El director italiano, responsable de "Call Me by Your Name" y "Challengers", trabaja aquí sobre un guion de Simon Rich que no se limita a los cinco días del motín. La trama también retrocede hasta 2003 para seguir al científico Ilya Sutskever desde sus años de estudiante bajo la tutela de Geoffrey Hinton en la Universidad de Toronto, pasando por su etapa en Google, hasta el momento en que su camino se cruza con el de Altman.

Andrew Garfield encabeza el elenco como Sam Altman. Lo acompañan Yura Borisov, revelado en "Anora", en el papel de Ilya Sutskever; Monica Barbaro como la exdirectora de tecnología Mira Murati; Mark Rylance como Geoffrey Hinton; Cooper Hoffman como el cofundador Greg Brockman; e Ike Barinholtz en la piel de Elon Musk. El reparto se completa con Cooper Koch, Jason Schwartzman y Chris O'Dowd.

El primer tráiler, publicado esta semana por la distribuidora Neon, muestra a Garfield recorriendo unas instalaciones que evocan directamente las oficinas de OpenAI. En una de las escenas, su personaje asegura frente a cámara: "Abrimos juntos la caja de Pandora. El futuro es inevitable." Otro fragmento incluye un cuarto futurista con armas resguardadas detrás de un cristal azulado, una imagen que anticipa el tono más sombrío que Guadagnino le dio al proyecto.

"Artificial" nació como una producción de Amazon MGM Studios. En junio de este año, el estudio retiró abruptamente su respaldo a la película, poco después de que Amazon anunciara una alianza de 50 mil millones de dólares con OpenAI. La compañía nunca vinculó públicamente ambas decisiones, pero la coincidencia bastó para que la industria interpretara el retiro como un gesto de incomodidad ante un filme crítico con la empresa que ahora era su socia comercial.

Neon adquirió los derechos globales y rescató el proyecto. A la salida de Amazon se sumaron reportes sobre sobrecostos, regrabaciones extensas y un tono final más oscuro que el planeado originalmente.

"Artificial" tendrá su estreno mundial el 5 de octubre en el Festival de Cine de Nueva York, dentro de su selección oficial. Neon la llevará después a un estreno limitado en cines el día de Navidad, con expansión en enero de 2027, calendario diseñado para que la cinta califique en la próxima entrega de los Óscar.

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El largometraje dirigido por Dave Green usa el humor físico característico de los Looney Tunes para hacer un cuestionamiento más profundo; porque, más allá de una reseña simplona hecha con ChatGPT y datos superficiales, Coyote vs. Acme es una película de animación híbrida que nos habla del consumo, la meritocracia, el acceso a la justicia, la ética de la tecnología y el progreso, en una comedia que, a simple vista, parece sólo de dibujitos.

Hay un aforismo que dice: «Enséñale a un hombre a pescar y no volverá a tener hambre». Esta frase descontextualizada se dice a la ligera como si sólo se tratase de conocimientos, herramientas y esfuerzo; porque, si fuera así, Wile E. Coyote ya hubiera atrapado al Correcaminos desde hace muchísimo tiempo.

El frustrado cazador del desierto es creativo, perseverante, sabe leer y escribir, tiene iniciativa y acceso a la tecnología ACME y, sobre todo: ¡TIENE HAMBRE! Pero ninguno de sus planes y artefactos funciona; porque, en un sistema donde la tecnología está mediada por intereses económicos, tener conocimientos y echarle ganas no es suficiente para satisfacer una necesidad básica como es alimentarse.

ACME convierte esa necesidad en una cadena de consumo e instrumentalización: el Coyote necesita comer, así que compra la posibilidad de conseguir comida con los productos de ACME; cuando el producto falla, aparece otro que promete resolver el problema, y así ha sido desde 1949. Mientras el Correcaminos siga fuera de su alcance, el mercado siempre puede venderle otra oportunidad con un producto inservible.

En su libro Desarrollo y libertad (Development as Freedom), el economista Amartya Sen afirma que poseer un recurso no significa necesariamente tener la libertad efectiva para utilizarlo y alcanzar aquello que necesitamos; todo está limitado por un contexto económico, social, político y cultural. Tal es el caso del Coyote, caricatura de un animal mudo, reducido a consumidor de una corporación monopólica que le promete satisfacer su hambre.

La demanda de Wile E. Coyote contra la corporación ACME no empieza como una cruzada por los derechos del consumidor. El Coyote quiere utilizar el juicio como una trampa para atrapar al Correcaminos cuando testifique en el estrado; incluso en este súper elaborado plan, el deseo original de comer permanece.

Para conseguirlo necesita a Kevin Avery (Will Forte), un abogado con un despacho en bancarrota y una carrera reducida a conciliar pequeñas disputas de caricaturas con ACME, que resuelve mediante sobornos económicos. También le acompaña su sobrina Paige (Lana Condor), una abogada recién egresada de Oxford, con el ímpetu y la motivación ética por la justicia característica de la juventud idealista, quien impulsa a su tío a tomar el caso y constantemente lo motiva a mirarlo desde otra perspectiva.

A lo largo de la película, ambos abogados van descubriendo, pista a pista, que ACME ha cometido un crimen más grande que vender productos defectuosos: utilizar a las caricaturas para probar sus productos nuevos, porque, contrario a los humanos, ellos no mueren. Pueden explotar, caer de un acantilado, ser aplastados por una roca, recibir un escopetazo y volver a seguir vivos.

¿Sufren? Sí, pero no se quejan. Su sufrimiento es entretenimiento y, si se atreven a demandar, nada que un buen “acuerdo económico” no pueda arreglar o, en su defecto, encerrarlos en el manicomio.

Así, el acceso a la justicia —igual que la tecnología— está mediado por diferentes capitales a los que no todos tienen acceso. Por eso el Coyote necesita del abogado Kevin Avery, quien, a su vez, está superado por un equipo de litigantes que tiene todas las facilidades para ganar el juicio; como afirma Pierre Bourdieu en su ensayo La Fuerza del derecho:

«El contenido práctico de la ley que se revela en el veredicto es el resultado de una lucha simbólica entre profesionales dotados de competencias desiguales. Esta distancia entre la visión profana del justiciable y la visión especializada del experto es constitutiva de un monopolio.»

Es decir, el acceso a la justicia no depende únicamente de tener razón, sino de contar con los recursos necesarios para hacer que esa razón sea reconocida dentro del campo jurídico; ahí está la ventaja de ACME: no sólo tiene dinero para fabricar productos y contratar abogados, también tiene los recursos para disputar el significado mismo de lo ocurrido, culpando a la víctima manipulando al jurado, juez y fiscales, ¿no te suena familiar?

Por eso Kevin no funciona únicamente como “la voz del Coyote”: es un intermediario que convierte su experiencia personal en una acción colectiva, genuina y legítima de unas necesidades que antes no entendía; porque al igual que ACME utilizaba el sufrimiento de las caricaturas para sus fines personales. El abogado cambia su perspectiva cuando conoce el sentir del Coyote, se atreve a vincularse con la situación y ser empático con su causa; quizá desde ahí venga esa empatía que nos falta.

Parafraseando a Karl Marx, el fetichismo de la mercancía ocurre cuando las relaciones sociales detrás de un producto parecen desaparecer y sólo vemos el objeto terminado, lo que permite ocultar las condiciones de explotación laboral de quienes lo produjeron.

Es como cuando te compras un iPhone, enajenándote de que, lo más probable, es que su extracción de materia prima y fabricación impliquen condiciones laborales infrahumanas, para poder decir: «Me siento bien chingón porque hice una fila de 12 horas afuera de una Apple Store».

Esto es de lo que el Gallo Claudio habla en su discurso en el juicio: la lógica del dolor como parte vital para el progreso, un “pequeño” sacrificio que las grandes corporaciones están dispuestas a pagar en complicidad con las personas que consumimos sus productos. Todos somos como las caricaturas: consumidores y sujetos de experimentación; la diferencia está en que nosotros sí morimos.

La base de determinados modelos de progreso puede ser la violencia y la desigualdad, el silencio de los consumidores y el alarde de las corporaciones; el monopolio de la justicia puede convertirse también en un monopolio de la tecnología, mientras a la mayoría sólo nos toca aguantar.

El Proyecto Sísifo tiene una estrecha relación con la perspectiva existencialista de Albert Camus: la búsqueda de un sentido racional a una vida absurda en la que cada día hay que cargar una pesada roca hasta la cima. ACME resignifica esta condición y la convierte en un método de producción; lo que para Camus era una condición de la existencia, para la corporación es una oportunidad de negocio.

Es necio pensar que la tecnología es neutral, que las necesidades básicas como el hambre no son instrumentalizadas para generar consumo; es ingenuo pensar que los monopolios corporativos nos ofrecen libertad simplemente porque su catálogo es variado. Quizá por eso el final de Coyote vs. Acme es tan ambiguo desde una perspectiva racional: a pesar de tener otras opciones, el Coyote elige volver a la persecución del Correcaminos, porque la libertad no está en conseguir lo que queremos, sino en descubrir cuánto de ese deseo nos pertenece y cuánto nos fue impuesto.

Marc Almond, una de las voces más reconocibles del pop electrónico británico, vuelve a los escenarios mexicanos después de más de dos décadas de ausencia. El cantante se presentará el próximo 25 de noviembre en Mesones 72, en el Centro Histórico de la Ciudad de México, como parte de su Latin American Tour 2026. El concierto, presentado por Difusión Cultural Xibalba y Resistencia Booking, marca el regreso de Almond al país 23 años después de su última presentación documentada en la capital, entonces en el ya desaparecido Salón 21.

Hablar de Marc Almond implica hablar de una de las figuras que transformaron la música electrónica británica a inicios de los años ochenta. Junto al músico y productor David Ball, Almond fundó Soft Cell en 1979 y construyó una propuesta que sacó a los sintetizadores del terreno experimental para fusionarlos con el pop, el soul, el cabaret y una sensibilidad urbana muy particular.

El impacto del dúo llegó con Non-Stop Erotic Cabaret (1981), álbum coproducido por Daniel Miller, fundador de Mute Records y descubridor de Depeche Mode, que se convirtió en una de las obras emblemáticas de su generación. De ese disco surgieron canciones como "Tainted Love", su mayor éxito internacional, junto con "Bedsitter" y "Say Hello, Wave Goodbye". El repertorio de Soft Cell sumó después piezas como "Torch", "Where the Heart Is" y "What!", que terminaron por consolidar al dúo como uno de los nombres esenciales de la electrónica británica.

La presentación en México llega también en un momento particular para la historia de Soft Cell. En octubre de 2025 murió David Ball, cofundador y compañero artístico de Almond durante los años del dúo. Su muerte cerró uno de los capítulos fundamentales del synth-pop británico, aunque dejó un legado que sigue presente en las canciones que ambos construyeron. Almond continúa llevando ese repertorio a los escenarios y lo combina con su obra solista; sus presentaciones de 2026 reúnen material de ambas etapas de su carrera y trazan un recorrido por más de cuatro décadas de trayectoria vigente.

La sede elegida para el concierto añade un elemento excepcional a la noche. Mesones 72 se ubica en pleno Centro Histórico de la Ciudad de México, dentro de un inmueble cuya historia se remonta al siglo XVIII.

La agenda en la capital tendrá como uno de sus principales encuentros una orange carpet el 25 de septiembre en Parque Toreo, donde Iñárritu y Cruise convivirán con fans y medios de comunicación para presentar la película antes de su estreno.

La visita adquiere especial relevancia por la combinación de nombres detrás de DIGGER. La producción reúne por primera vez a Iñárritu y Cruise en una película, además del regreso de Emmanuel Lubezki como director de fotografía. El tres veces ganador del Oscar ya había trabajado con el cineasta mexicano en Birdman y El renacido.

Cruise protagoniza la historia junto a Riz Ahmed, John Goodman, Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg y Jesse Plemons. La película plantea la historia de un hombre considerado el más poderoso del mundo que emprende una misión para demostrar que es el salvador de la humanidad, mientras enfrenta las consecuencias del desastre que él mismo ha provocado.

Para Iñárritu, DIGGER representa su regreso a la dirección de una película en inglés después de El renacido, cinta que le valió su segundo Oscar consecutivo como Mejor Director.

El cineasta escribió el guion junto con Alexander Dinelaris, Nicolás Giacobone y Sabina Berman, a partir de una historia desarrollada por Berman, Iñárritu y Jez Butterworth.

La producción está a cargo de Iñárritu, Mary Parent, Tom Cruise y Michael Sharp, con Joshua Grode como productor ejecutivo. Además, la película fue filmada íntegramente en VistaVision, formato que forma parte de la propuesta visual de esta nueva producción.

Con la visita de sus protagonistas y director a finales de septiembre, México se convertirá en una de las últimas escalas de la gira internacional de DIGGER antes de su llegada a las salas. Warner Bros. Pictures tiene previsto su estreno en México para el 1 de octubre de 2026.

El compositor de “Efectos vocales” llega a México durante septiembre con una gira que contempla presentaciones en Puebla, Ciudad de México, Toluca, Guadalajara, Monterrey y Querétaro.

El nuevo álbum llegó después de un periodo de siete años desde Almanauta. Durante ese tiempo, Nach tomó distancia de la dinámica de publicar constantemente y comenzó a cuestionar el lugar que ocupaba dentro de la música. El resultado de esa pausa fue Destino, un trabajo que explora nuevos tempos, estructuras y sonoridades sin abandonar la escritura como centro de su propuesta.

Más que intentar reproducir al Nach de sus primeros años, el artista decidió permitir que su experiencia modificara también su manera de crear.

“Este Nach es normal, ¿no? Ya no me conformo con cualquier cosa. Soy un poquito más exigente con lo que recibo, con lo que quiero ver, con lo que quiero leer, con lo que quiero escuchar”, explicó durante una entrevista.

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Esa evolución también aparece en la manera en que Nach consume arte. El músico reconoce que actualmente escucha rap de manera mucho más selectiva y que buena parte de su tiempo está dedicado a otros géneros musicales y distintas formas de narrar.

La misma transformación aparece en sus lecturas. Mientras que en otras etapas de su vida se acercaba con mayor frecuencia a la novela, ahora encuentra mayor interés en la filosofía, el ensayo y la divulgación.

Entre sus referencias actuales menciona al filósofo Sam Harris, cuya obra forma parte de una búsqueda intelectual que también se refleja en su manera de escribir y de entender la música.

Sin embargo, Nach no plantea esta evolución como una jerarquía entre distintas expresiones artísticas. Para él, una película comercial puede convivir con una obra cinematográfica más compleja, de la misma manera que una canción sencilla puede tener el mismo valor emocional que una pieza que exige mayor atención.

“Hay cosas que son más obvias o mucho más sencillas, que también tienen mucho valor, y cosas con un sentido abstracto y mucho más difícil de acceder a ello, reflexionar junto a ello, que también tienen mucho valor”, afirmó.

Esa apertura forma parte del espíritu de Destino. El disco representa una nueva etapa para un artista que comenzó su carrera profesional a finales de los años noventa y que ha construido buena parte de su identidad alrededor de la palabra, la introspección y la observación de su entorno.

La distancia entre sus primeros trabajos y el Nach actual también se vuelve evidente en el escenario. El artista asegura que ya no interpreta sus canciones desde el mismo lugar que cuando las escribió.

“Fue una parte de aquel Nach que era más joven y que se une a mí en este momento y con el que dialogo en el directo”, explicó al hablar de las canciones que forman parte de su trayectoria.

Por eso, aunque Destino será el centro de esta nueva etapa, el repertorio de la gira también permitirá recorrer distintos momentos de su carrera.

Para las fechas mexicanas, además, Nach prepara algunos elementos especiales relacionados con sus clásicos, aunque el eje del espectáculo estará puesto en esta nueva etapa artística.

Y hablando de destinos, la relación de Nach con el público mexicano forma parte importante de su recorrido. En septiembre vuelve al país para presentar se nuevo material y reencontrarse con seguidores que han acompañado su música durante distintas generaciones.

En Ciudad de México, el concierto será el 11 de septiembre en el Pepsi Center. La gira también pasará por Puebla el 9 de septiembre, Toluca el 13, Guadalajara el 17, Monterrey el 19 y Querétaro el 23.

Más adelante, Nach contempla otra celebración: en 2030 se cumplirán 30 años desde la publicación de su primer disco y el rapero ya piensa en una gira específica para recorrer ese camino de manera integral.

Pero antes de mirar hacia esa celebración, Nach vuelve al presente con Destino: un disco nacido de una pausa, de la necesidad de explorar nuevas posibilidades y de la certeza de que una carrera de tres décadas también implica cambiar la forma de mirar, escuchar y escribir.

“Sostener la mirada” es el lema de la novena edición del FECIMX, que se realizará del 2 al 6 de septiembre en ocho sedes de la capital, con una programación que reúne cine independiente, animación, propuestas experimentales, clásicos mexicanos y películas de realizadores emergentes.

Para Adán Ruiz, productor del festival, la frase responde directamente a la manera en que actualmente consumimos imágenes.

“Buscamos apostar por mantenernos con las imágenes en un momento en donde justamente esto del scroll infinito, cuando estamos en las redes o la inteligencia artificial están haciendo que las imágenes, que las películas de pronto existan en demasía y que se les preste muy poca atención”, explica.

La reflexión también atraviesa la selección de películas. Aunque el cine independiente es el punto de partida, el festival busca obras con intereses contemporáneos, exploraciones estéticas distintas a las narrativas hegemónicas y películas que planteen preguntas que van más allá de lo social.

“Creíamos que existían películas con este tipo de búsquedas que de pronto no se programaban en otros festivales”, señala Ruiz sobre el origen del encuentro.

La inteligencia artificial ya forma parte de los procesos creativos y el cine no es ajeno a esa transformación. El FECIMX recibió algunas películas realizadas con estas herramientas, aunque ninguna forma parte de la selección final de esta edición.

Para Ruiz, el problema actual está en que muchas de estas producciones todavía carecen de una identidad propia.

“Todas se ven muy iguales y realmente se están generando más en una suerte de experimentación a partir de estas herramientas que con una propuesta, digamos, estética, narrativa o con un diferencial que las haga sobresalir”.

Su postura tampoco implica rechazar la tecnología. Como productor, reconoce que la inteligencia artificial ya se utiliza en distintos procesos de trabajo y considera que puede convertirse en una herramienta útil para la creación cinematográfica.

“Es inevitable, creo que eso ya ha alcanzado pues todas las industrias creativas”, afirma.

El festival tampoco descarta incluir películas realizadas con IA en futuras ediciones. Para Ruiz, todavía falta que aparezcan propuestas capaces de ir más allá del efecto tecnológico.

“Estas herramientas también darán paso a propuestas que resulten sumamente interesantes y sumamente novedosas más allá de lo que puedes generar con un prompt”.

Una de las apuestas del FECIMX consiste en hacer dialogar películas de diferentes épocas. Este año, el programa de cine mexicano revisitado incluye Llámenme Mike, de Alfredo Gurrola, y Tintorera, de René Cardona Jr. La intención es observar desde el presente películas que pueden adquirir nuevos significados con el paso del tiempo.

“Se podrá revisitar y habrá mucho material para reflexionar con varias décadas de distancia [...] sobre el papel que siguen jugando estas representaciones, tanto de la mujer como de las masculinidades”.

Esa conversación también aparece en Reencuadres, programa dedicado a cuestionar las representaciones hegemónicas de la masculinidad en el cine.

La programación incorpora además un espacio dedicado a la animación, una sección que comenzó hace dos años y que ha crecido dentro del festival.

“Creemos no solamente que es para públicos infantiles y que como propuesta estética puede resultar también bastante atractiva para muchos públicos”, dice Ruiz.

El programa reúne principalmente cortometrajes mexicanos, algunos provenientes de distintos estados del país y de escuelas de cine, junto con una propuesta internacional.

Las ocho sedes de esta edición buscan ampliar el encuentro con públicos distintos. Cine Tonalá y Cinemanía representan espacios fundamentales para la exhibición independiente, mientras recintos como el Centro Cultural del México Contemporáneo, el Centro de Cultura Digital y la Sala Lafragua cuentan con una tradición de cineclubes y formación de públicos.

La alianza con PROCINECDMX también permite que algunas obras lleguen a zonas periféricas de la Ciudad de México y el Estado de México mediante el programa Cine en tu Ciudad.

“Es un gran apoyo el de Procine porque precisamente nos permite llegar [...] a públicos que se encuentran más allá del primer cuadro o de la zona céntrica de la Ciudad de México”, explica.

Pero la construcción de comunidad para el FECIMX también ocurre detrás de la pantalla. Durante los últimos años, el festival ha fortalecido su trabajo de formación mediante una clínica de desarrollo para largometrajes impulsada por el cineasta Carlos Lenin. Ruiz destaca que algunos proyectos que participaron en ella ya llegaron a etapas de filmación o postproducción y han obtenido otros reconocimientos.

“Creemos que es un festival, de cierta forma, una plataforma o trampolín para el cine emergente, para el cine independiente”.

Para esta novena edición, sus recomendaciones incluyen Llámenme Mike, Tintorera, el performance cinematográfico Penumbra, la cinta de clausura Los amantes se despiden con la mirada y los programas de pueblos originarios y cortometraje mexicano. Todas las funciones son gratuitas, salvo la clausura, y requieren reservación. La programación completa puede consultarse en festivalcineindependiente.com.

En una época donde producir una imagen es cada vez más sencillo, el FECIMX plantea que quizá el verdadero desafío está en conseguir que alguien se detenga frente a ella el tiempo suficiente para mirarla.

La película llegará en exclusiva a las salas de Cinemex justo en el décimo aniversario luctuoso del “Divo de Juárez”. La expectativa por esta nueva edición ya se refleja en la taquilla, pues a un mes del inicio de la preventa, varias funciones y horarios han agotado localidades, lo que llevó a ampliar la cantidad de fechas y salas disponibles.

El proyecto está encabezado por la cineasta María José Cuevas, en colaboración con MEZCLA y Sony Music Vision México, quienes realizaron un trabajo de recuperación sobre los archivos personales del artista para encontrar imágenes que hasta ahora permanecían fuera de circulación.

Aunque el punto de partida es la histórica presentación que Juan Gabriel ofreció en el Palacio de Bellas Artes en 1990, esta versión busca ofrecer una experiencia diferente. El montaje incorpora imágenes inéditas de los ensayos previos al concierto, con nuevos acercamientos al artista que permiten observar con mayor detalle la preparación de aquella presentación.

Además, la edición presenta un montaje más corto que el concierto original, pensado específicamente para su exhibición en salas de cine. A esto se suma una característica que permitirá al público seguir las canciones con mayor facilidad: las proyecciones contarán con subtítulos en las letras de los temas.   La restauración de la imagen también forma parte central de esta nueva versión, con un tratamiento que busca recuperar la calidad visual del material y acercar al público a una presentación que se convirtió en uno de los momentos más recordados de la trayectoria de Alberto Aguilera Valadez.

La recuperación de estos materiales permite conocer otra faceta de Juan Gabriel. Las imágenes de los ensayos muestran momentos previos a su llegada al escenario de Bellas Artes y permiten observar parte del proceso detrás de una presentación que posteriormente se convirtió en un registro fundamental de su carrera.

El proyecto adquiere un significado especial a diez años de la muerte del cantante. Su vigencia también queda reflejada en las plataformas digitales: actualmente suma más de 14.2 millones de oyentes mensuales en Spotify, mientras que el interés generado por su regreso a las salas de cine demuestra la permanencia de su música entre distintas generaciones.   El antecedente inmediato fue Mis 40 en Bellas Artes, cuyas proyecciones durante 2025 reunieron alrededor de 242 mil asistentes, convirtiéndose en uno de los contenidos alternativos más taquilleros de aquel año.

Juan Gabriel: Mi primer Bellas Artes llegará a salas de Cinemex a partir del 28 de agosto, con funciones que buscan llevar la presentación del Divo de Juárez a una experiencia cinematográfica.   La exhibición contará con sistemas de proyección y sonido inmersivo Dolby Atmos, además de funciones en salas Cinemex Platino y la oferta gastronómica de Cinemex Market.   El estreno tuvo una primera celebración el 25 de agosto en Cinemex Antara, donde María José Cuevas presentó el proyecto acompañada por familiares y amigos de Juan Gabriel. La premiere también incluyó vestuarios originales del cantante y fotografías pertenecientes a su archivo personal.   Tres décadas después de aquella presentación en Bellas Artes y diez años después de su partida, Juan Gabriel regresará al escenario que ayudó a consolidar su lugar en la música mexicana, esta vez desde una nueva edición que combina restauración, material inédito y una mirada diferente a uno de sus conciertos más emblemáticos.

La empresa Mota-Engil México, responsable de la ampliación de la terminal aérea de Tepic, comenzó a utilizar la denominación "Aeropuerto Internacional Tepic–Riviera Nayarit" en sustitución de "Aeropuerto Tepic Amado Nervo". El cambio ocurre sin que exista un decreto publicado en el Diario Oficial de la Federación que lo formalice; en los registros aeronáuticos, la terminal sigue apareciendo bajo el nombre del poeta.

Ante este escenario, el Festival Letras en Nayarit, dirigido por Lorena Elizabeth Hernández, impulsa una petición para preservar el nombre de Nervo en el aeropuerto. Hernández fue categórica al señalar que la mercadotecnia no puede colocarse por encima de la cultura.

La lista de firmantes reúne a algunos de los nombres más reconocidos de las letras mexicanas como Elena Poniatowska, Juan Villoro, Ángeles Mastretta, Laura Esquivel, Guadalupe Nettel, Alberto Ruy Sánchez, Enrique Serna, Jorge Zepeda Patterson y Xavier Velasco, entre muchos otros escritores, periodistas y figuras culturales.

Hay que decir que Amado Nervo, es la única figura literaria que da nombre a uno de los principales aeropuertos comerciales del país. El resto de las terminales aéreas que llevan nombre propio honran a presidentes, militares, juristas, revolucionarios o próceres de la Independencia. La petición indica que retirar el nombre de Nervo eliminaría, en los hechos, uno de los pocos reconocimientos institucionales de esta escala hacia un creador literario en México.

El caso se suma a otro conflicto reciente entre el gobierno de Nayarit y la comunidad cultural del estado. En mayo de 2025, la administración de Miguel Ángel Navarro Quintero ordenó demoler la Ciudad de las Artes para construir en su lugar el estadio de fútbol, Nicolás Álvarez Ortega, con capacidad para 12 mil 500 personas.

Distintos colectivos promovieron amparos contra la demolición, pero en julio de 2025 una jueza federal negó la suspensión definitiva del proyecto, por lo que la obra continúa bajo ciertos condicionamientos de licencia, pese al rechazo que generó entre la comunidad cultural nayarita.

Tim Curry, uno de los rostros más versátiles y reconocibles del cine de culto de las últimas cinco décadas, murió este martes 25 de agosto a los 80 años en su casa de Los Ángeles. 

Las autoridades acudieron a su domicilio poco antes de la medianoche y descartaron cualquier acto delictivo en torno a su muerte y es que, hasta ahora no se ha revelado públicamente la causa exacta del deceso, aunque el actor arrastraba problemas de salud desde hacía más de una década.

Nacido como Timothy James Curry el 19 de abril de 1946 en Grappenhall, Cheshire, Inglaterra, estudió arte dramático en la Universidad de Birmingham antes de iniciar una carrera que abarcó el teatro, el cine, la televisión, la música y el doblaje. Su padre, capellán metodista de la Royal Navy, murió cuando Tim tenía apenas 12 años. En una ocasión fue presenciar una actuación de Judi Dench sobre el escenario lo que terminó por decidirlo hacia la actuación.

Curry debutó en el papel que definiría buena parte de su carrera en 1973, cuando dio vida al Dr. Frank-N-Furter en la producción teatral londinense de «The Rocky Horror Show». Dos años más tarde repitió el personaje en la versión cinematográfica, «The Rocky Horror Picture Show», que lo catapultó a la fama mundial y lo convirtió en un ícono queer y de culto. 

Sobre esa decisión, el actor reconoció después que "Era reticente porque, si funcionaba, podría ser una imagen difícil de sacudir", declaró en 1975. Con el tiempo llegó a valorar el impacto del filme en su audiencia y décadas después contaría que había recibido cartas de personas que le agradecían haberlas ayudado a descubrir quiénes eran.

Si bien, Frank-N-Furter marcó su despegue como artista, fue el payaso Pennywise el que terminó de sellar su lugar en la cultura popular. En 1990, Curry interpretó a la criatura de la novela de Stephen King en la miniserie «It» de la cadena ABC, vista por más de 37 millones de hogares y que aterrorizó a toda una generación.

Su capacidad para transitar entre el terror, la comedia y el musical quedó demostrada en una filmografía tan extensa como dispar: el villano de «The Hunt for Red October» (1990), el cardenal Richelieu en «The Three Musketeers» (1993), el gorila antagonista de «Congo» (1995) y el detective de «Charlie's Angels» (2000). 

Sin embargo, para el público latinoamericano, uno de sus papeles más entrañables fue el del conserje del hotel en «Mi pobre angelito 2» (1992), personaje que le permitió mostrar su costado más cómico y cercano.

Curry también fue una voz reconocida del doblaje y la animación, además de cantante y comediante, oficios que ejerció de forma paralela a su carrera actoral durante más de cinco décadas.

En 2012, Curry sufrió un derrame cerebral que requirió cirugía y que lo dejó con secuelas permanentes en su movilidad, impidiéndole volver a hacer actividades que amaba, como bailar. En 2025, al presentar sus memorias tituladas «Vagabond», confesó en una entrevista para Turner Classic Movies que aún era incapaz de caminar.

Con su partida se va uno de los actores que mejor supo aprovechar la excentricidad y convertirla en una herramienta de trabajo capaz de encarnar tanto a los villanos más temidos como a los personajes más entrañables del cine popular.

Un título irónico fue la puerta de entrada que encontró Luis Picazo para nombrar a “No Sentimental”, su segundo álbum e irónicamente –cuenta él mismo entre risas–, el disco más sentimental que ha hecho. 

Detrás de este gesto de humor hay diez canciones que hablan de desamor, monotonía y encierro, escritas en las madrugadas de un joven recién mudado a la capital que, en plena pandemia, encontró en la composición nocturna una vía de escape que terminó por pasarle factura.

El cantautor había debutado en 2022 con un primer álbum grabado desde los 18 años, un gran trecho que ha transitado hasta llegar a No Sentimental, en cambio, llega como un trabajo más maduro, colaborativo, autocrítico y construido a lo largo de casi dos años, con canciones que nacieron de caminatas matutinas por la Ciudad de México y de una relectura personal de lo que significa mostrarse vulnerable siendo hombre.

Pijama Surf: Cuéntanos un poco sobre ti y cuál es el trabajo que estás presentando 

Luis Picazo: Soy un cantautor mexicano, soy de Tabasco, del sur de México. Este es mi segundo álbum, se llama No Sentimental, y es un álbum del cual estoy sumamente orgulloso porque creo que es un trabajo muy maduro musicalmente, desde mi evolución. El primer álbum era un chavito que estaba en su burbuja del indie rock, que quería ser el próximo rockero que cambiara la música. Al final te das cuenta de que hay más que eso, que no todo se trata de esas cosas superficiales, sino también de enriquecer un poco tu mente, explorar nuevos géneros, nuevos sonidos, colaborar con más gente.

PS: Tu primer álbum lo empezaste a grabar en 2019 y salió en 2022, justo cuando llegó la pandemia. ¿Cómo fue ese proceso?

LP: Yo lo llamo el génesis de No Sentimental, porque cuando estaba grabando mi primer álbum era un momento en el que no podía salir a menos que fuera necesario. Yo vivía solo, recién mudado a la Ciudad de México, siendo de Tabasco. La pandemia hizo que no conociera varios lugares hasta que terminó. Esa monotonía, sumada a mi mal hábito de componer de noche, me estaba afectando todos los días, al grado de que un doctor me vio y me dijo: te estás abandonando. Ese tipo de cosas alimentaron mucho este segundo álbum, que empieza justamente en la pandemia, viendo la serie Euphoria. En el final de la segunda temporada, que es muy intenso, me quedé clavado con los personajes, me vi en ellos. Así parte el álbum, por eso "Euforia" es la primera canción que compuse y la que abre el disco.

PS: ¿Cómo es tu proceso creativo al momento de componer? ¿Tienes algún ritual y qué cambió respecto al primer álbum?

LP: Sí, claro que hay un ritual, y eso es justo lo que cambié en este segundo álbum. Antes componía de noche, siempre acompañado de snacks, de helado, galletas, de todo. En este álbum dije: párale, compón de mañana, haz ejercicio al hacerlo. Así salieron canciones como "Despertar", que la hice amaneciendo, por eso el coro dice "todas las mañanas suspiro tu nombre al despertar". De hecho el título original de esa canción era "Despertando". Después de componer caminaba mucho, me sigue gustando mucho caminar por esta ciudad, y ya iba juzgando si me gustaba o no para el álbum. Hay canciones que incluso me gustan pero me da pena sacarlas porque tocan temas más sensibles de mí, y esas son justo las que mi equipo rescata.

PS: Uno de esos casos fue "Revólver", ¿no? ¿Cómo llegó esa canción al álbum?

LP: "Revólver" fue una canción que se coló en el álbum, porque ya teníamos todo el track list armado y mi mamá me regaló el vinilo de Revolver de los Beatles. Ese álbum me encanta, y desde niño, cuando ni siquiera veía posible dedicarme a esto, decía: si en algún momento hago algo, le quiero llamar Revólver. Lo mandé a mi equipo y me dijeron que seguro se metía. Ese tipo de cosas me ayudó mucho. El colaborar me encantó, lo volvería a hacer. Antes, de joven, en la escuela, no me gustaba colaborar, era muy tímido, muy introvertido, pero a partir de este segundo álbum lo haría siempre.

PS: ¿Por qué llamarlo No Sentimental si en realidad es un disco muy sentimental?

LP: Me gusta mucho el humor, y este juego de palabras me encantó desde el primer momento, porque estaba seguro de que lo que venía iba a ser sumamente sentimental. Ya lo había hecho antes: tengo una canción que se llama "La canción más triste del mundo". Me gusta jugar con los elementos: la música ya es triste, no tiene por qué serlo también el video o la forma en que la promociono. El hecho de que le pongas play a un disco llamado No Sentimental y termines llorando en el track cuatro es como decir "me engañó este cabrón, porque sí es sentimental". Por otro lado hay una crítica al hombre, a la idea de que uno no puede llorar, de que sentirse triste te hace menos hombre. Es un poco como cuando Paul McCartney tituló "Silly Love Songs", jugando con esa misma idea. Y hay una tercera razón: la canción que cierra el disco se llama justo "No Sentimental", y es la que te destruye el sueño, la que es una pesadilla, porque en la vida real uno no quiere que las cosas sean sentimentales. De esas tres cosas parte el título.

PS: Tienes 25 años, has crecido con el siglo. ¿Ha sido complicado abrirte camino en la música en México?

LP: Sí. Cuando vine a la ciudad tenía 18 años, acabé la prepa y me vine directamente. Vivía en un cuartito, hacía mi música de manera muy humilde. Pero creo que ese tipo de cosas me ayudaron mucho a aprender a hacer bien las cosas. Hoy ya puedo hablar con personas especializadas en el tema y hablar su mismo lenguaje, por esa experiencia. Cuando tienes 18 años y llegas de fuera, no te toman tan en serio. Tocaba puertas, llevaba mis CDs quemados, y me decían: no lo vamos a escuchar nunca, ¿para qué te mentimos? Ya nadie escucha CDs. Mi mamá cuenta que me dejó en la Ciudad de México con mi guitarrita y mis sueños, parada en Reforma, viendo esos edificios enormes y a mí tan chiquito, y que le daba miedo. Y sí, es un monstruo la ciudad, pero hoy lo agradezco totalmente, porque vengo de una familia con background musical y mis papás nunca me impidieron ser músico. Nunca tuvimos esa charla de "es que es complicado" que sí tuvieron muchos compañeros. Al contrario, fue un "adelante, hazlo, pero por tu cuenta". Así me vine a picar piedra, y hoy, con dos álbumes y trabajo junto a gente que admiro mucho, mi autoestima está muy por encima de la de mis 18 años, cuando era sumamente tímido e introvertido.

PS: Para cerrar, ¿cómo describirías este proyecto a alguien que está por descubrirlo?

LP: Melancólico. Es sumamente melancólico, no hay ninguna canción feliz, en este álbum todo sale mal, como en la vida real. Pero creo que aprendí a reírme mucho de lo que me ocurrió en esa época en la que lo compuse. Tengo una canción que se llama "Todavía", que para mí es súper graciosa porque es muy ambigua, no sabes si lo que digo es algo muy triste o simplemente sarcástico, y me encanta eso, reírme de mí mismo. Ahora que ya liberé el álbum también me liberé de esa carga emocional que llevaba cargando durante año y medio, casi dos años, trabajando esas canciones tristes con cautela. Ahora lo escucho y lo disfruto, pero ya lo veo con otros ojos, más optimistas: pasé por todo esto, pero mira lo que hice, conocí gente increíble, colaboré con productores increíbles, y todo eso me lo llevo. Es gratificante.

Se llama "La piel del cine" y es una exposición permanente instalada en la Bodega A de los Estudios Churubusco, al sur de la Ciudad de México. Ahí encuentras vestuario, utilería, mobiliario y otros objetos que se usaron de verdad en producciones filmadas en ese complejo, uno de los más importantes de la historia del cine mexicano.

La muestra reúne piezas de películas como Hidalgo, Morelos, El viaje de Teo, Obediencia perfecta, Macho y Cadena perpetua. 

Si caminas por la bodega, te vas a topar con el chaleco de piel que usó Dagoberto Gama en Morelos, la mesa donde comían los alumnos de Obediencia perfecta y la sotana que llevó Demian Bichir para interpretar a Miguel Hidalgo. 

Entre los objetos también puedes ver candelabros, guanteras de los años sesenta, enciclopedias encuadernadas en piel y madera, utensilios de barro más. 

Durante la inauguración, el jueves 20 de agosto de 2026, el director de Estudios Churubusco, Cristián Calónico Lucio, adelantó que esta exposición es apenas el arranque de un proyecto más grande: un museo del cine. Para lograrlo, se abrirá una convocatoria dirigida a directoras, directores y casas productoras que quieran donar objetos de otras películas.

Vale la pena mencionar que muchas de las piezas que ves ahí también están disponibles para venta o renta, pensadas tanto para producciones futuras como para coleccionistas.

Puedes visitar la exposición de lunes a viernes, de 10:00 a 15:00 horas, en la Bodega A de los Estudios Churubusco. Si buscas un horario distinto, puedes escribir a lapieldelaspeliculas@estudioschurubusco.com para agendar tu visita. 

—We’re teenagers. All we have is opportunities ahead of us—

Puedo entender que las expectativas sobre Nimrods, dirigida por Lee Kirk (The Office), crezcan desmesuradamente. Independientemente de la aprobación de la crítica, la cinta es sólida de principio a fin, estructurada y perfectamente escrita —dentro de su espectro natural, claro está—. Sin mencionar que lo tiene todo: un elenco joven, irresistible y encantador; elementos semibiográficos aderezados con road movie, mockumentary, romance, aventuras, unas gotitas de drama y hasta un poco de horror. ¡Y, por supuesto, música y rock & roll! Tal como la vida misma.

En verdad, durante la función la gente interactuó y se involucró con la cinta; pocas veces he escuchado reír o conmoverse tanto a una sala entera.

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El fenómeno en torno a ella sorprende porque convocó por igual a audiencias old school y nuevas generaciones, virtud poco valorada para un grupo de la envergadura de Green Day. Podríamos suponer que continúan tocando el corazón de distintas generaciones gracias a su capacidad para crear himnos atemporales lo suficientemente sólidos como para sostener una carrera musical de ¡casi 40 años!

Basta con ver algunos reels y publicaciones en redes sociales para atestiguarlo: videos filmados durante algunas proyecciones, específicamente durante las presentaciones en vivo de la banda, muestran a grupos de personas de distintas edades tomando el frente de la sala para bailar pogo, ¡como si se tratara de un concierto!

Es cierto, esto no es nuevo. Antes se ha bailado en salas de cine con cintas de Talking Heads o Depeche Mode. Pero el simple hecho de que las personas puedan identificarse y asumirse como parte de algo común a través de un ritual tan simple como antiguo es hermoso.

Ahora bien, ¿de qué demonios va el metraje y qué debe esperarse del mismo? Primero que todo: aquí no hay spoilers, pero sí puntualizaré que no se trata de un documental sobre Green Day. Nimrods aborda la historia de tres amigos de secundaria cuya meta es convertirse en una banda de rock & roll, simplemente por amor a ello.

Lo que sí es un hecho es que el guion escrito por Lee Kirk —quien ya había trabajado con Armstrong en Ordinary World, debut cinematográfico del líder del grupo en 2016— está construido alrededor de la trayectoria del trío californiano. Existen numerosos paralelismos y similitudes que le dan vida y mucho appeal a los Analog Dogs, banda ficticia integrada por Tommy (Mason Thames), Fred (Kylr Coffman) y Chad (Ryan Foust).

Por otro lado, se debe esperar exactamente lo que cada uno quiera esperar de Nimrods. Aunque existe una suerte de entusiasmo general por ella, la cinta posee diferentes matices liderados por una historia de amistad, descubrimiento, lealtad, amor y, evidentemente, punk rock.

A consideración personal de su servidor, esa es una de las bondades que encumbran a la película como un nuevo clásico juvenil, que lo mismo podría enfilarse en celdas similares a las de Freaky Friday y School of Rock que a las de Sing Street, Empire Records, This Is Spinal Tap y hasta Stand by Me.

Evidentemente, a lo largo de la película podemos encontrarnos con muchísimas referencias a la banda, su amor por la música y la cultura pop. Comenzando por Tommy, nombre del personaje central que remite al profundo arraigo que sienten por tres bandas en particular: The Who, autores de la ópera rock conceptual del mismo nombre —que Ken Russell llevó al cine—; Tommy Ramone, primer baterista de los Ramones, y The Replacements, cuyo bajista Tommy Stinson es un arquetipo indiscutible de la escena musical de Mineápolis.

También aparece Olivia, clara referencia a Ollie Louise Armstrong, madre de Billie Joe, así como la compañía ficticia de taxis Castaway, cuyo nombre proviene del tema homónimo de Green Day incluido en Warning (Reprise Records, 2000), entre muchísimos otros guiños.

Sin embargo, quizá el momento más significativo —por lo menos para quienes somos superfans de la banda— sea el cameo de “Blue”, la amada guitarra Fernandes japonesa modelo RST de Billie Joe. Una réplica del modelo Stratocaster popularizado por Fender que Armstrong conserva hasta nuestros días como una especie de muestra de fidelidad y gratitud por haberlo acompañado durante los malos ratos y tragos amargos de la vida, además de formar parte esencial del sonido distintivo de la banda.

Nimrods representa también una especie de victoria interna para el conjunto. Desde 2004, cuando lanzaron su propia ópera rock, American Idiot (Reprise Records), se especuló durante años sobre la realización de una cinta basada en el disco. El proyecto nunca llegó a concretarse y terminó materializándose únicamente como musical de Broadway, en el que Billie Joe tuvo algunas participaciones especiales, al igual que Davey Havok, líder y cantante de AFI.

El elenco de la cinta lo complementan Mckenna Grace, Keen Ruffalo e Ignacio Díaz-Silverio, quienes se roban algunos momentos y escenas clave gracias, en buena medida, a sus dotes para la comedia. A ellos se suman figuras de mayor experiencia como Jenna Fischer y Angela Kinsey —mundialmente conocidas por sus papeles en la versión estadounidense de The Office—, además de cameos de Fred Armisen y Sean Gunn.

He visto a Green Day revolucionar al mundo unas cuantas ocasiones antes; una más no era imposible. Y, sin proponérselo, lo hicieron de nuevo.

Con el paso del tiempo, la película adquirió una dimensión que sus creadores probablemente nunca imaginaron.

Warner Bros. Discovery decidió en 2023 no estrenar Coyote vs. Acme, pese a que la película ya estaba terminada. La intención del estudio era obtener un beneficio fiscal cercano a los 30 millones de dólares. La decisión provocó críticas de cineastas, actores y público, sobre todo porque el proyecto había generado buenas reacciones en sus proyecciones de prueba. La cinta incluso estuvo en riesgo de permanecer archivada de manera definitiva.

El caso recordó a Batgirl, protagonizada por Leslie Grace y Michael Keaton, que también fue cancelada por Warner Bros. Discovery como parte de una estrategia de recorte y beneficios fiscales. La diferencia es que Coyote vs. Acme consiguió una segunda oportunidad. Después de meses de incertidumbre, Ketchup Entertainment adquirió los derechos mundiales de distribución por una cifra cercana a los 50 millones de dólares y llevó la película de vuelta al camino de las salas de cine.

Ahora, casi tres años después de aquella polémica, Coyote vs. Acme está a punto de llegar a México. Y la pregunta resulta inevitable: ¿realmente valió la pena rescatarla? La respuesta es sí.

La película parte de una fórmula conocida para los Looney Tunes: combinar personajes animados con actores de carne y hueso. Sin embargo, esta vez el concepto adquiere una nueva dimensión. Wile E. Coyote decide demandar a ACME después de décadas de sufrir accidentes provocados por los productos defectuosos que utiliza en sus intentos por atrapar al Correcaminos.

La premisa toma como punto de partida un texto satírico de Ian Frazier publicado en The New Yorker en 1990 y lo convierte en una comedia judicial que juega con uno de los géneros más reconocibles del cine estadounidense.

Y aunque podría parecer arriesgado construir una película alrededor de un personaje que no pertenece al grupo de protagonistas más populares de los Looney Tunes, Wile E. Coyote termina por ser la mejor decisión.

El personaje conserva una de sus características más importantes: no habla. En lugar de recurrir a una voz, se comunica mediante expresiones, gestos y los clásicos letreros que aparecen en pantalla. El recurso podría parecer demasiado sencillo para sostener una película de más de hora y media, pero funciona. El Coyote conserva la esencia de los cortos originales y demuestra que no necesita grandes diálogos para provocar una reacción.

La cinta también entiende algo fundamental sobre estos personajes: no necesita modernizarlos hasta hacerlos irreconocibles.

Los Looney Tunes mantienen su humor físico, absurdo y exagerado. Wile E. Coyote vuelve a ser aplastado, golpeado, lanzado por los aires y víctima de sus propios planes, pero ahora esos accidentes forman parte de una historia mucho más amplia. La película consigue convertir una dinámica que funcionaba durante unos cuantos minutos en una trama que puede sostener un largometraje.

John Cena también encuentra un espacio adecuado dentro de esta propuesta como Buddy Crane, el abogado de ACME. Su personaje funciona como representante de una corporación que parece tener respuesta para todo, mientras que Will Forte aporta el contrapunto como Kevin Avery, el abogado que decide tomar el caso del Coyote.

A esto se suman las apariciones de distintos personajes de los Looney Tunes. Bugs Bunny, el Pato Lucas, Porky, Piolín y el Gallo Claudio, entre otros, forman parte de un universo que reconoce su propia historia sin convertir las referencias en el único atractivo de la película.

Conocer las caricaturas clásicas ayuda a disfrutar todavía más algunos de los chistes y apariciones, pero no resulta indispensable. Coyote vs. Acme funciona también para quienes tienen una relación más casual con estos personajes y mantiene una propuesta accesible para distintas generaciones.

Lo más interesante, sin embargo, ocurre fuera de la pantalla. Resulta difícil ver una película en la que Wile E. Coyote lleva a juicio a una corporación por los productos que destruyeron su vida sin pensar en lo que ocurrió con la propia cinta. ACME representa en la historia a una empresa que parece capaz de hacer cualquier cosa para proteger sus intereses. En la realidad, Coyote vs. Acme también tuvo que enfrentarse a una decisión corporativa que pudo haberla condenado al olvido. La ironía resulta demasiado perfecta.

Warner Bros. Discovery estuvo a punto de hacer con Coyote vs. Acme algo parecido a lo que ACME provoca una y otra vez en el Coyote: ponerle una trampa y dejarlo caer al vacío. La diferencia es que esta vez el personaje logró levantarse.

Coyote vs. Acme demuestra que los Looney Tunes todavía tienen espacio en el cine contemporáneo. Estos personajes fueron creados hace más de 90 años, pero su humor físico, sus exageraciones y su capacidad para construir situaciones absurdas todavía funcionan.

La película también recupera una clase de cine familiar que apuesta por el humor, los personajes y una historia sencilla antes que por convertir cada producción en una extensión de una franquicia.

Quizá esa sea la mayor victoria de Coyote vs. Acme. No se trata de una revolución dentro del género ni de la película que cambiará la historia de los Looney Tunes. Es algo más sencillo: una cinta divertida que entiende a sus personajes, respeta su esencia y consiguió llegar a las salas después de que una corporación decidiera que no debía hacerlo.

Al final, la historia de Coyote vs. Acme terminó pareciéndose demasiado a la de su protagonista. Durante décadas, Wile E. Coyote ha intentado atrapar al Correcaminos y ha fracasado una y otra vez. Esta película también cayó, fue golpeada y estuvo a punto de desaparecer.

Pero, por una vez, el Coyote ganó.

Juan Gabriel se convirtió en el primer artista de música pop en presentarse en el Palacio de Bellas Artes. La presentación original fue dirigida por Benjamín Estavillo; treinta y seis años después, la cineasta mexicana María José Cuevas —responsable también del documental Juan Gabriel: Debo, Puedo y Quiero, estrenado por Netflix en 2025— encabezó la reedición para cines, producida por Sony Music Vision y distribuida internacionalmente por Cinemex Alternativo.

La nueva versión, de una hora con cincuenta minutos de duración, incorpora imagen restaurada y audio en Dolby Atmos. También suma una introducción inédita construida a partir de material de archivo personal del artista, entre el que se encuentra el registro del único ensayo que Juan Gabriel realizó antes del concierto, filmado un día previo a la presentación.

Durante el proceso de restauración, el equipo de Cuevas localizó grabaciones de canciones interpretadas aquella noche que no habían sido incluidas en la edición distribuida originalmente del concierto. Ese hallazgo, sumado al video del ensayo, ofrece una capa distinta del evento: no solo el mito consolidado del Divo de Juárez ante el público, sino el trabajo previo a la ovación.

Hay que decir, que este no es el primer regreso público del concierto, pues en noviembre de 2025, como parte de la promoción del documental de Netflix, la presentación de 1990 fue proyectada en el Zócalo capitalino y reunió a 170 mil personas. La cifra duplicó la convocatoria de septiembre de 2024, cuando 70 mil personas presenciaron la proyección del concierto de Bellas Artes de 2013 —un hecho que ya entonces se consideró inédito por tratarse de una proyección y no de un evento en vivo.

La película llega el 28 de agosto a más de 250 salas Cinemex en México, además de estrenarse el mismo día en Latinoamérica y España. A Colombia y Argentina llegará el 3 de septiembre, mientras que en Estados Unidos, estará disponible a partir del 15 de septiembre, distribuida por Fathom Entertainment. 

El título, dice, apareció casi por accidente, aunque su significado no tiene nada de casual, pues entre el dinero, el trabajo y el negacionismo que atraviesa el presente argentino, Hebe encontró la palabra exacta para nombrar una crisis que es económica, política y también personal. El disco, grabado a lo largo de casi dos años que incluyeron su embarazo y el nacimiento de su hija, suma colaboraciones con productoras y artistas de Argentina y México, entre ellas el dúo mexicano Malcriada.

En esta charla con Pijama Surf, Sara Hebe habla sobre el proceso detrás de Negocionismo, su relación con el público mexicano, lo que piensa del gobierno de Javier Milei y qué está escuchando en este momento.

Pijama Surf: Llega tu séptimo álbum Negocionismo.¿Puedes platicarnos un poco sobre cómo llegaste a este concepto y que atraviesa tu obra? 

Sara Hebe: Siempre busco no decir lo mismo, o al menos no decirlo de la misma manera, pero las temáticas son las mismas: hablo de los clásicos de la humanidad, el amor, la miseria. En este disco más particularmente las cuestiones del trabajo, del sistema productivo actual. La palabra la busqué, pero te juro que apareció como mágicamente. En el disco se habla del dinero, del negacionismo actual, de los negocios multimillonarios que se sostienen a través del extractivismo, y también de los negocios chiquitos que intentamos hacer cotidianamente para poder vivir. Hay una crisis mundial, creo, de valores, del dinero, en general. Particularmente en Argentina estamos en un momento donde hay un gobierno que mediante el negacionismo avanza con políticas de destrucción pública, así que ahí apareció ese nombre para el disco.

PS: ¿Qué cosas de este gobierno, de Javier Milei, son las que te generan más preocupación?

SH: No sé, no lo entiendo, yo no quisiera ni hablar de esa persona. No sabe hablar, no sabe escribir, es una persona muy rara que me da pena, me da bronca. No sé qué me da más pena, si él o toda la población argentina, que estamos en manos de un títere. Ustedes tienen una presidenta ahora que creo que está bastante mejor, y nosotros tuvimos algunos gobernantes que buscaban alianzas con el territorio latinoamericano, políticas emancipatorias, que sabían hablar, que eran gente instruida. Ahora hay como unas ideas de generar en toda la población y en la juventud que me parecen un idiotismo.

PS: ¿Cómo fue el proceso para generar las diez canciones del disco, y qué cambios has notado a lo largo de siete álbumes?

SH: Al principio escribía sin pensar. Creo que en todas las bandas o en todos los artistas, en los comienzos hay una frescura que después es difícil sostener. Mis primeros discos tenían canciones muy largas, muy cargadas, muy explícitas, sin estribillos. Este disco tiene, al igual que Sucia Estrella, coros de melodías, espacios para la pista, para el instrumental, ideas que no están tan explicadas. Eso creo que es una búsqueda y un aprendizaje, pero me parece necesaria en mi discografía. 

El proceso del disco fue antes de estar embarazada, después durante el embarazo estuve grabando todo el disco, y una vez que nació mi hijita lo seguí grabando hasta terminarlo. Estuvimos con Manu Calmet, el productor, durante casi dos años haciéndolo. Participaron otras productoras: Tayana produce uno de los temas, ella es productora y DJ de la escena tecno-tropical, argentina pero vive en México hace mucho; están Dum Chica, Barbi Recanati, Romea, Molle. 

Es un disco con varios invitados y todo fue por buena onda. Están también las Malcriada, de México, uno de los temas que más me gusta. Las conocí navegando por ahí y flasheé porque son muy singulares, me encanta lo que hacen, y accedieron de onda a colaborar. En los discos anteriores quizás había colaboraciones con gente con la que compartía más, y acá hay colaboraciones con gente con la que por ahí no me relaciono en lo cotidiano, pero sí en lo musical hay coincidencia.

PS: Hablando de Malcriada, ¿hay posibilidad de que vengas pronto a México?

SH: Es lo que más quiero. Este año, como nos vamos pronto, estamos tocando todos los fines de semana por acá, y después vamos a Europa un tiempo largo. A mí me gustaría ir a tocar al Zócalo, a esos conciertos gratuitos que se hacen. No solo me gustaría, sino que creo que tenemos que ir sí o sí, porque en México tengo mi público que me espera, al que quiero mucho. 

Tengo una canción que hice especialmente para México que se llama "México", está en el disco anterior. En este disco hay una canción que se llama "Anticripto", en donde voy relatando toda una noche de after party en la que me fui con unas morras amigas de la Ciudad de México. Tengo una conexión, me encanta, quiero volver. Ojalá en diciembre surja la posibilidad, y si no, tendrá que ser el año que viene sí o sí.

PS: En el disco hay rap, dubstep, drum and bass y bastante electrónica. ¿Qué estabas escuchando mientras creabas Negocionismo?

SH: Antes estaba yendo mucho a fiestas de todo tipo, en el comienzo del disco, fiestas de música electrónica, del under, del drum and bass de acá, y escuchando de todo. También en el disco hay un dub espacial que se llama "Hoy", que es un feat con Dum Chica, una banda de rock de acá muy buena. Manu Calmet es productor y compositor de música tecno, así que estaba escuchando de todo, un poco voy tocando de oído todo lo que va llegando. También estoy muy pegada con la música que escuché cuando era adolescente, los clásicos, como Soda Stereo. Este disco se empezó a formar en un momento donde yo estaba yendo a ver más que nada DJ sets y escuchando música en vivo, música tecno. Me pongo algún DJ set en YouTube de dubstep, pero si no, escucho la música de antes, 80's, 90's, y también estoy atenta a lo que sale nuevo, me gusta escuchar lo que hacen los artistas más jóvenes.

PS: Te conocí justamente por "El Marginal". ¿Hay alguna posibilidad de que tu música aparezca en la secuela, "En el Barro"?

SH: No, no, para nada. No sé por qué, creo que es porque ahora la industria de la música es muy exclusiva y yo no trabajo con ningún sello discográfico, y creo que solo hacen conexiones con músicas o músicos que pertenezcan a empresas y sellos. Yo creo que me tendrían que pedir que haga una cortina, porque va a quedar muy bien. Igual me gusta mucho la canción de María Becerra, la cortina de "En el Barro" está buena. Si no es por ahora, esperemos que sea después.

PS: Para cerrar, ¿tres artistas de la escena under que nos recomiendes?

SH: A mí me gusta Santa Salud, es de Cataluña, es rapera, me gustan mucho todas sus canciones. Sara Malacara me gusta muchísimo, creo que tiene algunos temas con melodías hermosas. Y te voy a decir Dum Chica, para que escuchen, son de acá, de Buenos Aires.

El nuevo sencillo cuenta con la colaboración de Frank Ferrer, exbaterista de Guns N’ Roses —ocupó dicho banquillo durante aproximadamente 19 años— y uno de los músicos más solicitados dentro del rock, tanto en vivo como en sesiones de estudio. Su incorporación sienta un nuevo precedente en la forma de trabajar del dúo francés, que reconoce, sin demasiados problemas, que menos es más y que esconder gustos e influencias resta libertad artística. Una filosofía que les ha permitido consolidar su identidad y sonido.

Acá compartimos la charla que sostuvimos con Bliss My Heart —líder y fundadora del proyecto—, Cliff Estatof —productor, ingeniero, programador y músico— y Frank Ferrer —flamante invitado de lujo—, quienes nos dedicaron unos minutos para desmenuzar el proceso detrás de Love Lies.

—¡Felicidades por Love Lies! ¿Cómo surgió la idea de invitar a Frank Ferrer y cómo se dio el primer contacto?

Jenn: Cliff la escribió y conservó como demo durante años. Me la envió el verano pasado y pensé: “¡Esta canción está muy cabrona!”. Tenía esa onda post-punk/dark wave muy cool. Después de lanzar Sinner Sinner me enteré de que Frank estaría en Europa y le pregunté a Cliff: “¿Deberíamos contactarlo?”. Somos muy fans de su groove, así que le envié un DM, escuchó el demo y le gustó. Finalmente nos encontramos en París para filmar el video.

Frank: ¡Fue genial que Jenn y Cliff pensaran en mí! Después de tocar con Guns N’ Roses, me he abierto a todo, así que llegó en el momento perfecto. Estoy muy contento de que me hayan contactado.

—Frank, ¿qué encontraste en Love Lies que te hizo querer formar parte del proyecto?

Frank: Primero, su filosofía de trabajo totalmente orientada al DIY (do it yourself); aprecio mucho esa actitud en un proyecto. ¡Además, la canción es muy buena! Siempre que pueda contribuir en algo así, lo haré con gusto. Jenn y Cliff están juntando todas las piezas correctas del rompecabezas.

—Después de tantos años con Guns N’ Roses, ¿qué te ofrecen colaboraciones como ésta? ¿Encuentras una libertad creativa distinta?

Frank: Es un buen punto. Hacer esto me mantiene actualizado, con los ojos y los oídos abiertos. Muchas de las personas con las que trabajo rondan los 25 años y eso me mantiene involucrado con jóvenes haciendo cosas creativas. Es genial y lo atesoro.

—¿Cómo nació Love Lies y en qué momento la participación de Frank comenzó a transformar la idea original? Su batería, por cierto, me recordó a Rock and Roll Part 2, de Gary Glitter.

Jenn: El verano pasado fui a casa de Cliff para trabajar en música nueva y terminamos escuchando Dead or Alive, Talk Talk, Depeche Mode y mucho rock & roll. Coincidimos en que queríamos mezclar todo lo que nos gusta sin prejuicios. Buscábamos algo más rock que post-punk, o lo que sea, y Cliff logró amalgamarlo perfectamente en Love Lies.

Desde que nos asociamos, hace aproximadamente año y medio, todo cambió. Cliff se involucró completamente en el proyecto y se encarga del sonido, mezcla y master. Compartimos muchas influencias, así que nadie mejor que él para traducir en canciones lo que tenemos en el corazón.

—Cliff, como productor, ¿cuál fue el mayor reto para integrar la identidad de Jenn y la personalidad musical de Frank dentro de una misma canción?

Cliff: Me encanta trabajar en canciones que no necesariamente tienen sentido para todos. Pienso en cosas como: “¿Qué pasaría si mezclas Marilyn Manson o Alice in Chains con Michael Jackson?”. Ahí es donde se unen el talento de Jenn y la batería de Frank. Es desafiante, pero para mí tiene sentido. Mi propósito es hacer canciones con elementos vintage sin repetirme. El reto está en empalmar dos mundos distintos para crear un solo universo y utilizar cada elemento en beneficio de la canción.

—La interacción entre sus voces se siente por momentos más como una conversación que como un dueto; incluso me recordó a Fleetwood Mac. ¿Qué referencias influyeron en la composición o producción de Love Lies?

Jenn: La parte vocal y melódica tiene influencias que van de Michael Jackson y Tears for Fears a Guns N’ Roses y Alice in Chains. Buscábamos una especie de equilibrio entre hielo y fuego, algo que la batería ruidosa y aplastante de Frank terminó resaltando todavía más. Cada uno grabó inicialmente por su cuenta. Cliff partió de la idea del demo y después construimos las voces en conjunto hasta llegar al coro. Nuestra intención siempre ha sido trabajar 50/50, aunque no todas las canciones lo permiten. Aquí todo terminó alineándose.

—Frank, ¿qué escuchabas en ese momento? ¿Love Lies te llevó a explorar algo fuera de tu terreno habitual?

Frank: En ese momento escuchaba mucho a Cheap Trick, aunque curiosamente lo que hice terminó recordándome más a Marilyn Manson y Gary Glitter. En realidad, me sentía completamente en mi zona. Cliff había programado unas secuencias de batería muy interesantes, así que intenté respetar su concepción. Me entusiasma mezclar baterías electrónicas y acústicas; en los 90 toqué en una banda donde hacíamos ese tipo de cosas.

Al final, todo debe estar al servicio de la canción. Nunca quise llegar a tocar por tocar o hacer una locura: siempre intento seguir a la canción y dejar que ella me guíe.

—Las fronteras entre géneros parecen cada vez menos importantes. ¿Love Lies representa para ustedes una manera de hacer música donde la emoción está por encima de las etiquetas?

Jenn: Definitivamente. Love Lies representa una nueva etapa del proyecto. Venimos del rock & roll, pero esta canción nos permitió mostrar algo diferente. Nuestro mayor desafío es mantener nuestra forma de hacer música y mostrarnos como somos, sin añadir nada innecesario.

Tal vez la siguiente canción sea más dark pop o simplemente rock & roll. Lo importante es mantenernos fieles a nuestro arte y a lo que amamos de la música.

—¿Cuáles son sus planes inmediatos?

Jenn: Este verano seguiremos promocionando Love Lies y saldremos de gira con el espectáculo oficial francés de tributo a Depeche Mode, durante el verano y el invierno. También encontraremos tiempo para trabajar en música nueva. Estamos muy emocionados por volver a tocar y agradecidos por todo lo que está sucediendo alrededor de Love Lies.

Frank: En septiembre ocuparé el puesto de baterista en la banda de Michael Monroe, de Hanoi Rocks, durante un par de conciertos. Su baterista tiene otros compromisos y necesitan a alguien; además, me encanta Hanoi Rocks. Tengo otros proyectos enormes para octubre de los que todavía no puedo hablar. También espero poder colaborar con los chicos en Estados Unidos; tienen distribución acá con Cleopatra Records.

Cliff: ¡Quiero despedirme diciendo que tenemos mucha música nueva en camino y con estilos muy diferentes! Eso me tiene muy contento.

Kurosawa —sin parentesco con Akira Kurosawa, el otro gran cineasta japonés con el mismo apellido, aunque la coincidencia genera confusión con frecuencia entre quienes se acercan por primera vez a su obra— recibirá la Medalla Filmoteca UNAM, reconocimiento que desde 1987 distingue trayectorias que han contribuido al enriquecimiento del patrimonio cinematográfico mundial. La medalla, diseñada por el escultor mexicano Lorenzo Rafael, está forjada con plata pura recuperada durante el proceso de revelado en los laboratorios del archivo fílmico universitario, y porta el escudo de la UNAM en el anverso y el emblema de la Filmoteca en el reverso.

A diferencia de otros referentes del llamado J-horror que popularizaron figuras de terror concretas —como el fantasma de cabello largo de Ringu o La maldición—, Kurosawa construyó su reputación sobre un terror más difuso, apoyado en la tensión entre lo visible y lo invisible y en atmósferas que inquietan sin recurrir a sobresaltos convencionales. Cure (1997), la película con la que FICUNAM abre su selección retrospectiva, es hoy considerada una obra fundacional del terror japonés contemporáneo: la historia de un detective que investiga una serie de asesinatos cometidos por personas sin motivo aparente, todas ellas influenciadas por un misterioso hombre capaz de hipnotizar a quien se cruza en su camino.

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Ese interés por lo que permanece oculto bajo la superficie de lo cotidiano se mantuvo a lo largo de más de cuatro décadas de carrera, en títulos como El camino de la serpiente (1998), Carisma (1999) y Sesión de espiritismo (2000). En 2001 llegó Pulse (Kairo), una de sus películas más influyentes internacionalmente, que anticipó con notable lucidez ansiedades sobre el aislamiento y la vida mediada por pantallas antes de que internet se convirtiera en un tema recurrente del cine de terror global.

Con el tiempo, Kurosawa amplió su registro hacia el drama y el thriller de espionaje sin abandonar esa mirada inquieta sobre la fragilidad de los vínculos humanos, como en Futuro brillante (2003) y La mujer del espía (2020), película con la que obtuvo el León de Plata a la Mejor Dirección en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

Como parte de su participación en FICUNAM, Kurosawa presentará en México su largometraje más reciente, El samurai y el prisionero (Kokurojo: The Samurai and the Prisoner), que tuvo su estreno mundial este año dentro de la sección Cannes Premiere del Festival de Cannes 2026.

La selección retrospectiva que acompañará su visita permitirá al público mexicano trazar la evolución de una de las miradas más singulares del cine de género contemporáneo, una que ha encontrado en el terror, el thriller y la ciencia ficción una vía para interrogar la soledad, la memoria y la identidad, más que para producir simple sobresalto. Próximamente FICUNAM anunciará más detalles sobre la programación completa y las actividades vinculadas a la participación de Kurosawa.

Paramount Pictures estrenará el próximo 24 de septiembre El corazón de la bestia, la nueva película dirigida por David Ayer y protagonizada por Brad Pitt, un thriller de supervivencia ambientado en la naturaleza salvaje de Alaska.

La trama sigue a James Belmont (Pitt), un oficial retirado de las Fuerzas Especiales que intenta llevar una vida más tranquila junto a Odín, su perro de combate, tras haber sobrevivido juntos a la guerra. Ese intento de dejar atrás el conflicto se rompe cuando, durante un vuelo por los parajes de Alaska, ambos sufren un aterrador accidente aéreo que los deja varados en pleno territorio salvaje. A partir de ahí, hombre y perro deberán librar una brutal lucha contra los elementos para sobrevivir y encontrar el camino de regreso a casa.

David Ayer ha construido gran parte de su carrera reciente alrededor de protagonistas que enfrentan pruebas extremas de resistencia, tanto física como moral. El director de Escuadrón Suicida también estuvo detrás de Beekeeper: El protector y A Working Man, ambas protagonizadas por Jason Statham, cintas de acción construidas sobre personajes solitarios que deben abrirse paso a la fuerza en entornos hostiles. El corazón de la bestia traslada esa misma lógica a un terreno distinto: en lugar de un antagonista humano, la amenaza central es la naturaleza misma.

El guion es obra de Cameron Alexander, quien debuta como guionista de largometraje con este proyecto, y que también figura entre los productores ejecutivos de la cinta.

Para Brad Pitt, la película llega tras una serie de proyectos que han diversificado notablemente su carrera reciente, desde el drama de época Babylon hasta la comedia de acción Wolfs, junto a George Clooney, y el thriller deportivo F1: La película. En El corazón de la bestia, Pitt también participa como productor, junto con Olivia Hamilton, Marty Bowen y el propio David Ayer.

El elenco se completa con J.K. Simmons, quien recientemente apareció en Jurado Nº 2 y El contable 2, y Anna Lambe, conocida por su participación en la serie True Detective: Noche polar.

La producción reúne a Wild Chickens, Temple Hill y Kino World, en asociación con Domain Entertainment y Gulfstream Pictures, con Damien Chazelle entre los productores ejecutivos del proyecto.

El tema —ya disponible en plataformas de streaming— forma parte de lo que ambos artistas han bautizado como "post-boleroglam", un género tributo al boleroglam original de la banda hoy inactiva de Iván, que conserva toda la tradición del bolero estilo trío pero la viste con texturas lúgubres, atmósferas etéreas y elementos como el pandero, que emparientan la pieza con la música fúnebre. El videoclip, protagonizado por la actriz colombiana Ángela Cano (100 años de soledad, Secuestro del vuelo 601), recupera esa estética con guiños directos al cine de oro mexicano.

Conversamos con Xel e Iván sobre el proceso detrás de la canción, la segunda colaboración entre ambos después de "SOLX", y lo que significa atreverse a hacer algo lúgubre en una época que premia la ligereza.

Para Iván, componer es sobre todo un ejercicio de escucha hacia adentro. "El proceso de composición es algo que viene desde lo inconsciente, es un canal en el que muchas veces salen cosas que tú no estás pensando per se, pero que acaban siendo reflejadas ahí. El proceso del artista para concebir una canción es muy parecido al de quien la escucha: mientras la estás haciendo es una especie de depuración, y ya cuando la canción está ahí es cuando puedes analizarla", explica.

"No te puedes ir" fue, de hecho, la primera canción que Xel e Iván escribieron juntos, en un momento en el que apenas se conocían a nivel artístico. "Estábamos como conociéndonos, cotorreando referencias. En ese proceso se tomó la decisión de que fuera un bolero porque nos sentíamos con ganas de hacerlo", recuerda Iván. "Fue súper rápido, hubo muchísima química con esa canción." Terminada la letra, la dejaron reposar un par de meses antes de entrar a producirla, ya pensada como colaboración con Daniel, me estás matando: "Nos basamos en el lenguaje del bolero para que funcionara como tal, y la vestimos con referencias que Xel y yo tenemos de forma independiente."

Para Xel, el reto fue distinto: escribir desde cero y aprender, en tiempo real, cómo se produce un bolero sin traicionarlo. "Fue un proceso muy bonito porque tuve la oportunidad de escribir de cero y de vivir cómo se hace la producción de un bolero sin transformar el género, sino fusionarlo. Crear una atmósfera que se sienta fresca, diferente, pero sin hacer a un lado lo que el bolero necesita: su estructura, lo tradicional, su cualidad."

¿Cómo conviven lo lúgubre —el pandero, las atmósferas fúnebres— con la búsqueda de algo fresco? Para Iván, la respuesta está en que nunca componen pensando en una propuesta que le acomode a alguien. "Estamos tratando de ser muy honestos; en la composición no se piensa más que en plasmar. Y en la producción se piensa en hacer que la canción brille desde que nace. Sí conscientemente metemos cosas actuales —un delay acá, reversear el intro— porque queremos hacer una fusión, no porque no seamos conscientes de que queremos que suene a lo que nos gusta hoy." Xel lo resume como innovación más que como propuesta: "plasmar lo que escuchamos hoy, pero no con la intención de decir 'miren, nosotros proponemos'."

El proceso, coinciden, fue casi infantil en su intuición: "es de estar en un salón diciendo 'ay, estaría bien perro esto'", dice Iván. Incluso el ingeniero de grabación aportó ideas sobre la marcha, como revertir parte del track y colocarlo al inicio.

Detrás de esa apuesta por lo oscuro hay, además, una convicción compartida: "no toda la música tiene que ser de fiesta. Xel y yo somos personas hipersensibles, vivimos los sentimientos de forma muy intensa, y se me hace sincero plasmarlo en este tipo de canciones", dice Iván. Xel añade la dimensión colectiva de ese gesto: "hay mucha gente que no se siente con la habilidad de hablar las cosas o articularlas, y estas canciones les funcionan para decir 'ah, mira, eso es lo que estoy sintiendo'. Entra a un inconsciente colectivo donde todos conectamos con algo en comunidad, aunque cada quien lo interprete desde su lugar."

Más allá de lo técnico, ambos reconocen que la canción no habría existido sin el momento particular en el que se conocieron. "Nuestra relación laboral y personal encontró muchas similitudes: nos estaban pasando cosas muy parecidas. El hecho de habernos conocido en este punto de nuestras vidas, con tantos duelos vividos cada uno por su lado, fue decisivo para traer este tema a la mesa", dice Iván. La toxicidad de la letra, aclaran, es deliberadamente caricaturesca, persiguiendo el lenguaje dramático y solemne propio del bolero: la línea que sobrevivió a esa negociación creativa fue "quiero hacer de ti el más oscuro pensamiento", nacida —cuenta Xel— de ese gusto tan mexicano por el drama, la novela y el cine de oro, presente también en las referencias visuales del videoclip.

Sobre la dinámica de trabajo, Iván la describe con una metáfora casera: "cada quien llega al estudio con sus alimentos a la kermés: yo traje tostadas, yo traje pozole. Ponemos sobre la mesa los elementos con los que vamos a jugar y al final se toman decisiones." En el caso específico de "No te puedes ir", subraya, la relación fue "muy 50-50, muy de pregunta-respuesta", distinta a la dinámica habitual entre ambos, en la que Iván también funge como productor y manager de Xel.

Al pedirles que nombraran los aportes del otro, Iván destaca en Xel su interpretación —una lectura que trae la tradición del bolero viejo y su formación vocal, pero llevada a un terreno más moderno—, su afinidad melódica, que desde la concepción de la canción propuso las melodías más oscuras que definirían todo el concepto, y su apertura para escuchar y decidir en conjunto.

Xel, por su parte, señala que toda la instrumentación de la canción —percusiones, sintetizadores y más— corrió por cuenta de Iván, además de su manejo consciente de la armonía sin cerrarse a lo experimental. Pero lo que más valora es el espacio de trabajo: "hay mucha libertad creativa, se aceptan comentarios de todo tipo, y siempre hay un rebote muy sabio." Un espacio, notan entre risas, completamente libre y amoroso... nada que ver con la toxicidad de la canción que produjo.

Por ahora, no hay un EP conjunto en el horizonte inmediato, aunque Iván no lo descarta: "desde que la conozco tengo ganas de hacer un EP con ella, algo más folk o más bolero, porque nuestras texturas vocales se escuchan bonitas juntas." De momento, cada uno avanza en su propio proyecto: Iván produce el disco de Xel, previsto para principios del próximo año, mientras termina de acomodar el lanzamiento del suyo, ya completo, para octubre. Xel seguirá sacando sencillos rumbo a su propio álbum. "Somos un equipo", resume ella, "y seguramente vamos a seguir haciendo cosas juntos, pero por ahora cada quien en su camino, echándonos el ojito a la distancia."

Este año, Grupo Xcaret confirmó la vigésima edición de este festival, que se llevará a cabo del 30 de octubre al 2 de noviembre en Parque Xcaret, Quintana Roo, y reunirá durante cuatro días expresiones de memoria, arte, gastronomía y tradición popular mexicana.

El festival suma a Guanajuato como estado invitado. La entidad del Bajío compartirá con el público asistente sus tradiciones, saberes y manifestaciones artísticas y gastronómicas vinculadas al Día de Muertos, celebración reconocida por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad desde 2008.

La participación guanajuatense incluirá muestras gastronómicas, artesanías, expresiones escénicas y la presencia de portadores de tradición de distintas comunidades del estado, con el objetivo de mostrar una perspectiva propia de la festividad desde el centro del país.

Desde su primera edición, el festival se ha posicionado como una plataforma de visibilización para comunidades, artesanas, artesanos, cocineras tradicionales y artistas que sostienen las prácticas culturales asociadas a esta celebración. Grupo Xcaret sostiene que, a lo largo de veinte años, el encuentro ha funcionado también como puente generacional para acercar a públicos jóvenes a esta tradición.

Leticia Aguerrebere, Directora Corporativa de Arte y Cultura de Grupo Xcaret, señaló que llegar a dos décadas representa "la oportunidad de reafirmar nuestro compromiso de promover lo mejor de México" y describió al festival como un espacio donde las tradiciones "dialogan entre sí".

La edición 2026 contempla altares y ofrendas, espectáculos escénicos, música en vivo, danza, exposiciones, recorridos temáticos, talleres culturales y experiencias gastronómicas, además de encuentros con representantes de comunidades de Guanajuato y Quintana Roo. 

También entre los conciertos anunciados destacan las presentaciones de Pandora y Flans, agrupaciones que se suman a la cartelera musical de esta edición conmemorativa. Todo listo para esta nueva edición.