emocionalmente distante, una idea que funciona dentro del discurso de la película. Sin embargo, también presencia situaciones que resultan demasiado claras como para justificar su indiferencia, lo que provoca que, por momentos, parezca más ciego que ausente.

El bosque se convierte en el elemento más inquietante desde los primeros minutos. Más allá de su atmósfera misteriosa y del diseño sonoro, destacan los troncos con formas que evocan siluetas humanas y despiertan la sensación constante de que alguien permanece oculto entre los árboles. Es un recurso sencillo, pero tremendamente efectivo para generar tensión.

Con Engendro, Hanna Bergholm deja claro que posee una voz propia dentro del cine de terror. Aunque la película tropieza al explicar demasiado aquello que funcionaba mejor desde la sugerencia, su mirada resulta fresca y demuestra que el cine finlandés todavía tiene propuestas capaces de sorprender al público internacional.

La cifra le permitió superar a Oppenheimer, de Christopher Nolan, que hasta ahora mantenía el récord con 975 millones de dólares. El logro también reafirma el enorme interés que sigue generando el llamado "Rey del Pop", cuya influencia continúa atravesando generaciones.

Desde su estreno en abril, Michael tuvo un arranque excepcional. En su primer fin de semana consiguió 217 millones de dólares a nivel mundial, de los cuales 97 millones provinieron de Estados Unidos. Con ello también estableció la mejor apertura para una biopic musical, superando el registro que había conseguido Straight Outta Compton en 2015.

Lejos de perder fuerza tras las primeras semanas, la película mantuvo un desempeño constante durante toda su exhibición en salas. Esa permanencia fue clave para que siguiera sumando espectadores hasta convertirse en el mayor éxito comercial del género.

Antes de romper el récord absoluto, la cinta ya había dejado atrás a Bohemian Rhapsody, la historia de Freddie Mercury y Queen, que durante años fue la biografía musical más taquillera con 911 millones de dólares.

Uno de los aspectos que más llamó la atención fue la elección de Jaafar Jackson, sobrino de Michael Jackson, para interpretar al cantante en su debut como actor. La película también cuenta con las actuaciones de Colman Domingo y Nia Long como Joe y Katherine Jackson, los padres del artista.

La historia recorre distintas etapas de su vida, desde los primeros años con The Jackson 5 hasta su consolidación como una de las mayores estrellas del entretenimiento mundial. Gran parte de la producción pone el foco en la reconstrucción de conciertos, coreografías y videoclips que marcaron la carrera del cantante.

Sin embargo, la película también abrió un debate. Diversos críticos señalaron que el filme opta por concentrarse en la trayectoria artística de Jackson y deja fuera las acusaciones de abuso sexual infantil que marcaron los últimos años de su vida. Esa decisión narrativa ha dividido opiniones entre quienes consideran que se trata de un homenaje a su legado musical y quienes creen que ofrece una visión incompleta del personaje.

El éxito de Michael también representa un momento histórico para Lionsgate. Con sus 977 millones de dólares recaudados, la producción se convirtió en la película más taquillera de toda la historia del estudio, dejando atrás a The Hunger Games: Catching Fire, que había acumulado 865 millones de dólares.

Tras conocerse el nuevo récord, Jaafar Jackson compartió un mensaje de agradecimiento en redes sociales, donde aseguró que este logro era un sueño para todo el equipo y expresó su deseo de que su tío "esté sonriendo" al ver el impacto de la película.

Mientras tanto, quienes no alcanzaron a verla en cines ya pueden rentarla o comprarla en formato digital en plataformas como Prime Video, Apple TV y YouTube Movies. Su llegada a un servicio de streaming por suscripción todavía no tiene fecha confirmada, aunque todo apunta a que será Prime Video, debido al acuerdo de distribución entre Lionsgate y Amazon.

Estrenada en 2004 y basada en el manga de Tite Kubo, la historia de Ichigo Kurosaki conquistó a toda una generación gracias a su mezcla de acción, personajes memorables y algunos de los villanos más icónicos del anime. Aunque con el paso del tiempo perdió parte de la conversación popular, su comunidad de seguidores nunca dejó de esperar el regreso de la serie.

Ese regreso llegó en 2022 con Bleach: Thousand-Year Blood War, la adaptación del último arco del manga. Ahora, esa historia está por concluir con The Calamity, la cuarta y última parte de la saga, que llegará a la pantalla grande gracias a Cinemex Alternativo, donde los fans podrán disfrutar de sus primeros episodios antes de su estreno general.

Pero hay un detalle importante: The Calamity no es una película independiente. Se trata del desenlace de Thousand-Year Blood War, por lo que verla sin conocer las tres partes anteriores sería como comenzar una serie directamente por su último episodio.

La historia comienza con The Blood Warfare (2022), donde los Quincy, una raza de guerreros espirituales que se creía extinta, reaparecen bajo el mando de Yhwach para declarar la guerra a la Sociedad de Almas. La invasión deja claro que los shinigami ya no son invencibles y coloca a los protagonistas frente a la mayor crisis de toda la franquicia.

En The Separation (2023) llegan las respuestas. Ichigo descubre el verdadero origen de sus poderes y la historia de su madre, revelaciones que cambian por completo la percepción del protagonista y explican por qué siempre fue diferente al resto.

Finalmente, The Conflict (2024) lleva la guerra a un nuevo nivel. El enfrentamiento deja de ser únicamente una batalla entre dos ejércitos y comienza a cuestionar el equilibrio del universo de Bleach, el papel del Rey Espiritual y las verdaderas intenciones de Yhwach.

Hay cinco aspectos fundamentales que conviene tener presentes antes de entrar al cine:

Además de concluir el enfrentamiento contra Yhwach, The Calamity promete cerrar la historia de Ichigo Kurosaki y de varios de los personajes más importantes de la franquicia. La producción ha contado con la participación de Tite Kubo, por lo que muchos seguidores esperan una versión ampliada y más completa del desenlace que originalmente presentó el manga.

Si planeas asistir a la función de Cinemex Alternativo, la mejor recomendación es ponerse al día con The Blood Warfare, The Separation y The Conflict. Más que una película, The Calamity representa el último capítulo de una historia que comenzó hace más de veinte años y que, por fin, está lista para despedirse.

El cineasta prepara Ages of Madness: The Howling of the Jinn, su primera película animada, una producción para adultos inspirada en la obra del escritor estadounidense H.P. Lovecraft. El proyecto comenzará su producción a finales de 2026 y reunirá a los estudios españoles 3Doubles Producciones y Sumendi Uhartea, que buscan llevar al cine uno de los imaginarios más influyentes de la literatura de terror.

La historia tendrá como eje al Necronomicón, el famoso libro ficticio que aparece una y otra vez en los relatos de Lovecraft. Dentro de ese universo, se trata de un manuscrito prohibido que contiene conocimientos capaces de llevar a cualquier lector a la locura o incluso a una muerte terrible. Su misterio ha sido tan poderoso que, con el paso de las décadas, muchas personas llegaron a creer que realmente existía.

En la película, ese libro viajará por cuatro épocas y escenarios distintos, enlazando varias historias marcadas por la tragedia. Cada una mostrará cómo la búsqueda de respuestas sobre aquello que escapa a la comprensión humana puede convertirse en una obsesión capaz de consumir a quien se atreva a mirar demasiado lejos.

Más que recurrir al terror de criaturas o sobresaltos, la obra retomará una de las ideas centrales de Lovecraft: el miedo a lo desconocido y la fragilidad de la mente humana cuando se enfrenta a algo imposible de explicar.

Aunque será la primera vez que dirija una película animada, De la Iglesia ha contado que este proyecto representa un regreso a sus inicios. Antes de dedicarse al cine dibujaba historietas y monstruos, por lo que la animación era un camino que, de alguna forma, siempre estuvo presente.

El director explicó que esta película le permite reencontrarse con esa faceta creativa y asumir un desafío completamente nuevo, incluso después de más de tres décadas de carrera.

Para los productores, la cinta también refleja el momento que vive la animación para adultos. Cada vez más estudios apuestan por historias dirigidas a un público maduro, demostrando que este lenguaje puede explorar temas complejos sin limitarse al entretenimiento familiar.

Con Ages of Madness: The Howling of the Jinn, Álex de la Iglesia unirá dos mundos que parecen hechos el uno para el otro: su gusto por lo grotesco y el caos, con el horror cósmico que convirtió a H.P. Lovecraft en uno de los autores más influyentes del género. El resultado promete ser una adaptación donde la animación no servirá para suavizar el miedo, sino para expandirlo.

La producción, realizada por Fábula y Netflix, comenzará su rodaje durante el segundo semestre de 2026 y apunta a convertirse en una de las películas más ambiciosas hechas en Latinoamérica. Con un presupuesto cercano a los 15 millones de dólares y un elenco encabezado por Alejandro Goic, Alfredo Castro y Marcelo Alonso, el proyecto buscará acercarse a uno de los episodios más complejos del siglo XX desde una perspectiva profundamente humana.

La historia seguirá las cerca de 18 horas en las que se desarrolló el golpe militar del 11 de septiembre de 1973. El relato acompañará a Salvador Allende durante sus últimos momentos en el Palacio de La Moneda, mientras el edificio era rodeado y posteriormente bombardeado por las Fuerzas Armadas.

Pero la película no se limitará al presidente. También mostrará la experiencia de quienes permanecieron junto a él, entre ellos sus hijas Beatriz "Tati" e Isabel Allende, así como Hortensia Bussi, su esposa. Al mismo tiempo, la narración saldrá de las paredes del palacio para seguir otras historias que ocurrieron en paralelo durante aquella jornada, ofreciendo una mirada más amplia sobre el impacto inmediato del golpe.

El 11 de septiembre de 1973 marcó el fin del gobierno de la Unidad Popular y el comienzo de la dictadura de Augusto Pinochet, un régimen que permaneció en el poder durante casi 17 años. Miles de personas fueron asesinadas, desaparecidas, encarceladas, torturadas o forzadas al exilio, convirtiendo ese periodo en una de las etapas más dolorosas de la historia chilena.

Por esa razón, el golpe de Estado sigue ocupando un lugar central en la memoria del país. Cada nueva obra que lo aborda también abre espacio para revisar cómo esos acontecimientos siguen influyendo en la sociedad chilena y en las generaciones que no los vivieron directamente.

Para Larraín, este tema forma parte de una exploración que ha acompañado buena parte de su carrera. Películas como Tony Manero, Post mortem, No y El Conde ya habían abordado distintos momentos y consecuencias de la dictadura, aunque desde perspectivas muy diferentes entre sí.

En Once, el director vuelve a trabajar con el dramaturgo Guillermo Calderón, su colaborador habitual en el guion. La producción también reunirá a figuras de talla internacional como el fotógrafo mexicano Rodrigo Prieto, nominado al Oscar por El irlandés, Los asesinos de la luna y Pedro Páramo; el supervisor de efectos visuales Andrew Jackson, colaborador frecuente de Christopher Nolan, y el diseñador de producción Guy Hendrix Dyas.

Con este proyecto, Larraín regresa a uno de los temas que más ha marcado su filmografía. La diferencia es que ahora lo hará con la producción más grande de su carrera en Chile y con una historia que buscará acercar uno de los momentos más decisivos de la historia latinoamericana a una nueva generación de espectadores.