Dentro de Aztlán Feria de Chapultepec, en la segunda sección del Bosque de Chapultepec, se acaba de inaugurar Espacio Holanda, un concepto impulsado por The Magnum Ice Cream Company que busca transformar ese momento simple de elegir un sabor en una experiencia mucho más completa, interactiva y compartida.

No se trata solo de una heladería. La idea es que el visitante entre a un recorrido donde el helado es el punto de partida, pero no el único protagonista. Desde el inicio, el espacio propone una especie de juego: pantallas interactivas que preguntan cómo te sientes y, a partir de eso, sugieren qué helado podría ir mejor contigo. Puede parecer un detalle menor, pero marca el tono de todo lo que viene después: una experiencia pensada para involucrarte, no solo para servirte algo.

En el centro está la barra de helados, que conserva lo clásico —elegir sabores, decidir entre cono o vaso—, pero suma opciones de personalización que la hacen más cercana a un pequeño laboratorio de antojos. Hay más de diez sabores y distintas combinaciones posibles, además de productos reconocibles del portafolio de la marca, lo que permite que cada quien arme algo muy a su medida.

Uno de los puntos más llamativos es la llegada del MAGNUM Bar, una experiencia que ya existe en ciudades como Nueva York o París y que ahora aterriza en México. Aquí el proceso se vuelve casi performático: eliges tu helado, decides coberturas, toppings y combinaciones, y ves cómo se arma frente a ti. Hay pistache, arándanos, chispas, galleta, incluso detalles más visuales como glitter comestible. Todo pensado para que el resultado no solo se coma, sino que también se presuma.

Esa parte visual no es casual. El espacio incluye zonas diseñadas para capturar el momento, especialmente dentro de la icónica silueta de Magnum, donde el helado se vuelve también contenido. Es un guiño claro a la forma en que hoy se consumen las experiencias: vivirlas y compartirlas casi al mismo tiempo.

Pero no todo gira en lo inmediato. También hay una terraza que invita a bajar el ritmo. Un lugar para sentarse, ver el movimiento del parque y extender ese momento que normalmente dura lo que tarda en derretirse un helado. Aquí la experiencia se vuelve más pausada, más social, más cercana a la idea de estar con alguien sin prisa.

El espacio se completa con una línea de souvenirs exclusivos que solo se pueden conseguir ahí, lo que convierte la visita en algo que puede llevarse más allá del momento. No es solo recordar lo que comiste, sino también lo que viviste.

La llegada de Espacio Holanda encaja de forma natural con lo que Aztlán Feria de Chapultepec ha buscado construir: un lugar donde conviven entretenimiento, cultura y propuestas gastronómicas en un mismo recorrido. Con más de 58 mil metros cuadrados y múltiples atracciones, el parque se ha ido posicionando como uno de los puntos clave para pasar el día en la ciudad, y este nuevo espacio suma una capa distinta, más sensorial y participativa.

Detrás de todo esto hay también una intención clara por parte de The Magnum Ice Cream Company: ir más allá del producto. Apostar por experiencias que conecten con las personas desde lo emocional, desde el juego, desde la memoria. Porque al final, un helado puede ser solo un helado, pero también puede ser una excusa para detenerse, elegir, compartir y, por un momento, habitar algo distinto.

Espacio Holanda ya está abierto al público y se integra al recorrido del parque como una parada casi inevitable, justo frente a la rueda Aztlán 360 y cerca del área gastronómica. Un lugar que no pide demasiado tiempo, pero que fácilmente puede quedarse más del que uno pensaba.

El proyecto contará con Nicolas Cage como protagonista, quien retomará al personaje tras haberle dado voz en Spider-Man: Into the Spider-Verse. En esta ocasión, el actor lo interpretará en acción real, marcando además su primer papel protagónico en una serie de televisión.

El personaje de Spider-Man Noir pertenece a una versión alternativa del héroe de Marvel ambientada en un mundo inspirado en la estética del cine negro de los años treinta. Esta reinterpretación presenta una narrativa más sombría y detectivesca, muy distinta al tono habitual de otras historias del trepamuros.

Aunque el personaje ya había ganado popularidad gracias a su aparición animada en el Spider-Verse, la nueva serie buscará explorar con mayor profundidad este universo en un formato live action.

La participación de Nicolas Cage en proyectos de superhéroes no es algo nuevo. El actor ya encarnó al motociclista sobrenatural Ghost Rider en las películas Ghost Rider (2007) y Ghost Rider: Spirit of Vengeance (2011).

Además, durante la década de los noventa estuvo muy cerca de interpretar a Superman en el proyecto cancelado Superman Lives, una película dirigida por Tim Burton que nunca llegó a concretarse. Décadas después, la curiosa historia detrás de aquella producción recibió un guiño cuando el actor apareció brevemente como el Hombre de Acero en The Flash (2023).

El lanzamiento de la serie podría tener una conexión interesante con la próxima edición de CCXPMX, una de las convenciones de cultura pop más importantes del país.

Entre las pistas que han comenzado a circular entre los fans, destaca que la imagen de los badges de la convención de este año está inspirada en la serie Spider-Noir, lo que ha generado especulación sobre la posible presencia de Nicolas Cage como invitado especial durante el evento.

Aunque aún no hay confirmación oficial, la idea no resulta descabellada si se considera el nivel de invitados internacionales que la convención ha presentado anteriormente.

En su edición pasada, el evento reunió a importantes figuras de la industria del entretenimiento, entre ellas James Gunn, John Cena, Scarlett Johansson y Mads Mikkelsen.

También asistió el elenco principal de The Fantastic Four: First Steps, la nueva película del equipo de Marvel Studios, conformado por Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn y Ebon Moss-Bachrach.

Con el estreno de Spider-Noir cada vez más cerca y la convención preparando nuevas sorpresas para los fans, no sería extraño que el oscuro universo del trepamuros llegue a México acompañado por su protagonista.

El material forma parte de Famous Last Words, serie disponible en Netflix que reúne testimonios finales de figuras públicas en momentos decisivos de su vida. En el episodio dedicado a Dane, el actor sostuvo una conversación amplia con Brad Falchuk, donde abordó su trayectoria profesional, el impacto de interpretar al doctor Mark Sloan y los retos personales que enfrentó a lo largo de su carrera.

Durante la entrevista, Dane habló sobre la exposición mediática, la presión que implica formar parte de producciones de alto perfil y los cambios que experimentó a nivel personal tras su diagnóstico. El episodio muestra una versión más reservada del actor, centrada en la manera en que procesó su enfermedad y reorganizó sus prioridades.

El momento central llega al final del programa cuando Falchuk se retira del set y la cámara permanece fija en Dane, quien dirige un mensaje directo a sus hijas, Billie y Georgia, en un cierre que resume el sentido personal que marcó su etapa final.

Billie y Georgia, estas palabras son para ustedes. Lo intenté. A veces tropecé, pero lo intenté. En general, nos lo pasamos genial, ¿verdad? Recuerdo todos los momentos que pasamos en la playa, ustedes dos, mamá y yo, en Santa Mónica, Hawái, México. Ahora las veo jugando en el océano durante horas, mis pequeñas del agua. Esos días, con un juego de palabras, fueron el paraíso. Quiero contarles cuatro cosas que he aprendido de esta enfermedad, y espero que no solo me escuchen. Espero que me escuchen.

Primero, vive ahora. Ahora mismo. En el presente. Es difícil, pero aprendí a hacerlo. Durante años, he estado divagando mentalmente y perdido en mi mente durante largos periodos de tiempo, revolcándome y preocupándome en la autocompasión, la vergüenza y la duda. He repasado decisiones, me he cuestionado a mí mismo. «No debería haber hecho esto. Nunca debería haber hecho aquello». Se acabó. Por pura supervivencia, me veo obligado a permanecer en el presente. Pero no quiero estar en ningún otro lugar. El pasado contiene arrepentimientos. El futuro sigue siendo desconocido. Así que tienes que vivir ahora. El presente es todo lo que tienes. Atesóralo. Aprecia cada momento.

Segundo, enamórate. No necesariamente de una persona, aunque también lo recomiendo. Pero enamórate de algo. Encuentra tu pasión, tu alegría. Encuentra eso que te hace querer levantarte por la mañana, que te impulsa durante todo el día. Me enamoré por primera vez cuando tenía más o menos tu edad. Me enamoré de la actuación. Ese amor finalmente me ayudó a superar mis horas más oscuras, mis días más oscuros, mi año más oscuro. Todavía amo mi trabajo, todavía lo espero con ansias, todavía quiero ponerme frente a una cámara e interpretar mi papel. Mi trabajo no me define, pero me emociona. Encuentra algo que te emocione. Encuentra tu camino, tu propósito, tu sueño. Luego, lánzate. De verdad, lánzate.

La serie construye cada episodio a partir de entrevistas grabadas poco antes de eventos determinantes como retiros, despedidas públicas o fallecimientos. El formato combina estos testimonios con material de archivo y análisis de periodistas, especialistas y personas cercanas a los protagonistas.

K-Pop Demon Hunters es la reinterpretación de la historia del chamanismo coreano, sus rituales, la feminidad, la vergüenza, la represión, el inframundo, el capitalismo, el poder y la eterna lucha entre el bien y el mal, todo en medio de canciones y luces que, a simple vista, parecen sólo dibujitos.

En el prólogo de Las guerreras del K-pop nos cuentan cómo los demonios siempre acecharon nuestro mundo, robando almas y canalizando la energía hacia su rey, Gwi-Ma; hasta que aparecieron tres heroínas que a través de sus cantos sobre el valor y la esperanza crearon una barrera mágica para proteger al mundo, la Honmoon. Esta historia es una analogía de la instauración del confucianismo sobre el Musok o chamanismo coreano.

En el siglo XIV la influencia de China sobre la península de Corea expandió el confucianismo como una filosofía de progreso, cambiando a un sistema jerárquico basado en la supremacía masculina, confinando a las mujeres a tareas de cuidado y servicio. Sin embargo, el antiguo chamanismo ofreció a las mujeres un espacio de expresión y resistencia cultural y espiritual; la antropóloga Verónica del Valle asegura que “chamanismo coreano se le puede considerar como una experiencia cultural inherentemente femenina”.

Las mudang, chamanas coreanas tradicionales, son descritas como seres que fungen de intermediarias entre el cielo y la tierra, entre los espíritus y la humanidad, que tienen la función de reconciliar y armonizar los opuesto, y al igual que las cazadoras Mira, Zoey y Rumi, lo hacen a través de cantos, mantras y danza.

Durante los siglos XVII y XIX el cristianismo se vio como una puerta a la modernidad y una solución al atraso social y económico que vivía la península; con ello se replantea el papel de la mujer, pero se sigue manteniendo una estructura patriarcal.

En la película ganadora del Golden Globe, se expone esta aparente libertad femenina pero reprimida en lo privado: la dualidad de Rumi (mitad demonio) se envuelve en la vergüenza y la culpa que distingue al cristianismo, colocando a la humanidad como imperfecta y pecadora, indigna de admiración por ser quien es, sino por el cumplimiento del deber ser. En el cristianismo y la religión católica se admira y se aspira a una perfección impuesta, imposible; por eso se beatifica y admira a los santos, y se glorifica la virginidad de María.

Una de las grandes lecciones de esta historia es que la autoaceptación es la verdadera fuerza que dignifica a la humanidad; la luz y la oscuridad que habita en cada uno de nosotros es identitaria, reprimir una y resaltar la otra lo único que genera es lo que Freud llamó neurosis: la incongruencia entre lo que  se desea, se piensa y se actúa.

El modelo estructural de la personalidad propuesto por Sigmund Freud, divide la mente en tres instancias: el Ello, el Yo y el Superyó. Sin ponerme muy teórico, el Ello es esa parte instintiva, rebelde, liberal, salvaje; el Superyó es la voz castigadora, punitiva, controladora que nos enseñaron de pequeños; mientras que el Yo actúa como un mediador. Algo así como el angelito y el diablito que vemos en las caricaturas.

Las voces de culpa que Gwi-Ma hace resonar en la cabeza de los demonios y las personas son el Superyó, también es la vergüenza que siente Rumi por ser calificada como un error desde niña, es la represión impuesta por su tutora, Celine.

Desde la moral cristiana, la lucha entre el “bien y el mal” se ha reducido a lo “correcto o lo incorrecto”, a la normativa social, el comportamiento esperado, la dicotomía de la virtud y el pecado; sin embargo, para el chamanismo coreano, esos pecados no son más que excesos, faltas, desequilibrios energéticos que puede ser restaurados a través de rituales de reconciliación y limpieza que traen de vuelta la armonía. 

Esa restauración la podemos equiparar a otro concepto psicoanalítico: la fuerza Yoica. Es la capacidad del Yo para mantener el equilibrio entre los deseos y demandas instintivas del Ello y las restricciones y exigencias moralistas del Superyó. Es decir, tomar decisiones responsables sin obedecer al “diablito” o al “angelito”.

Esa fuerza Yoica se ilustra cuando las cazadoras crean una nueva Honmoon que une ambas fuerzas, más allá del castigo por parte del rey demonio y la represión de las cazadoras que precedieron a las protagonistas. Una Honmoon que acepta el lado luminoso y oscuro de la humanidad, la autenticidad, el equilibrio, la homeostasis.

Las Guerreras del K-Pop, como toda buena historia, es atemporal, un mito que se repite infinitamente para responderse con las mismas preguntas; la película dirigida por Maggie Kang y Chris Appelhans no sólo hace una analogía de la historia del chamanismo coreano, también reinterpreta y reafirma a la cultura como parte esencial del poder blando.

El politólogo Joseph Nye define al poder blando como “la habilidad de obtener lo que quieres a través de la atracción, en lugar de la coerción y la fuerza”, algo muy similar al plan que le propone Jinu al demonio mayor, Gwi-Ma: una boyband para atraer fans y robarles su alma; sin obligarles, sino atrayéndoles.

Pero esto no es exclusivo de los demonios, el K-pop debe su éxito a la Cultura Tecnológica ideada por el productor Lee Soo-man (el padre del K-pop), quien escribió un manual para que su sello discográfico, SM Entertainment, asegurara el éxito de cada Idol, controlando no sólo la música sino su alimentación, peso, complexión, forma de vestir, de hablar, con quién socializar, qué lugares visitar. Muy similar a Gwi-Ma, ¿no crees?

La Cultura Tecnológica prioriza la cultura sobre la economía, porque a través de la cultura se obtienen ganancias no sólo monetarias; la Ola Coreana es el poder blando manufacturado y empaquetado, una receta infalible para adaptar la cultura coreana a los convencionalismos locales de cada país o región, porque el fin último es la conquista del mercado, no del territorio. No controla tu mente, pero sí la cultura y forma de consumo.

Las Guerreras del K-Pop es una gran película porque aprovecha uno de los grandes conflictos de la humanidad: ¿quién soy? Y nos da una respuesta en forma de fractal ¿Por qué? Porque cuestiona la imposición, la represión, la enajenación, pero al mismo tiempo refleja y legitima eso que desaprueba: cantamos en la misma armonía que la libertad y el dinero, bailamos al ritmo de la autenticidad y la moda, consumismos felicidad y pagamos con vergüenza para recibir películas que nos dicen que nos amemos por quienes somos. La cultura es el arma más sofisticada del imperialismo.

La anemoia es un concepto acuñado por el escritor y neólogo John Koenig en su Diccionario de Penas Oscuras, un proyecto dedicado a poner nombre a emociones complejas que suelen pasar desapercibidas. En este caso, se refiere a la nostalgia por una época que nunca vivimos, un anhelo dirigido a un pasado construido más desde la imaginación que desde la experiencia.

El término proviene del griego "ánemos" (viento) y "nóos" (mente). La imagen que propone Koenig es casi poética: un árbol inclinado por una ráfaga fuerte, como una mente que se dobla hacia atrás, empujada por el deseo de un tiempo que no existió para quien lo añora. 

Tal vez por eso resurgen objetos y prácticas que parecen anacrónicas como el encanto de los discman, los teléfonos viejos, las cámaras analógicas o las libretas de papel para escribir a mano. 

Pero aquí hay que aclarar que, la idealización de décadas pasadas no implica necesariamente que hayan sido mejores. Más bien habla de una necesidad contemporánea: escapar, aunque sea mentalmente, de la saturación informativa, la hiperconectividad y la prisa constante. 

Reconocer este sentimiento también permite entender por qué ciertas estéticas, sonidos y narrativas del pasado siguen teniendo tanta fuerza cultural hoy. Quizá sea por ello que, imaginar otros tiempos —aunque nunca hayan sido propios— funciona como una forma de refugio emocional.

Así que si alguna vez sentiste nostalgia por algo que nunca fue tuyo, no es una contradicción ni una exageración. Probablemente estabas experimentando anemoia, la melancolía de un pasado imaginado que, aun sin haber existido, dice mucho sobre el presente.

Artabán era un sabio oriental que al igual que sus homólogos, también observó la estrella que anunciaba el nacimiento de Jesús. Junto con Melchor, Gaspar y Baltasar, decidió seguirla y partió hacia Belén con la intención de ofrecer regalos al recién nacido. Sin embargo, a diferencia de los otros Reyes Magos, su trayecto estuvo marcado por constantes interrupciones.

La leyenda es así. Artabán lleva consigo tres joyas de gran valor: un diamante, un rubí y una perla. En el camino, se detiene para auxiliar a personas en situaciones de extrema necesidad. 

Antes de llegar a Belén se topa con un hombre golpeado y desposeído de sus ropas. Artabán se lamenta por él y decide otorgarle el diamante que lleva consigo a fin de ayudar al hombre.

Cuando logra llegar a Belén, el bebé Jesús ya no se encontraba ahí. Los otros Reyes Magos habían partido y el episodio del pesebre había quedado atrás. En su lugar se encuentra con otra noticia: el rey Herodes ha comenzado una persecución contra los niños menores de dos años. Artabán, testigo de la violencia, comprende que ha llegado demasiado tarde.

Durante la matanza, ve a un soldado dispuesto a matar a un niño y para impedirlo, entrega una de las joyas que llevaba consigo, el rubí, a cambio de la vida del menor. El acuerdo no pasa desapercibido y un superior descubre el intercambio por lo que ordena el arresto de Artabán, quien pasa cerca de tres décadas en prisión.

Treinta años han pasado y Artabán, con su libertad de vuelta, continúa su camino sin riquezas ni reconocimiento. Años después, ya anciano, vuelve a intervenir para ayudar a otra persona, esta vez en Jerusalén, una ciudad marcada por la miseria y la violencia.  Entre el bullicio de la gente escucha el ruido de una subasta: una joven está siendo vendida como esclava. Artabán recuerda que aún conserva una última joya y la entrega para comprar su libertad.

En ese momento, a la par, la multitud observaba a un hombre que era crucificado por hacerse llamar “el Hijo de Dios”. Un fuerte temblor abrió el suelo tras la ejecución de aquel hombre y Artabán, cansado y débil cayó al piso. Son los últimos momentos de este anciano quien se lamentaba por haber fracasado en su búsqueda por encontrar al Mesías. 

Entonces escucha una voz que le acaricia el oído con la siguiente frase: “Lo que hiciste por mis hermanos, lo has hecho por mí”. 

Ahí comprende que finalmente llegó a su destino y lo que encontró no estaba en el templo ni en el pesebre, sino en cada acto de misericordia que realizó durante su vida.

El relato fue popularizado a finales del siglo XIX por Henry van Dyke, en el cuento The Story of the Other Wise Man (1895), y desde entonces se ha convertido en una poderosa alegoría cristiana sobre la caridad, el tiempo y la fe vivida en actos.

La historia de Artabán ha sobrevivido como una narración paralela al relato oficial del Día de Reyes y continúa siendo una referencia cultural que cuestiona la idea de éxito espiritual y propone una fe entendida como responsabilidad frente a los otros.

Pero Klaus no es sólo la historia de un nepo baby que encuentra redención en un pueblo lejano del polo norte contagiando de paz y amor a sus habitantes, ¡no! Klaus es una película animada que expone la cultura del odio, la guerra, el mito, la violencia, la familia, la motivación, la política y el poder; todo en medio de un cuento navideño que, a simple vista, parece ser sólo dibujitos.

El sociólogo y antropólogo Marcel Mauss afirma que, "los mitos se establecen en el espacio y se producen en el tiempo a través de los ritos", es decir, en los ritos se reproducen y conmemoran los mitos, y la tradición de Santa Claus trayendo regalos cada año no es la excepción.

El mito de Santa Claus tiene su origen en Nicolas de Bari, un obispo de ascendencia griega que regaló su fortuna a los pobres. En la edad media, cada 5 de diciembre, en la víspera de la fiesta patronal de San Nicolas, se les daba obsequios a los niños en honor a este santo, tras la reforma protestante, los regalos se cambiaron al 25 de diciembre por el nacimiento de Cristo, pero sin dejar de cumplirse esa estrecha relación entre mito y rito.

El director español, Sergio Pablos, hace una reinterpretación del origen de Papa Noel, porque como dijo Levy-Stratuss, “el valor intrínseco atribuido al mito proviene de que estos hechos, forman también una estructura permanente, ella se refiere simultáneamente al pasado, al presente y al futuro”. Klaus es una película que cuenta el origen de un mito antiguo como respuesta a una problemática actual, con esperanza en un futuro pacífico y tolerante.

Expone al mito como una explicación fantástica a eventos reales que nosotros como espectadores sí conocemos, comprendiendo que la magia no está en los hechos mismos, sino en la interpretación del misterio que les rodea; está en las acciones que entretejen cada decisión e influyen en las acciones de los Otros. El mito tiene una función e influencia en lo social.

La perspectiva contemporánea de Klaus resalta la inocencia de los niños, pero expone la influencia de las estructuras rígidas que los adultos mantienen como tradición: las y los niños aprenden de sus familias a odiar al otro clan. 

Sergio Pablos reinterpreta la frase, “los niños son el futuro”; no como una promesa vacía, sino como la disposición a aprender valores y acciones que no recibieron en casa, para luego compartirlos con su familia; las y los niños son el futuro siempre y cuando los adultos dejen atrás el pasado y tomen decisiones en beneficio de sus comunidades.

Klaus nos muestra que para romper los ciclos de violencia familiar se requiere de un agente externo, en este caso Jesper y Klauz, que accionan nuevos comportamientos y cuestionan la dinámica que los clanes Ellingboe y Krum mantenían permanentemente.

El largometraje español está protagonizado por Jesper (voz de Sebastían Yatra en Latinoamérica), el hijo consentido del director general de correos, quien le manda a un pueblo recóndito del círculo polar ártico llamado Smeerenburg, para otorgarle de responsabilidades y humildad —como todo cuento navideño— e impulsar el correo en la región, si lo logra puede regresar a su vida lujosa y privilegiada.

Ya en el pueblo, se da cuenta que los dos clanes lo habitan están en conflicto todo el tiempo. Por una acción fortuita e inesperada, conoce a un artesano y leñador que acepta regalarle uno de sus juguetes a un niño que se sentía triste y solo; esta acción desata una serie de cambios en las relaciones entre los dos clanes: los niños empiezan a compartir los juguetes con sus adversarios, sus padres construyen relaciones de respeto y solidaridad con el otro clan, hasta que poco a poco el pueblo oscuro y descuidado, se llena de colores, luces y amistad.

Y podrías decir “¡Ay que bonito final!”, pero no, es a penas el principio; a los líderes de cada clan no les gustó la idea, por que como lo dice Tammy Krum: “este pueblo se construyó con resentimientos y rencores. Y va a seguir siendo así mientras un Smeerenburg y un Krum siga teniendo voz y voto”.

No es un secreto que la guerra es conveniente para la clase privilegiada, les dota de poder, estatus económico, político y social; lo interesante de la película es cómo exhibe la naturalización de la guerra: así ha sido siempre, ¡no puede cambiar!

El sociólogo francés, Pierre Bourdieu, nombró violencia simbólica a esa forma de dominación sutil a través de la imposición de significados para entender y ver el mundo; la violencia simbólica legitima la dominación mientras los dominados la aceptan como algo natural, una Verdad necesaria y única. Para Smeerenburg la única Verdad era la guerra, algo que Bourdieu llamó, Doxa: el nivel más profundo del orden social, las ideas que ni se discuten, es el sentido común de una sociedad.

El Doxa se manifiesta cuando escuchas decir a alguien: “aquí chambeando, no hay de otra”, o “¿qué podemos hacerle? Así son las cosas”, o mi favorita, “no digas ni hagas nada, no te metas en problemas”. La Doxa es la complicidad más profunda entre dominantes y dominados.

La antropóloga Margaret Mead afirmó en su ensayó, La guerra es sólo una invención, no una necesidad biológica (1940), “así como las guerras comienzan en la mente de los hombres, la paz también comienza en nuestras mentes. La misma especie que inventó la guerra es capaz de inventar la paz. La responsabilidad recae en cada uno de nosotros”.

85 años después la humanidad sigue necesitando sentido de responsabilidad, pero igual que los regalos navideños, la responsabilidad no es un acto de magia, no basta con desearla, se construye con acciones. Para “inventar” la paz, tenemos que tomar decisiones y la mejor película de los Premios Annie de 2019 lo ejemplifica muy bien: Jesper pasa de ser un nepo baby con todos los privilegios, a un cartero comprometido con la felicidad y bienestar de las y los niños; Klaus superó la depresión para reencontrar la pasión por crear juguetes; Alva se reconcilia con su vocación de enseñanza; los niños encuentran en los juguetes una motivación para mejorar su comunidad; y sus padres reconocen que hay más similitudes que diferencias con sus enemigos.

Sólo se puede tomar acción si conocemos el valor de la causa, algo que Bourdieu denominó, Illusio: la inversión afectiva que da importancia a una causa, es la energía y compromiso que imprimimos a algo. El Illusio es aprendido, a eso se refiere la frase, “un acto sincero de bondad siempre provoca otro”, una acción genuina, con valor de causa, una decisión tomada a conciencia genera un cambio, una bola de nieve que crece y crece porque vamos aprendiendo unos de otros.

Por eso es importante conocernos y conocer nuestro entorno; reconocer dónde nacen nuestros prejuicios, cuáles son nuestras motivaciones y deseos realmente, qué no nos permite “inventar” la paz, pero sí perpetuar la guerra. No hay cambio sin autoconocimiento, no hay armonía sin desafío de las desigualdades; la esperanza de la navidad es pura propaganda si no hay acciones, tomar responsabilidad es el mejor regalo esta navidad, y cuando sea.

Instagram del autor: @pepe.moss

Estas festividades, arraigadas en contextos culturales, religiosos y filosóficos distintos, revelan que el final de diciembre no pertenece a una sola narrativa, sino a múltiples formas de comprender el tiempo, la comunidad y la esperanza.

Una de ellas es Yalda, celebrada en Irán la noche del 20 o 21 de diciembre, considerada la más larga del año. Este festejo anuncia el nacimiento de la luz y honra a Mitra, deidad solar de antiguas tradiciones persas. Reunirse con la familia, compartir frutas rojas como la granada y recitar poesía clásica no es solo un ritual doméstico, sino un gesto simbólico que representa el tránsito del caos al orden, de la oscuridad a la claridad.

En la tradición judía, Hanukkah —que significa “dedicación”— se extiende durante ocho días y conmemora la victoria contra la dominación macabea y la purificación del Templo de Jerusalén. Cada noche se enciende una vela más en la januquiá, el candelabro de ocho brazos, como recordatorio del milagro de la luz que se mantuvo encendida más tiempo del esperado. Sus fechas varían cada año, ya que se rige por el calendario hebreo, pero su sentido permanece: celebrar la resistencia, la memoria y la continuidad cultural.

En Asia oriental, particularmente en China y Taiwán, Dong Zhi marca la llegada del invierno y se fundamenta en la filosofía del Yin y el Yang. Esta festividad reconoce que, tras alcanzar su punto más bajo, la energía solar comienza lentamente a crecer. De acuerdo con el calendario chino, ocurre entre finales de diciembre y principios de enero, y se celebra como un momento de equilibrio, renovación y fortalecimiento de los lazos familiares.

Mucho antes del cristianismo, la antigua Roma celebraba las Saturnales, una festividad dedicada a Saturno, dios de la agricultura, que coincidía con el final del trabajo en el campo. Durante siete días, las jerarquías sociales se relajaban: los esclavos podían sentarse a la mesa con sus amos, se intercambiaban regalos y la vida pública se teñía de una alegría colectiva que cuestionaba, aunque fuera de manera temporal, el orden establecido.

Más cercana en el tiempo, pero igualmente significativa, es Kwanzaa, celebrada del 26 de diciembre al 1 de enero en algunas comunidades afrodescendientes de América. Esta festividad honra la herencia africana a través de siete principios —como la unidad, el trabajo colectivo y la creatividad— representados por velas rojas, negras y verdes. El cierre llega con el Karamu, una gran cena comunitaria que refuerza la identidad, la memoria histórica y el sentido de pertenencia.

Aunque distintas en origen y forma, todas estas celebraciones comparten la necesidad humana de detenerse, reflexionar y reencontrarse con los otros en un momento de transición.

El descubrimiento ocurrió en la zona de Antirhodos, una isla hoy sumergida que formaba parte del antiguo Portus Magnus, el gran puerto de la ciudad. De acuerdo con el Instituto Europeo de Arqueología Subacuática (IEASM), la embarcación mide cerca de 35 metros de largo y estaba diseñada para transportar un pabellón central con un camarote decorado con materiales finos, un rasgo que refuerza su vínculo con las naves descritas por Estrabón durante su visita a Alejandría entre los años 29 y 25 a. C.

“Estas embarcaciones están lujosamente equipadas y son utilizadas por la corte real para excursiones; y la multitud de juerguistas que bajan desde Alejandría por el canal a los festivales públicos; pues cada día y cada noche están llenos de gente en los barcos que tocan la flauta y bailan sin restricciones y con extremo libertinaje”, según describió Estrabón.

El arqueólogo Franck Goddio, director de la misión y profesor visitante en la Universidad de Oxford, explicó que el barco se ubicaba a solo siete metros de profundidad y bajo una capa de sedimento de poco más de un metro. Inicialmente creyó que se trataba de dos embarcaciones superpuestas debido a la inusual construcción: una proa plana y una popa redondeada, una combinación poco común que permitía navegar en aguas someras.

Este hallazgo se suma a una larga serie de exploraciones dirigidas por Goddio en el litoral egipcio desde 1992, realizadas en colaboración con el Ministerio de Antigüedades de Egipto. Entre sus hitos destacan los descubrimientos de la antigua ciudad de Thonis-Heracleion y sectores de Canopo en la bahía de Abu Qir, revelados en el año 2000. 

De estos sitios han emergido piezas monumentales, incluidas estatuas colosales de gobernantes ptolemaicos. En 2019, el equipo identificó también un naufragio cuya estructura coincidía con descripciones de Heródoto.

El barco recién localizado se encuentra a menos de 50 metros del templo de Isis, otro punto excavado por el IEASM. Según Goddio, la embarcación pudo haberse hundido durante la destrucción de ese santuario hacia el año 50 d. C. Por ahora, los restos permanecerán en el lecho marino. “Seguimos la normativa de la Unesco, que considera que es mejor dejar los restos bajo el agua”, señaló el arqueólogo.

Aunque solo una fracción del área ha sido explorada, el equipo prevé continuar con las excavaciones para ampliar el conocimiento sobre la vida portuaria y ritual de la Alejandría antigua.

El conflicto central de la secuela dirigida por Jared Bush (Moana, Encanto), es la exclusión de los reptiles dentro de los cuatro principales ecosistemas de la ciudad por ser catalogados como “peligrosos”. La segregación, el supremacismo, la intervención del empresariado en la política, la gentrificación y la urbanidad, son debates actuales que no eximen a las películas que, a simple vista, parecen ser sólo dibujitos.

En 1516, Tomás Moro, publica (y agarra aire), Librillo verdaderamente dorado, no menos beneficioso que entretenido, sobre el mejor estado de una república y sobre la nueva isla de Utopía. Fue escrita como una respuesta económica, política y filosófica a los conflictos que atravesaba Inglaterra y las nacientes democracias europeas.

El narrador de la obra describe la isla de Utopía como una comunidad pacífica, que establece la propiedad común de los bienes, y se elegía a sus autoridades mediante el voto popular. Pero no nos dejemos engañar, la intensión de Tomás Moro no fue decir que este era un lugar ideal, sino cuestionar el — en ese entonces —, nuevo sistema político europeo:

El personaje de Hythloday, dice, “así, cuando miro esas repúblicas que hoy día florecen por todas partes, no veo en ellas - ¡Dios me perdone! - sino la conjura de los ricos para procurarse sus propias comodidades en nombre de la república. Imaginan e inventan toda suerte de artificios para conservar, sin miedo a perderlas, todas las cosas de que se han apropiado con malas artes, y también para abusar de los pobres pagándoles por su trabajo tan poco dinero como pueden. Y cuando los ricos han decretado que tales invenciones se lleven a efecto en beneficio de la comunidad, es decir, también de los pobres, enseguida se convierten en leyes”. 

En Zootopia 2, la familia Lynxley representa a la clase privilegiada capaz de dictar las leyes, poner gobernantes a modo, construir narrativas donde ellos son los héroes y benefactores, criminalizar a las minorías y desplazar pueblos enteros, invisibilizando sus luchas y aporte a la cultura. La utopía no es un mejor futuro, es la promesa de mejorar el pasado para la clase opresora.

Tres siglos después de la Utopía de Tomás Moro, Friedrich Nietzsche publica en Alemania, La genealogía de la moral: un escrito polémico, donde expone que la moral europea (basada en los valores cristianos), no son universales ni naturales, sino producto histórico de luchas de resentidos contra los nobles. Sí, ese calificativo de “resentido”, ya lleva rato.

Nietzsche afirma que hubo una primera moral: la moral del amo. Desde la perspectiva de los “amos”, todo lo relacionado a su felicidad, confort y estilo de vida es “lo bueno”; por lo tanto, “lo malo” es todo lo relacionado a los débiles, los esclavos, los enfermos, lo diferente. De ahí se desprenden conceptos más complejos como la justicia y la culpa, y se materializan en leyes, valores, discursos, urbanización, jornadas laborales, acceso a transporte, bienes y educación.

El filósofo alemán afirma que la moral de los esclavos es la moral del resentimiento, porque los amos ejercen su poder sobre ellos y ellas que, desde su perspectiva, son “buenos”; herencia de los valores judeocristianos que ven al egoísmo, la riqueza y al poder como pecado.

No es casualidad que este resentimiento se personifique en Zootopia 2 con la serpiente Gary De'Snake; históricamente la serpiente es símbolo del mal, el pecado, la tentación, el error. Contrario a la tradición judeocristiana, en Zootopia expulsaron a las serpientes del paraíso. Pero todo es cuestión de perspectiva.

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Zootopia es un islote (como el de Tomas Moro) subdividido en 4 regiones: selva, sabana, tundra y desierto. Y una capital urbanizada en el centro, donde está el poder económico y político. 

En la secuela nos muestran otra región periférica donde viven los animales semiacuáticos y los reptiles, animales desplazados de su lugar endémico y cubiertos de nieve para ocultar una verdad: el aporte creativo y tecnológico de las serpientes para la construcción de Zootopia (sí, fue necesario el spoiler, lo siento).

A los dueños de la “bondad”, también les pertenece la “verdad”. Las serpientes y reptiles fueron expulsados de Zootopia porque, según la narrativa de la familia de linces ricachones, son peligrosos, ladrones y criminales. Y por eso no son admitidos en ningún ecosistema de la ciudad de mamíferos.

El objetivo de Gary De'Snake es reivindicar el honor de su familia dentro de la historia oficial: un mito donde la familia Lynxley son los héroes que lograron dar orden y progreso para cada habitante de Zootopia. Un mito que se sostiene en la manipulación, apropiación de territorios, desplazamiento, segregación y supremacismo de los mamíferos sobre los reptiles.

Contrario a Rebelión en la Granja, de George Orwell, Disney no da el salto a la revolución colectiva, es más, ni lo sugiere; como siempre, reduce todo al “poder de la amistad”, una justicia reduccionista donde la policía es “buena” (a lo Nietzsche) y encarcela a los “malos”, todos viven felices y contentos porque lo más importante es que se haya encontrado la verdad y se cumplan sus sueños.

Podemos acusar de “progre” a Disney, pero como dice el crítico y novelista Raymond Williams: “el arte, cuando se convierte en industria, se enfrenta a la paradoja de ser al mismo tiempo emancipador y reproductor de las estructuras sociales”.

Disney, en Zootopia 2, se agarra de los debates actuales para cumplir un cometido mercadológico, y me atrevería a decir, propagandístico muy simplón, porque la justicia social no se alcanza pidiéndole a un perezoso que te lleve en su auto deportivo a salvar a tu amiga coneja, el reconocimiento histórico no se logra con recuperar un libro y mágicamente todas y todos comprenden la verdad, sino cambiando las estructuras verticales del poder. 

Lo único en lo que sí estoy de acuerdo con Disney respecto a la moraleja de esta fábula es que no puedes confiar en los ricos, por mucho que te diga que son diferentes y tienen buenas intenciones.

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IG del autor: @pepe.moss

El evento tuvo lugar en los Estudios Maravilla, donde los participantes —elegidos entre más de 1,700 registros— se enfrentaron a una serie de retos diseñados para poner a prueba su técnica, creatividad y capacidad narrativa. 

A través de estas pruebas, los concursantes transformaron sabores y aromas en “historias líquidas”, explorando nuevas maneras de conectar con la cerveza como símbolo de identidad y autenticidad.

La jornada incluyó una capacitación de marca impartida por Rodrigo Mendoza, Brand Manager de Cerveza Indio, y una máster class a cargo de Alfredo “Fraio” Pérez, reconocido mixólogo y embajador de la marca. La competencia culminó con el reconocimiento de cinco ganadores: José Carlos Gaspar, Víctor Manuel Quintana, José Alejandro Cervantes, Abigail Noguez y Carlos Jael Hernández, quienes recibieron premios en efectivo para impulsar sus proyectos personales o profesionales.

“En Cerveza Indio creemos que tener Alma Guerrera es más que una actitud: es una forma de vivir y de mantenerse fiel a lo que uno es”, expresó Mendoza durante el encuentro. Con este proyecto, la marca busca fortalecer la comunidad de la mixología mexicana y rendir homenaje a quienes mezclan con pasión, creatividad y orgullo por su identidad cultural.

Encuentro de Guerreros funcionó como un espacio de colaboración y aprendizaje, donde se compartieron técnicas, historias y una visión colectiva sobre lo que significa crear desde lo local resaltando las expresiones contemporáneas que nacen del mestizaje cultural mexicano y que, como sus mezclas, revelan una identidad siempre en transformación.

Mary se casó primero con un zapatero, John Steadman, y luego con un cirujano en Dover, llamado Day. Fue en su primer matrimonio donde tuvo hijos, que lamentablemente no sobrevivieron, una tragedia que marcó su temprana vida y la empujó a buscar nuevas formas de control sobre su destino. En 1658, fue denunciada por bigamia, pero logró convencer al juez de que no había pruebas suficientes y salió absuelta; su primer esposo no compareció para testificar. Más tarde, dejó también a ese segundo marido y comenzó una década de estafas que la harían célebre. No esperaba a que sus esposos murieran; su estrategia era simple: seducir, casarse, quedarse con su dinero y huir. Algunos hombres ni siquiera la denunciaron, por miedo al ridículo, así que nadie sabe con certeza cuántas veces se casó.

Antes de su tercer matrimonio, Mary pasó un tiempo en Colonia, Alemania, moviéndose entre la alta sociedad local. Allí se casó con un caballero mayor que se enamoró perdidamente de ella; la boda se fijó a los tres días. Él le encargó todos los preparativos y le dio una gran cantidad de dinero para cubrir los gastos. Mary, con su ingenio habitual, escapó con el botín, engañando incluso a su propia cómplice, la casera que había pactado con ella. 

 Con una mezcla de ingenio, audacia y encanto, Mary creó la identidad de una princesa alemana, huérfana y rica, con la que cautivó a la sociedad y, sobre todo, a John Carleton, un joven abogado ansioso por estatus y fortuna.

Su cortejo fue un verdadero juego de apariencias. Mary llegó a la taberna Exchange de Londres acompañada de un párroco y, tras unas interacciones cuidadosamente calculadas con los dueños, fue presentada a John. Ahí empezó su teatro: exhibió joyas y cartas, insinuó linajes y propiedades, y manejó la percepción del joven y su familia con maestría. La boda se celebró apresuradamente, incluso dos veces por problemas administrativos, y al principio, su riqueza parecía real para todos. Pero cuando la familia Carleton descubrió que su fortuna era en gran medida imaginaria, los conflictos estallaron: la acusaron  nuevamente de bigamia con la ayuda de testigos pagados, la despojaron de sus pertenencias y la llevaron a juicio.

En el Old Bailey, Mary enfrentó cargos de bigamia por su matrimonio con Carleton mientras estaba casada con Steadman. Sin embargo, gracias a testigos ineficaces y a su habilidad para manipular la narrativa, fue absuelta: el tribunal no logró demostrar su culpabilidad. Mary había aprendido a aprovechar la codicia y la impaciencia de los demás, así como las lagunas legales, para moverse con libertad entre ciudades y círculos sociales. Incluso después de ser deportada a Jamaica por un pequeño robo en 1671, logró regresar ilegalmente a Inglaterra y continuar con sus fechorías, mostrando que su astucia no tenía límites geográficos ni sociales.

Mary no solo engañaba, también actuaba. Participó en obras teatrales basadas en su propia historia, como The German Princess y A Witty Combat: Or, the Female Victor, donde reclutaba la simpatía del público y mostraba su ingenio social como si fueran soliloquios teatrales. Su habilidad para leer las reglas del mundo, para observar y manipular el comportamiento ajeno, la convirtió en una maestra del engaño y del espectáculo personal.

Su vida fue un constante movimiento entre la realidad y la ficción, donde cada identidad y cada mentira eran calculadas con precisión. La historia de Mary Carleton nos recuerda que la identidad puede construirse, negociarse y venderse, y que la audacia, cuando se combina con inteligencia y observación, se vuelve irresistible. Hoy, leer sobre ella es adentrarse en un juego donde las reglas siempre las escribe quien se atreve a imaginarlo todo y a actuar con la seguridad de una actriz que conoce su escenario y a su audiencia.

Pero, alguna vez te has preguntado si las leyendas en torno a las casas embrujadas aumentan su plusvalía? ¿cuánto costaría comprar una casa embrujada? ¿Si tuvieras el dinero comprarías una? 

La plataforma de finanzas Dinero.mx, compartió el ranking de las 10 casas embrujadas más conocidas y el costo promedio de venta o renta de cada una de ellas. Hay que considerar que, de acuerdo con Alejandro Sena, director general de la plataforma, “muchas de estas casas se localizan en colonias históricas, donde el valor inmobiliario supera el promedio nacional”. 

Entre las más conocidas se encuentra La Casa Negra, en la colonia Roma Norte, Ciudad de México. A principios del siglo XX funcionó como hospital para enfermos de tifoidea hasta que un incendio en 1935 —provocado por el miedo de los vecinos al contagio— acabó con la vida de los pacientes. Desde entonces, el inmueble permanece abandonado y en ruinas. Aun así, el costo promedio en la zona ronda los $74,127 pesos por metro cuadrado, por lo que un departamento de 100 m² supera los 6 millones de pesos.

También en la Roma Norte se levanta la Casa de las Brujas, famosa por su arquitectura gótica y por haber sido hogar de la médium “Pachita”, célebre por sus cirugías espirituales en los años sesenta. Los precios en esa área oscilan entre 6.3 y 36 millones de pesos, con rentas promedio de $38,200 mensuales.

Otra de las propiedades más comentadas es Casa Havre 32, en la colonia Juárez. Se dice que en los años veinte su propietaria realizaba sesiones de espiritismo y ouija, lo que habría dado origen a voces y apariciones. Hoy, el valor promedio es de 6.1 millones de pesos, y las rentas rondan los $27,800 pesos mensuales.

Fuera de la capital, los precios también reflejan el peso de la historia. En Guadalajara, la Casa de los Perros —actual Museo del Periodismo y las Artes Gráficas— tiene un valor estimado de 3.1 millones de pesos y una renta mensual de 19,500 pesos. La historia dice que fue propiedad de Don Jesús Flores y su esposa, quienes prometieron rezar novenarios mutuos. Tras la muerte de él, la viuda incumplió y pronto se casó de nuevo. Desde entonces se escuchan rezos, voces y lamentos en el interior. 

En Querétaro se encuentra la tristemente célebre Casa de la Hiena, donde en 1989 Claudia Mijangos asesinó a sus hijos. La “Hiena” –como se le conoció en medios locales– fue condenada a 30 años de prisión y en 2019 fue puesta en libertad. Actualmente, la propiedad alcanza los $23,014 pesos/m², con precios de venta promedio de 5.18 millones de pesos.

En el norte del país, la Casa de los Tubos en Monterrey, construida con un diseño futurista en los años setenta, tiene un costo aproximado de $27,250 pesos por metro cuadrado, lo que equivale a unos 11.5 millones de pesos por propiedad. Se dice que en su interior aún se escuchan los ecos de las muertes de los obreros que trabajaron en su construcción y la misma hija del propietario, que murió en un accidente. 

En Guanajuato, la Casa de las Brujas del Barrio de la Presa conserva una de las leyendas más crueles: dos mujeres habrían dejado morir de hambre a su sobrina en el sótano. Hoy, las viviendas en la zona se cotizan en $18,500 pesos/m², con rentas promedio de $24,253 pesos.

Por su parte, la Posada del Sol, en la colonia Doctores, es un hotel de los años 40 que nunca se consolidó y quedó en abandono. La leyenda dice que en sus túneles se escuchan voces, lamentos y la aparición de una niña. Su precio tiene un valor promedio de 3.36 millones. 

Esta casa en la colonia Popotla, saltó a la fama en los años 90 con el libro Cañitas de Carlos Trejo, que relataba sucesos paranormales tras una sesión de ouija. Su valuación es de 4.25 millones de pesos y un arrendamiento de 15,750 pesos al mes. 

Por último, está la Casa de la Tía Toña, en el Bosque de Chapultepec. Según la leyenda, la anciana que vivía ahí asesinó a los niños que cuidaba. Pese a la historia, las viviendas en esa zona —una de las más exclusivas de la ciudad— tienen un precio promedio de 13.78 millones de pesos, y rentas que pueden superar los $60,000 pesos mensuales.

 Durante el Gundam Summit 2025, celebrado a puerta cerrada en la Ciudad de México, Bandai Namco reunió a ejecutivos de Crunchyroll, TV Azteca y representantes clave del retail nacional para compartir tendencias y estrategias frente al aumento de la demanda de anime en México.

El fenómeno del anime ha crecido gracias al contenido digital que llega a nuevos consumidores. De hecho, el mercado de merchandising de anime creció 10.65% del 2023 al 2024, según Grand View Research (empresa de investigación de mercado y consultoría).

A nivel local, marcas como Banpresto, Tamagotchi y Gashapon reportaron un crecimiento de 60% en el último año. Los productos de colección se han convertido en más que un pasatiempo: son una forma de expresar identidad, mantener un vínculo con las franquicias favoritas y pertenecer a una comunidad global de fans.

“Eventos como Gundam Summit fortalecen nuestro trabajo con empresas y retailers, quienes son fundamentales para atender la creciente demanda de los mexicanos. Estas colaboraciones permiten que tanto nuevos como antiguos seguidores disfruten de productos de calidad”, dijo César Muratalla, Director Comercial de Bandai Namco México.

La compañía sigue transformando el coleccionismo y el entretenimiento, demostrando que coleccionar figuras es una forma de expresión personal que une generaciones y mantiene vivas las franquicias icónicas.

“Más que vender productos, buscamos crear experiencias que conecten emocionalmente con distintos públicos, integrando lo físico y lo digital. Así fortalecemos nuestra comunidad, mantenemos vivo nuestro legado cultural y llegamos a nuevas audiencias en México y Latinoamérica”, concluyó Muratalla.

La experiencia es obra de Fever, la plataforma global de entretenimiento, en colaboración con Musealia, especialistas en contenidos históricos. Juntos han creado un recorrido que va mucho más allá de mirar: aquí exploras, interactúas y participas como si fueras un pasajero más a bordo del Titanic.

Primero te sumerges a 3,800 metros bajo el mar para ver los restos reales del barco. Luego, la narrativa te transporta al año 1912, justo al momento en que zarpó el Titanic, con acceso a sus rincones más emblemáticos: la Gran Escalinata, los comedores de lujo, los camarotes privados, y más. Todo, narrado e hilado con personajes históricos que formaron parte de esta historia trágica y fascinante.

Desde fans del cine y la historia hasta familias, viajeros curiosos y quienes siguen fascinados con el Titanic.

Ya puedes registrarte en la lista de espera para enterarte antes que nadie de la venta de boletos. La venta oficial arranca el 7 de agosto.

El lineup 2025 es una mezcla inreíble entre íconos que marcaron generaciones, nuevas voces que rompen algoritmos y propuestas que suenan a futuro. Billy Idol, Nathy Peluso, Maldita Vecindad, Latin Mafia, Bandalos Chinos, Caballo Dorado, Enjambre, Carlos Sadness, Elsa y Elmar, El Gran Silencio, Porter, Tino el Pingüino, Meme del Real, Pilaseca y más artistas conforman un cartel ecléctico que promete algo para cada alma inquieta. ¿La sede? De nuevo el Autódromo de Querétaro, que este año tendrá una nueva distribución para que puedas moverte con más libertad, gozar con más comodidad y vivir cada acto sin perderte entre multitudes.

Pero Pulso GNP no es solo música. Es un viaje sensorial que también incluye gastronomía local, muestras culturales, activaciones, zonas de descanso, pueblos mágicos y hasta rincones para desconectarte del caos mientras el bajo resuena a lo lejos. Es un día para bailar, gritar, abrazar, mirar al cielo y recordar por qué la música en vivo nos salva.

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Prepárate, porque esto no es solo un festival: es un ritual colectivo que nos recuerda que vivir —y vibrar— es increíble.

Su despedida no fue sorpresiva. Hace unas semanas, Ozzy ofreció su último concierto, sentado en un trono decorado con figuras sombrías, como si supiera que esa sería la última vez que estaría frente al público.

John Michael Osbourne nació en 1948 en una familia trabajadora en Aston, Birmingham. Tuvo dislexia, problemas escolares y varios encuentros con la ley. Abandonó la escuela y estuvo preso por robo, pero encontró en la música una salida. A los 14 años, escuchar a The Beatles lo cambió todo.

Tras varios intentos fallidos con otras bandas, en 1969 fundó Black Sabbath junto a Geezer Butler, Tony Iommi y Bill Ward. Con ellos grabó algunos de los discos más importantes del metal: Black Sabbath, Paranoid, Master of Reality, entre otros. Su estilo oscuro, su voz inconfundible y su presencia escénica lo convirtieron en una figura clave del rock duro.

Su carrera estuvo marcada por el abuso de drogas y alcohol. En 1979 fue expulsado de Black Sabbath. Pero no se quedó ahí. Sharon Arden, quien más tarde se convertiría en su esposa, lo ayudó a reconstruir su carrera. Como solista lanzó álbumes fundamentales como Blizzard of Ozz, y fundó el festival Ozzfest, que impulsó a decenas de bandas emergentes.

En total, Ozzy vendió más de 100 millones de discos entre su etapa con Sabbath y su carrera como solista. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y otra en Birmingham.

𝗢𝗭𝗭𝗬 𝗢𝗦𝗕𝗢𝗨𝗥𝗡𝗘 – 𝗕𝗮𝗿𝗸 𝗮𝘁 𝘁𝗵𝗲 𝗺𝗼𝗼𝗻 (Live)pic.twitter.com/siULU8q5Nr

En los últimos años su estado físico fue deteriorándose. En 2003 sufrió un accidente en cuatriciclo. En 2019 se le diagnosticó Parkinson tipo 2, además de enfisema pulmonar. En 2022 contrajo Covid-19, lo que agravó su salud.

El pasado junio, Ozzy dio lo que sería su última presentación. No caminó por el escenario. Cantó sentado, con esfuerzo pero con la fuerza que lo caracterizaba. No necesitaba más.

Ozzy Osbourne fue mucho más que un “Príncipe de las Tinieblas”. Fue uno de los pilares de un género que cambió la historia de la música. Un símbolo de resistencia, escándalo, transformación y pasión. Su figura, su música y su forma de romper las reglas seguirán siendo referencia para generaciones enteras.

La película promete ser una inmersión brutal y atmosférica en el folklore medieval europeo. Según revelaron Variety y Nexus Point News, el guion ha sido coescrito por el propio Eggers junto al poeta islandés Sjón, con quien ya compartió créditos en El Hombre del Norte. Como en sus obras anteriores, Eggers apuesta por un realismo visceral: los diálogos están redactados en inglés antiguo, con traducciones y anotaciones para conservar fidelidad lingüística a la época.

Aunque inicialmente Eggers quería rodar Werwulf en blanco y negro, se ha confirmado que este enfoque fue descartado, aunque se mantendrá su estilo visual crudo y atmosférico. El rodaje arrancará en septiembre de 2025 y el estreno está programado para el 25 de diciembre de 2026 en Estados Unidos, repitiendo la misma fecha navideña con la que Nosferatu logró un inesperado éxito en taquilla.

Lily-Rose Depp, otra de las figuras de Nosferatu, está en negociaciones para unirse nuevamente al elenco, esta vez como la esposa del personaje principal, aunque su participación aún no ha sido confirmada de forma oficial.

Robert Eggers has confirmed that his upcoming film ‘Werwulf’ is by far the darkest thing he’s ever written. pic.twitter.com/QFjyqQJRhq

En la producción repiten nombres clave: Chris y Eleanor Columbus, quienes respaldaron Nosferatu, volverán como productores ejecutivos, consolidando la confianza que Focus Features ha depositado en Eggers desde La Bruja, El Faro y The Northman.

Además, se ha confirmado que Werwulf no será el único proyecto del director en los próximos años. Eggers tiene en la mira la dirección de una secuela de Dentro del Laberinto, producción largamente pausada que desarrollará junto a The Jim Henson Company y TriStar Pictures, con fecha tentativa para 2028.

Con Werwulf, Eggers reafirma su lugar como uno de los cineastas más singulares del terror contemporáneo, obsesionado con la oscuridad de los mitos antiguos, los paisajes inhóspitos y las lenguas muertas que, bajo su mirada, siguen vivas, rugiendo en las sombras.

Los fanáticos del fútbol ya pueden adquirir entradas exclusivas que son mucho más que un asiento en el estadio. Los paquetes incluyen acceso privilegiado, experiencias gastronómicas locales, entretenimiento en vivo y ubicaciones de lujo para disfrutar de los partidos. La oferta está diseñada para quienes buscan vivir la Copa Mundial desde una perspectiva única y con todas las comodidades posibles.

Los precios parten desde los 1,350 dólares por persona para asistir a un solo encuentro de la Fase de Grupos o de los dieciseisavos de final. Pero quienes deseen vivir la emoción de forma más continua también pueden elegir opciones como el abono de selección, con un costo aproximado de 6,750 dólares, que permite acompañar a un país específico en sus tres partidos iniciales del torneo.

Otra alternativa es el abono por estadio, cuyo precio arranca en los 8,275 dólares. Esta modalidad ofrece acceso a entre cuatro y seis partidos en una misma sede, lo cual podría incluir encuentros decisivos, incluida la tan esperada Final del Mundial 2026. Cabe destacar que estas entradas no están disponibles para los países anfitriones —México, Estados Unidos y Canadá—, pero sí para los aficionados de las demás selecciones nacionales. Esto abre la posibilidad de que seguidores de equipos europeos, sudamericanos, asiáticos o africanos organicen su itinerario en América del Norte con una experiencia mundialista de primer nivel.

Imagen de portada: SOPA Images